Carlos Zaldívar

Amanecer 2 Bella 2012

2011-12-13T09:07:00.000-08:00

Insisto... ODIO, pero odio mucha música en español, y más si se trata de Rock, pero ÉSTA.... esta BANDOTA... es MI SEGUNDA EXCEPCIÓN.

No ma... que rolota !

O, ¿Será que pega fuerte en los sentimientos?

¿En la nostalgia?

¿En la melancolía?... ¿Tristeza?

¿Cuánto valor tiene una lágrima?

Buena rola, composición, música, arreglos y la voz... me encanta.

Saludos, y ¡que role el video!

Accept - Kill the Pain

2011-12-13T06:17:00.000-08:00

A great ballad....
Enjoy it

Sadness

2011-12-12T09:21:00.000-08:00

http://youtu.be/zuh3WyfVL2M

Sometimes you enjoy being sad.
This composer is just superb!
Albinoni, rules your emotions.

"Loving writings.
Missing your writings.
Missing you.
Loving you."

(Just an example for this awesome musical composition)

BLACK SABBATH fan.

2011-12-08T18:47:00.001-08:00

El Escritor y Su Musa.

2011-12-06T20:09:00.000-08:00

Si Platón viviera en la actualidad, cambiaría sus definiciones.
Carlos Zaldívar

Seis de la mañana y el despertador no había sonado. A Mauricio se le había olvidado ponerlo la noche anterior. Trabajaba como capturista en una oficina de gobierno, de esas en las que antes de atenderte, primero desayunaba su tamal, el atole y leía “el financiero”.
A las ocho de la mañana debía estar ya sentado en su lugar, capturando las fichas de pago de los contribuyentes, pero eso sí, llegaba unos quince minutos antes para ver su perfil en la “red social”, y a veces era mucho tiempo; apenas tenía 11 amistades y no tenía mucho que leer.
Otras veces se tardaba, porque a Mau, le encantaba escribir, aunque fueran puras “pendejadas”… pero le fascinaba, e igualmente, casi no lo leían.

Empezaba el invierno, y el sol se iba a dormir más temprano. El nacimiento de la noche comenzaba.
Vivía solo por el sur de la ciudad y su trabajo quedaba al otro extremo de la misma. Invertía el tiempo en el transporte para leer, leer y releer a los clásicos.
Sabía que al llegar a su rutina, guardaría los libros, ingresaba a su red social, leía incoherencias, se embutía su desayuno y a las ocho de la mañana estaba atendiendo a los contribuyentes.

La tecnología alcanzó a Mau y finalmente, con su primer aguinaldo, logró comprarse un teléfono móvil con acceso a la Internet, y más feliz… porque tenía acceso a su red social.
Parte de la rutina era leer, escribir, leer y escribir y leer…

Pasaba el tiempo como si la rutina fuera parte de su reloj. Tic – tac y todo seguía igual.
Y llegaba la primavera y nada cambiaba la rutina de Mau, exceptuando las decenas de post que escribía en su perfil de la red social y que apenas a una o a dos personas “les gustaba”. Ni más, ni menos.
Cierto día, por la mañana al encender la computadora, leyó el mensaje “hola”.
Curioso, porque todo el día se la pasó pensando en ese saludo, porque el remitente era “anónimo”, o por lo menos eso era lo que leía.
¿Se podrá dar de alta alguien como “anónimo”?
Al día siguiente, animado y con un sentimiento de asombro, llegó mucho antes al trabajo, el reloj apenas marcaría las siete con treinta minutos.
Encendió la computadora.
Segundos más tarde leía: “Me gustó tu comentario. Anónimo”.
- ¡Caray! – expresó. ¿Y si no fuera anónimo y fuera anónima? Así que ¡presto! Y a escribir más. Esta ocasión plasmó sus ideas de una manera interrogativa: ¿Quién eres? ¿En dónde estás? ¿Cómo sabes de mí?
Al final del día, apagó la computadora, y no hubo respuesta.
Esta sensación de querer saber quién es anónimo o anónima lo estaba desequilibrando mentalmente, pero al mismo tiempo sentía ganas de escribir más.

El siguiente mensaje fue a los dos días, con una pequeña historia de anónimo, sobre Mau. El fondo de la misma era sobre la búsqueda de algo perdido, en una jungla y la metáfora era sobre el amor ¿platónico de Mau.
¿Había sido coincidencia? ¿Cómo carajos sabría anónimo del amor platónico de él?
Fue como una puñalada directa al alma.
Pasó una semana. El buen Mau seguía metido en su rutina, bueno, iniciándola media hora antes de lo normal, para escribir y volver a escribir.
El destinatario ahora era ese perfil bajo el nombre de anónimo.
Seguía estupefacto, pero, ¿Acaso no sería una casualidad? Y seguramente, lo estaba tomando como una causalidad. ¡Era imposible saberlo!
Durante más de una semana seguía pensando, y el meollo de la situación es que quedó enganchado con ese perfil en la Internet. Pensaba exactamente como en su época en la secundaria.

En aquella época, si hoy lo era, antes era mucho más tímido e introvertido; de hecho cuando su mejor amigo supo que tenía un amor platónico en ese grado… fue hasta la universidad.
Fue reservado con todos, tanto que difícilmente mostraba sus emociones. Es más, de hecho en esa etapa académica en que “todos los alumnos son ñoños”, no había tecnología como en la actualidad; caso contrario, se le hubiera quitado lo tímido.
Todas las mañanas llegaba temprano al salón de clases, no para tomarlas, sino para ver llegar a su personaje favorito, a su dama amada y a su musa para estudiar.
Así la consideraba. No había tareas o exámenes en que inconscientemente se viera inmiscuida en la vida de Mau, y que fuera su inspiración durante dos años y obtuviera excelentes calificaciones.
De hecho, ese amor platónico no estaba en la lista de su grupo, era un poco menor que él, pero la había visto muy seguido, y es que a raíz de ese sentimiento propio y oculto supo que la casa de ella era aledaña a la suya.
Todas las mañanas después de levantarse se asomaba por la ventana, y a unas pocas cuadras, muy a lo lejos se podía observar su casa, de tres niveles, con la luz de una recámara pequeña encendida. Él sabía que se estaba levantando.
Llegando a la escuela, rodeaba la entrada principal por el lado derecho para poder pasar por los salones del grado anterior al de él, y volver a verla.
Sabía que algún día tenía que saludarla o por lo menos lograr que ella lo viera.
Pero ese día no llegaba.
Por las tardes, Mauricio salía en la bicicleta a pasear, no sin antes pasar por esa casa y de regreso… la misma ruta.
Soñaba, y soñaba mucho, pero más que nada, soñaba con ser escritor y poder dedicar su vida a ese amor platónico mediante miles y miles de palabras halagadoras.
Ese día tampoco llegaba.
Era como una rutina diferente cada día, escuela, casa, escuela y muchos sueños.
Había quedado enganchado con esa niña de cabello largo, hermosa o no, pero para él SÍ, delgada y un rostro de tanta ternura que hasta se imaginaba tocándola con exagerado cuidado.
Pantalón largo escolar y blusa holgada. La mirada salía de unos ojos bellísimos y profundos donde se veía la claridad del mar durante el día y el bosque caluroso y verde durante antes del anochecer. Todas esas descripciones las traía en mente cada día de esa etapa, junto a su mochila y el balón de fútbol.
Escuchaba mucho al grupo Foreigner y sus baladas románticas, de las cuales hoy rara vez las escuchaba en esos LP’s.
Todos los días de los dos últimos grados de secundaria se fueron así, y al final, logró graduarse con honores e ingresar a la preparatoria… con el mismo recuerdo.
No volvió a verla, ni en la universidad. Pero en ésta logró tomar un curso de “Análisis Literarios”, el cual abortó a los seis meses, pues de hecho las reglas y la teoría nunca se llevaron con Mau. Él quería escribir sin ton ni son, y escribirle a ella… a ese recuerdo.
Deseaba hacerlo constantemente y sin parar… siempre escribir diferente, contando viejas anécdotas y nuevos episodios de su vida, como si ella fuera su mejor amiga, su confidente.
Cada vez que la recordaba, de la misma manera, cerraba los ojos por unos cinco segundos y lentamente sentía que una lágrima resbalaba por su mejilla derecha…
Ni una palabra salía de su boca, tan sólo un suspiro.

¡Ring! Seis de la mañana en punto y el despertador levantó a Mauricio de un sueño delicioso y exquisito y maldiciendo al aparato porque un pudo ver el final. Pero se propuso escribirlo en cuanto llegara al trabajo.
Así que se apuró un poco más de lo normal y en la oficina estaba registrándose en punto de las siete horas con diez minutos.
Apresuró el paso, llegó a su computadora, la encendió y ¡Madres! Ahí estaba un “post” de “anónima”. De hecho ya había deducido que era femenino el personaje de ese perfil y por la manera de escribir.
Estaba totalmente enganchado, que no podía parar de leer y de escribir.
La rutina era diferente cada día, no porque leyera ni escribiera todos los días, pero hacerlo y leer y escribir cosas diferentes, hacía que no existiera rutina.
Mau estaba absorto en la computadora por mucho tiempo, y en la hora del almuerzo, la comida y la merienda, estaba de igual manera inmerso en el móvil.
¿Cómo pudo engancharse con alguien a quien no conoce? Raro, extraño pero esta es la historia de Mauricio.
Ha pasado mucho tiempo, y aquella experiencia nunca la olvida, porque en ocasiones seguidas sigue pensando en ella, en la misma mirada y al mismo tiempo lo plasma en lo que escribe.
¿Qué habrá sido de ella? ¿En qué lugar vive? Sólo los recuerdos son bellos y ahí, en el corazón… perdurarán.
Al anochecer se despedía de “anónima” con un simple post: “hasta mañana.”
Este tipo de “conversaciones” hacía que se enganchara más con la computadora, no era una persona real, es más… posiblemente ni ficticia; a veces pensaba que era el inconsciente y que el mismo sistema operativo de la computadora se auto programaba con algún tipo de algoritmo para interactuar con el usuario.
Mau no sabía mucho de tecnología, de lo contrario hubiera ya dejado el puesto de capturista y tendría a su cargo todo el departamento de sistemas.
Pero, si lo fuera, ¿Tendría el tiempo para estar inmerso en la computadora para leer y escribir?

Ya vivía todos los días emocionados, sentía el ímpetu ansioso para llegar a la computadora y “leerla” y al mismo tiempo el deseo de “escribirle”.
Pero, ¿A quién? ¿A la computadora?
Sólo con este hecho, siempre se figuraba una tele transportación a su época de escolapio de secundaria. Fingía en que la computadora era “ella”… esa belleza que aún conservaba en su corazón y que hoy por los hechos de la lectura y escritura seguía viva.

¡Puta Madre! ¡Qué emoción! Poder leer a alguien y escribirle, el mismo sentimiento encontrado en dos polos opuestos.

Al lunes siguiente, encendió la computadora y leyó: “Me gustaría conocerte”.
Mentalmente quedó atrapado en un hoyo negro sin fondo y perdido durante años luz, y apenas volvió a abrir los ojos y el segundero del reloj de su pared casi no se movió.
Pareció una eternidad.
- ¿Qué respondo? – pensó. Y por algunos minutos sintió que muchas miradas estaban sobre él. Sus compañeros casi no convivían entre ellos, pues estaban todos en las computadoras trabajando como ratones de biblioteca, pero “el gran salto” que dio Mau de la silla, llamó la atención de todos.
Al día siguiente, martes, encendió la computadora. Leyó “el próximo fin de semana…”
Ya casi no dormía, vivía con ese sentimiento del placer de llegar, leer y escribir.
¿Es acaso la computadora un amor platónico? Me encantaría poder conversar con el mismo Platón y escuchar su respuesta, o por lo menos… leerla en algún post.

Pasaron muchos días sin leer. Sólo escribía con ansiedad, haciendo preguntas y no obteniendo respuestas. Habían pasado más de 11 días.
Se sentía triste, aunque pensaba que el amor platónico de la computadora fuera real o no… no era importante.
Lo único valioso es que por primera vez supo que aún tenía la cualidad de poder amar y querer a alguien, aunque no la conociera o no existiera, pero ahí estaba: en su corazón.

Aún la pensaba.
Era ya su musa.

Y el lunes de la siguiente semana, llegó a la oficina.
Encendió la computadora.
Y leyó.

WET - FIRE

2011-10-24T09:50:00.000-07:00

WET – FIRE
Presentando a sus Wet – Girls. Ah, y su EP también.
Por Carlos Zaldívar

LA BANDA.
Ya una vez dentro de la forma de vivir y religión del ROCK, muy difícilmente se puede abandonar. La única opción es seguir adelante y nunca darse por vencidos.
Hoy en día las banda de Rock tienen que librar muchas adversidades, y las dos principales son: la económica y la otra es el apoyo familiar. Afortunadamente las bandas a las que hoy les doy seguimiento y apoyo total no padecen de la segunda.

Como lo he afirmado siempre, el Rock se lleva en la sangre, es una forma de vida y hay que mostrarle siempre respeto.

Hoy, la banda Wet – Fire es una muestra más de que en este país SÍ hay calidad musical, entusiasmo y se hacen bien las cosas.
En aquella presentación del 27 de mayo del año en curso, alguien comentó que por qué cantaban en inglés, que si acaso eran malinchistas. Pues dejen les digo que todo lo contrario. Cantar en español, GENERALMENTE, te cierra muchas puertas; y en inglés la banda se globaliza, abre puertas a la internacionalización y a la comunicación entre fans de todo el mundo. Wet – Fire va tomando ese rumbo.

Una banda, liderada por Gino D Giorgio y un extraordinario line – up de músicos de alta calidad.
Con temas propios y además alternan con uno que otro cover de grandes bandas. Eso me parece perfecto, para luego degustar los propios.

Wet – Fire va deprisa y con demasiadas ganas, y tan sólo basta verlos en el escenario para dar fe de lo que escribo. ¡Bandota! Y con mucho futuro.
Este fin de semana, presentaron su primera producción oficial, su EP titulado Wet – Girls, junto con algunos souvenirs.
Una compilación de temas propios y que al escucharlos puedo afirmar que tocan un Rock muy propio, con buenas letras y que se escucha una cohesión muy fuerte entre los músicos/instrumentos.

En tan poco tiempo y ya con este EP, es de felicitarse y de merecer una aceptación del público a primera instancia.
Sé que no es fácil lo que han logrado, sacrificios económicos, familiares, de tiempo, dinero y un esfuerzo sobre humano, de afrontar diversas situaciones y muchas veces navegar contra corriente.
Pero este sábado tuvieron el placer de saborear lo cosechado, sentir el éxito y la gran satisfacción que su trabajo salió a conocer la luz del mundo.

Tienen que seguir por este camino, de la persistencia, constancia y religión de Rock.

LA TOCADA.
Así pues, la invitación para la presentación del EP llegó a tiempo y se pudo agendar la visita al Bar “Rock & Road” de la Ciudad de México.
En punto de las 09:30 llegamos al bar, y curiosamente en la entrada había tipos de guardias de seguridad del grupo “Lobo” y muy atentos y amables, como ¡para Ripley!
Un bar mal atendido, sin prever situaciones como la de ese día, y obviamente caro, sin comida, ni botana y bueno…
La música de fondo ambiental, buena, con metal ochentero y a buen nivel auditivo. Todo bien… hasta que llegó el primer grupo denominado “pato machete”. Cada quien sus gustos, pero de esto, al Rock, hay un abismo de diferencia.
Posteriormente de fondo musical, rolas que ni al caso, y no dudo que ya a altas horas de la noche y después de cualquier concierto, programen basura.

Bueno, aguantar todo esto, bien valió la pena, porque pasados los primeros minutos del domingo, se abre el telón (pantalla gigante) y aparece el line – up de WET – FIRE. ¡Puta Madre! Todos brincamos del asiento y no volvimos a la silla, aplaudimos y gozamos de esa presentación y de excelentes rolas.

¡Qué manera de dominar al escenario! Además la actitud de Gino en el micrófono invitó a todos a cohesionarnos con la banda de una manera inigualable.
Constaté que desbordaron pasión, ganas y mucha, pero mucha música de primerísimo nivel.
Músicos de alta calidad, y además para rematar, unos covers muy bien interpretados. Destaco el de Megadeth, “Symphony of Destruction” y la del encore, una rola de 1989 a cargo de Neil Young: “Keep on Rockin’ in a Free World”.

Claro que no podía faltar la única rola (hasta el momento) en español y es que aquí se merece cantar así, la ahora clásica de Wet – Fire, “Mantis Religiosa”.
No tengo el setlist completo, pero lo que vivimos esa noche de este fin de semana ahora pasará a la historia, ésta que se está escribiendo por ellos y nosotros, para que dentro de veinte años recordemos… “… ¿Recuerdan aquel lanzamiento del primer EP?...”

El atractivo visual fue sin lugar a duda las Wet – Girls, quienes prestaron su belleza e imagen para la elaboración del calendario 2012 de la banda.

¡A seguir adelante! Mis amigos de Wet – Fire. Y nos vemos en la siguiente, que por cierto estoy checando en su website que es para el 4 de noviembre, cumpleaños de un servidor y a ver que puedo agendar.

¿A quién dedico estas palabras?
Ni más ni menos que a tu señora madre, estimado Gino. Ojalá lea estas palabras y deje le dijo respetable Señora, que tiene un hijo con el corazón y la nobleza enormes.
Un gusto y placer haberla visto en esta presentación y espero que disfrute tanto como yo le evolución de WET – FIRE.

Nos vemos en la siguiente.

IMMORTAL. Mexico

2011-10-24T08:09:00.000-07:00

IMMORTAL.
México. Octubre 7 de 2011.
Los Noruegos conquistaron a estos mexicas con un estruendoso Black… Metal.
Por Carlos Zaldívar

Sin lluvias había acontecido el clima en las últimas semanas en esta ciudad. Sin novedad alguna y todo bajo el mismo sol.
La espera había terminado, y bajo el efecto de algunos kilos de ácido acetilsalicílico, dopado… manejaba rumbo al recinto de calzada La Viga, el ya famoso e incestuoso Circo Volador. El cielo ennegrecía y algunas gotas comenzaban a caer. Al poco rato la lluvia era firme.
Pasaban las siete de la noche, y el cielo de la ciudad estaba muy oscuro y la lluvia aceleraba su caída, esto significaba que IMMORTAL (breve inclinación) había arribado a la ciudad.
Este clima fue la bienvenida para el grupo noruego de Black Metal.
Ya en el recinto nos juntamos los fieles para esperar el inicio del concierto.
Ansiosos y casi desesperados, escuchamos a los juarenses de Evil Basher tocar un metal muy pesado y posiblemente hasta aturdidor. – “Parece un muy buen grupo de Black Metal” – pensé.
Un trío con mucho poder…. Pero, apenas pasadas las nueve de la noche, se oscurece por completo el Circo Volador y la euforia en nosotros hace presencia: Abbath, Horgh y Apollyon estaban subiendo al escenario. Y en ese momento hice la comparación del grupo anterior con esta mega bandota noruega, ¡nada que ver! Los primeros se convirtieron en una micro banda y los olvidé en ipso facto.

¡Estruendoso! Desde el primer decibel emitido por este trío, la euforia jamás cesó. Abbath con su voz gutural pero sin gritar comenzó a deleitarnos con “All Shall Fall”, la primera rola de este sacro concierto.
Horgh por su parte, tranquilo y con un estilo bastante peculiar de hacer retumbar a la batería y percusiones, una personalidad muy suave de vista y devastadora al oído.
El Black Metal estaba a su máxima expresión, los Marshall estaban completamente aturdidos y explotaban en cada acorde que emitían los escandinavos.

Parecía que el Circo Voladora estaba siendo demolido por un terremoto de 12 grados en la escala de Richter… altísimos decibeles y ¡por supuesto! Para eso es el Black Metal, para escucharse hasta que los oídos sangren, las venas exploten y el alma se escape hacia el paraíso… y que, finalmente, nuestro cuerpo quede inerte y congelado ante la magna interpretación de IMMORTAL.

Llegó la segunda rola “Sons of Northern Darkness” y el slam al centro del foro no se hizo esperar, se encontraban ya todos los feligreses en pleno disturbio emocional y disfrutando de la presencia tan imponente de la banda. Y es que no es para más, IMMORTAL es una banda muy representativa de este género, además de poseer en su maquillaje una magia tan incisiva en nuestras mentes que permea todo nuestro ser, y pensamos: “Así debería pintarme todos los días”. Además como nórdicos, su simple presencia física se impone en el escenario.
Tres seres enormes de corazón y de fuerza para interpretar uno de los mejores géneros musicales que hoy en día existen.

“The Rise of the Darkness” continuó con este recital tan fino y estruendoso al mismo tiempo.
En lo personal no me agrada mucho el Black Metal donde los vocalistas se dedican a gritan sin ton ni son, y donde el baterista se dedica a matar a su instrumento. No soy fan de Mayhem ni de Marduk ni de otros por el estilo, pero IMMORTAL… es IMMORTAL y lo será por los siglos de los siglos. Éstos, NO gritan, aunque Abbath tenga la voz gutural y tampoco hacen escándalo a lo pendejo, éstos, sin lugar a dudas, son los FINOS del Black Metal… para disfrutarse y volverse a emocionar infinitamente.

“Damned in Black”, “Triumph”, e “In My Kingdom Cold” llegaron. Todos estábamos tan extasiados y desde mi lugar fue impresionante ver y disfrutar a todos los “Horns Up” alabando a los noruegos.
Como dijera algún tipo en una leyenda del viejo mundo: “Hasta no ver, no creer”. Y es que al escuchar los álbumes de esta banda, bien pudiéramos imaginar a dos o tres vocalistas o a uno sólo con una voz tan gruesa que mataría a cualquiera de un susurro; y a unos 20 músicos conectados a cien Marshall donde los batacos y percusionistas le pegaran tan fuerte que a sus instrumentos, que éstos tendrían que ser remplazados a la mitad de cada presentación… ¡Increíbles decibeles!

Es y ha sido de los mejores conciertos que hayamos disfrutado, Ricky y yo en muchísimo tiempo. Todo el poder de la banda nos cubría en el recinto como un manto sagrado originado en el país escandinavo. Fieles a la recomendación de Lord Varg Vikerness, seguíamos haciendo reverencias y alabanzas a Abbath, Horgh, Apollyon y por supuesto al creador de las letras: Demonaz.

Con “Tyrants” creció más la emoción y estaba seguro que iba a ser un extraordinario concierto, de esos de los que se escuchan hit tras hit y que al final sólo que la tristeza de que faltaron un sinnúmero de rolas. Y así fue.

Interpretaron “The Call of Wintermoon”, “Hordes of War” y “Mountains of Might”… y seguíamos alimentando a nuestros oídos de puro, total y absoluto veneno de Black Metal. Sólo sentía escurrir algún líquido y aseguraba que era sangra sagrada, que IMMORTAL ya estaba dentro de mí y sacaba los sobrantes.

Y no podía faltar “Battles in the North”, una de mis grandes favoritas y tocada una y otra vez hasta quebrar las copas que lucen… bueno, lucían en la vitrina de mi casa.
“Battles in the North” es ya un ícono del Black Metal en todo el planeta.
Terminarían con “Blashyrkh”… pero sabía que faltaba.
Así que para el encore, y con el recinto a reventar de feligreses, regresaron para aventarse “Withstand the Fall of Time”, la maravillosa “One by One” y la cereza del pastel con “The Sun no Longer Rises” (que por cierto, un dato curioso: el sol ya se va a apagar, tan sólo le queda de vida cincuenta mil millones de años, según nature.com)

Y entonces, las luces se encendieron. Muy, pero muy satisfechos y simultáneamente tristes, faltaron decenas de rolas.

Casi no escuchaba, ensordecido sólo escuchaba un zumbido interior, como comprobante de tan altísimos decibeles. ¿Habría quedado sordo de por vida? ¡Me lleva! ¿Cuánto me va a costar el dispositivo auricular para volver a oír? – todo esto pasó por mi mente en tan sólo un segundo.
También pensé y deseaba que con tan estruendoso concierto y altísimos decibeles registrados en la escala de Richter, al igual que un mega terremoto, se hubieran derrumbado la basílica y la catedral de la ciudad, pues así también lo hubiera deseado Vikerness.
Al día siguiente los periódicos no registraron el movimiento telúrico y mucho menos la pasmosa presencia del grupo de metal en la ciudad.

Mi eterna gratitud a Jean, la “Chica Concierto”, porque por ella pude presenciar a IMMORTAL.

Judas Priest. Epitaph Tour 2011

2011-10-05T12:39:00.000-07:00

Más de 40 años de Pontificado en el Heavy “Fucking” Metal.
Por Carlos Zaldívar

Este papa no está vejete ni babea…
Nos bendijo, nos conmovió y comulgamos hasta liberar nuestra alma.

“La última y nos vamos”. ¿Cuántas veces no hemos repetido esta frase? y seguramente en todas jamás lo cumplimos. Eso es lo que espero de esta mega bandota inglesa: Que no se retiren. El EPITAPH tour tiene por objetivo ese mismo, el despedirse de sus feligreses en todo el mundo. Pero, el METAL no es una corriente música, va más allá de ser eso, ES UNA FORMA DE VIDA y se lleva en la sangre.
La historia completa y mucho más información sobre Judas Priest está en este mismo blog, sus conciertos, reseñas, historia, discografía… así que me enfocaré al legado de esta banda y el significado para nosotros.

La noticia nos sorprendió en primera instancia: Judas Priest realizaría la última gira en su carrera, pero después de digerirla lentamente, puedo asegurar que será muy difícil, pues en algún momento de la vida de cada uno de sus integrantes vuelve a las “andadas”. Casi con esta noticia, K.K. Downing comenta en conferencia de prensa que “tiene desacuerdos” con la banda y que renuncia a ella. ¡Caray! Ahora resulta que estuvo como en el matrimonio y después de más de cuarenta años juntos, resulta que NO es compatible con Judas Priest. Ésta sí fue una triste noticia. Así que la banda se dio a la tarea de buscar guitarrista y contrataron al monaguillo de Richie Faulkner.

Meses antes ya teníamos los boletos y la espera se hacía eterna. Llegó el mes de septiembre y contamos los últimos 30 días de espera recontando los mejores videos de su historia.
EPITAPH es el nombre de la gira del adiós, y llegaría a esta ciudad el último día del mes.

Y parece que fue ayer que vimos al ahora Papa del Metal, Rob Halford con su banda, tocando en el programa inglés “Old Grey Whistle Test”, las de Rocka Rolla y Dreamer Deceiver entre otras.
Hoy, Rob Halford, Ian Hill y Glenn Tipton giran alrededor de los sesenta años… ¡Como ha pasado el tiempo!
Escuchamos, vivimos y crecimos junto a Judas Priest y otras bandas de la época, y hemos gozado estos cuarenta y dos años de Pontificado con puro, total y absoluto HEAVY METAL.
Y basta repetir las palabras del Papa: “… Nu Metal, Thrash Metal, Speed…. It’s just Heavy Fucking Metal…” Amén.

Cada álbum lo hemos disfrutado al máximo, en estudio, en vivo, recopilaciones y hasta los tributos. Una banda legendaria que el planeta vio nacer en 1969 y seguirán hasta sus últimos días; porque éstos… llegarán, lamentablemente.

Por fin, la espera terminó, y el mismo viernes iniciamos la antífona de la comunión con unos buenos tragos del cáliz sagrado de la cebada; gocé de excelente compañía a lo largo de esa tarde: Jeannette, Ricky y Hugo Adriano, con quienes compartí, comparto y espero seguir compartiendo extraordinarios momentos de la vida y del Metal.

Tic… Tac… Tic… Tac… La hora de inicio de la sagrada misa del Metal estaba a punto de iniciar.

Desde nuestra llegada al Domo de Cobre, se sentía ese ambiente de los miles de feligreses que asistíamos a la adoración de esta mega bandota. Procuramos el ritual de la playera, taza y cuanta madre y media con el logo y bendición de J.P. para el recuerdo.

Dentro de centro ceremonial religioso, y como lecturas antecesoras al evangelio salieron David Coverdale y su banda: WHITESNAKE. ¡Qué bandota! Y regresan para esta gira con un súper álbum más denso y mejor elaborado que los anteriores. Su nombre: Forevermore, de donde se descuelga en número uno, homónimo.
Pero a esta banda ya le dedicaré otro espacio especial.

En punto de las 8:30 pm se oscurece el recinto de cobre, muy pocas luces de cámaras en celular y da inicio al Evangelio de Epitaph según Rob Halford.
Y se arrancan con la Intro y “Rapid Fire”… De ese momento jamás nos volvimos a sentar.
Nos paramos, alabamos y gritamos todas las canciones de la banda. Fue exageradamente emocionante. El escenario, tal cual catedral metalera nos brindó a la vista una detallada catarsis al alma.

Y para continuar este sagrado concierto llega la rola que identifica a cada integrante y ex integrante de Judas Priest: "Metal Gods”. ¡A gritar se ha dicho!
Y es cuando piensas: ¡Puta Madre! Más de 40 años… ¡CUARENTA Y DOS AÑOS!.... ¿Desde cuándo? Apenas tenía 10 años cuando ya escuchaba en algún vinil importado, el Sad Wings of Destiny, a: The Ripper.
Inolvidables recuerdos de la primaria… musical.
A “Metal Gods” le siguió “Heading Out The Highway” y la extraordinaria y verídica “Judas is Rising”. ¡Fenomenales Rolas!
Todos los feligreses no parábamos de disfrutar a esta banda. Veía a Rob Halford y es increíble la entereza física y emocional, pero principalmente su voz tan etérea y ruda al mismo tiempo.
Comenzaron “Starbreaker” y la prueba de su extraordinaria voz se plasmó con “Victim of Changes”. Increíble composición de la banda. Luego vino “Never Satisfied” para plasmar nuestro mejor sentimiento y emoción en ese momento y que después aparecería al final del concierto: Aún no estamos satisfechos… queremos más y más Metal.
Faulkner se para al frente con una guitarra acústica y entonces supimos que venía el cover a una hermosa rola de Joan Baez: “Diamonds And Rust”, pero esta vez terminaron con una tremenda vibración en las percusiones que nos obligaron a alargar los aplausos. Esta pieza es una belleza tanto musical como emocionalmente.

Momentos después, y con la luz tenue, aparece el Papa con sus sagrados hábitos. Sotana larga, encapuchado y con el báculo inicia nuestra bendición. De fondo musical está “Dawn of Creaton”... para luego estallar con “Prophecy” y entonces sí, todos al unísono: “…I am Nostradamus!”.
Fue uno de los momentos perfectos en la misa y será uno de los que más recuerde de entre muchos conciertos de Metal.
Su bendición fue bien recibida.

Luego llegaron “Night Crawler”, “Turbo Lover” y una fantástica “Beyond The Realms of Death” donde imagino a mi hermano Armando López sacando sus kleenex que prometió llevar para esta rola tan especial.

Es importante mencionar que en casi todas las rolas cambiaban las mantas alusivas al álbum en cuestión y de las más ovacionadas fue la de “British Steel”, álbum ya de culto y que no puede ni debe faltar en cualquier colección de cualquier persona que se declare melómano.

Vinieron “The Sentinel”, “Blood Red Skies” y un hit más que nos prendió: “The Green Manalishi”. Composición del gran Peter Green y grabada por Fleetwood Mac a inicio de los setenta.
¡Uf! Y las rolas que faltan…

Y para demostrar el poderío de la banda en el escenario llegaron “Breaking the Law” y “Painkiller”. Portentosas rolas de sublimes álbumes. Ese de Painkiller ya es un ícono del Metal, donde demuestran poder tanto en voces, cuerdas y percusiones… denso, fuerte y con letras excelentes.
Luego Travis se avienta un solo de batería para luego dar inicio a la fastuosa “The Hellion”.

De fondo aparece una manta con un ojo al centro, e iluminándose… llega “Electric Eye”. Y a seguir gritando, cantando y ovacionando a Rob.
Remataron con “Hell Bent For Leather” y terminaron con “You’ve Got Another Thing Coming”… Pero sabíamos que faltaba.

Además faltaban algunos minutos para la medianoche. ¿Cuál seguiría?
¿Regresarían para otro encore? Por supuesto que SÍ. Y entonces se despidieron con “Living After Midnight”.

Otro de los más bellos momentos es cuando se escucha la potente máquina de esa Harley y ansiosos esperamos la presencia del Papa… segundos después, aparece lentamente avanzando en esas 2 ruedas, demostrando su carisma y canon de sacerdote. Y la bandera de México cubriendo a la moto fue un momento espectacular.
En esta bandera, Rob salió anteriormente envuelto en ella, y bastó ese momento para que todos los fans asistentes hiciéramos vibrar al Domo de Cobre.

AMÉN.

JUDAS PRIEST Line Up:
Rob “The Pope” Halford: Vocales.
Glen Tipton: Guitarra.
Richie Faulkner: Guitarra.
Ian Hill: Bajo.
Scott Travis: Batería.
Todos Nosotros: Feligreses.

Dedicado a mi hijo y compañero sagrado del Metal: Ricky.

SLAYER. México Junio 2011

2011-06-24T09:51:00.000-07:00

EL MEJOR MARTES DE MI VIDA, GRACIAS A SLAYER
Jesús García Favila

Slayer, banda californiana que sacó a la venta su primer disco Show no mercy en 1983, se presentó anoche en el Palacio de los Deportes. Como la mayoría de las bandas de su tiempo, grabó su primer disco con bajo presupuesto. Sin embargo, después de casi 30 años siguen tocando en vivo para el público metalero y ayer en la noche fué el turno de la Ciudad de México.

Puntuales a la cita, comenzaron los primeros guitarrazos con World Painted Blood, Hate Worldwide y War Ensemble. Tom Araya, bajista y vocalista de origen chileno agradecía al público, por su parte Dave Lombardo, baterista, uno de los más reconocidos en el género y Kerry King, guitarrista se alistaban para seguir tocando canciones clásicas como Dittohead, Dead Skin Mask, The Antichrist y Americon.

Mandatory Suicide y Seasons in the Abyss, canciones que vieron la luz al final de los ochenta y principios de los noventa, fueron de las más aplaudidas. Después de no presentarse en México desde 2007 y aún con la ausencia de Jeff Hanneman, principal compositor y guitarrista original, pero perfectamente sustituido por Gary Holt de Exodus, el público presente entre empujones, gritos, slam y aplausos, disfrutó de uno de los conciertos más pesados ofrecidos en esta ciudad.
Para finalizar tocaron South of Heaven, Raining Blood, Black Magic, Angel of Death, temas tanto representativos de Slayer por su lírica y ritmos, como para el género del Thrash Metal. El slam estaba a todo lo que da, la banda gritaba y aplaudía con todas sus fuerzas, estuve en el mosh pit más grande que he visto y amanecí con grandes dolores en cuerpo y cuello.
Ha sido el mejor martes de mi vida.
Slayer lo vale.

Anima Tempo, Junio 2011

2011-06-14T14:32:00.000-07:00

México – Finlandia – México… Directo y sin escalas.
Mönster Bar. Junio 11, 2011
Por Carlos Zaldívar

Eran los primeros días escolares del año 2004 cuando mi entonces alumno, Carlos Carbajal, llegó a ser uno de mis estudiantes, brillante, por cierto. Ni tarde ni perezoso, me di cuenta su afición por la música y su pasión por ser baterista.
Pasaron pocos años cuando finalmente me invitó a admirarlo (¡Y vaya que lo hice con gran gusto!) tocar la batería con la banda “Caustica-X”.
Esta presentación se dio en el bar de nombre “Heavy Metal Sports Bar” por la avenida de los Insurgentes, en el D.F. No sé si aún siga ese bar, pero fue muy emotiva y espectacular la tocada en tan pequeño antro metalero. Se aventaron unos 4 ó 5 covers de Metal Progresivo y creo… que 2 composiciones propias. El nombre de ¡Caustica-X! ya había quedado almacenado en mi alma.
Sin más palabras, al terminar, me acerqué a la batería y le dije a Carlos al oído: “Mi estimado, estás muy, pero muy cabrón en la bataca”. Eso sí es tocar la batería y no intentos de…

Les fui siguiendo la pista, hasta conocer al vocalista, Gian Granados, bueno, sólo de nombre y posteriormente lo saludé afuera de otro antro, en su siguiente presentación.
En esta ocasión nos saludamos, pero no le dimos mucha importancia. “Caustica-X” se presentaba en el Chocolat - Bar, de Polanco, junto con otras 9 bandas.
¡Puta Madre! – exclamé.
¡Cómo han mejorado!, además Carlos se veía más reflexivo tras la bataca y su pasión se rebosaba golpe tras golpe con cada baqueta…
Los demás integrantes desbordaron de igual manera la misma pasión. Lo que me pudo fascinar es que las letras reflejaban ese nivel cultural – intelectual del que ya tanto he hablado, y no frases muy superfluas. Reflejaban pasión, poder por la música y gran corazón por compartir lo que tocaban.
¡Qué Bandota! - Y cantando en inglés, van a llegar muy lejos.

A la banda le llegaron cambios en la alineación, de hecho Carlos llegó en uno de esos, que al final de cuentas es una evolución de la banda, claro, para mejorar.
Posteriormente llega un cambio importante, el nombre de la banda se redefine y queda como “ANIMA TEMPO” (breve inclinación, mis queridos dos lectores) y… ¡A despegar!
Antonio Guerrero es quien ahora se encuentra a cargo de la batería y también con muy buen nivel de energía sobre los tambores, platillos y bombo.

Para octubre y noviembre de 2010, Anima Tempo cumplió uno de sus objetivos (¡y los que faltan!): Ganaron “Rockeando en Finlandia” y se fueron a ese país a una pequeña gira. Exacto, ese mismo país, cuna de innumerables bandas de primerísimo nivel y de donde ya muchas de ellas nos han venido a visitar, hospedándose en el Circo Volador para presentar sus composiciones y maravillas musicales. Pero, ahora le tocó a México: Anima Tempo fue de visita y a demostrar que SÍ tenemos bandas que pueden competir con muchas bandas escandinavas, a demostrar que no todo aquí es ruido populachero y música “apta” para “idiotas” y placebos sociales.
En México también tenemos bandas de primer nivel, además de Anima Tempo tenemos a The Arkitecht, War Kabinett, Carphatya, Glass Mind, Wrecker y The Legion of Hetheria entre otras tantas.
Anima Tempo ha tenido el placer de abrir aquí en México para Dragonforce, además de haber ganado su participación, junto con The Arkitecht, para estar en el Wild Metal Fest, en Cancún, México; y tocar en el mismo escenario donde también participaron Rottenness, Divinitus, Dead Trooper, Enslaved, Marduk, Tristania, D.R.I. Keep of Kalessin, Maligno, Blood Red Throne y Sepultura entre otros.

Pues bien, esos mismos tipazos de Anima Tempo, que fueron, regresaron y volverán a ir… se presentaron ahora en Tlalnepantla en el ya muy afamado Mönster Bar de Viveros del Valle.
Presentaron composiciones que vendrán en su próximo álbum “Caged in Memories” con el setlist:
Inner Demons
Victims of the Aftermath
Silent Angel
Confessions (en lo personal una de mis favoritas)
Behind the Gates of a New Come (instrumental pkm)
Faith of Collapsed
Mi fiel acompañante, Ricky, y yo… quedamos inmersos desde el primer decibel de Inner Demons; como anonadados (por no escribir “apendejados”) con tan sublimes voces guturales de Thomas y el juego de cuerdas de los sensacionales Gian y Dante.
Haber disfrutado esa gran “cena musical” con lo mejor del Metal Progresivo Nacional fue como degustación de los mejores vinos, envejecidos y de los más finos. Esta misma finura que se nota al escuchar cada acorde musical, la armonía y el poder de los integrantes de la banda; el de disfrutar como se apasionan por lo que les gusta y gozan tanto como nosotros de tan equivalente calidad auditiva.
¡Queremos Más! – fue lo que gritamos antes de Faith of Collapsed, y así fue. Una más y salimos de ahí, satisfechos y al mismo tiempo con ese sentimiento de vacío espiritual como cuando le falta la cereza al pastel, y no es para menos: Anima Tempo son de esas bandas que quisiéramos que tocaran horas y horas durante una noche larga y oscura sin parar…
Sólo puro, total y absoluto Metal Progresivo para nuestros oídos.

En este momento no me atrevo a calificar a la banda en tan afamada escala del uno al diez. De hecho ellos saben que no llegan al diez, pero estamos seguros todos, que llegarán.
Su alineación es:
Gian Granados- Voz y guitarra
Dante Granados- Guitarra Líder
Thomas Peñaloza- Teclado y voz
Pedro Vera- Bajo
Antonio Guerrero- Batería
No les perderé la pista a mis ahora hermanos/amigos de A.T.
Por cierto aquella vez del Chocolat – Bar conocí a Glass Mind con muy buen material musical y este sábado reciente 11 de junio compartieron escenario con Anima Tempo.
Carphatya fue la banda abridora, también de excelente nivel, pero de estas dos bandas, ya hablaré en otra ocasión.

Con una pequeña y humilde dedicatoria a mi amigo Carlos Carbajal: Suerte en Weakness Wkss, que tu señor padre estaría profundamente orgulloso de ti.

Con gran admiración a Gian.

Anima Tempo, ¡STAY PROG!

ACCEPT en México

2011-05-26T06:03:00.000-07:00

De Beethoven a Accept, la historia imposible de creer
Accept: Blood of the Nations Tour 2011.
Circo Volador, 8 de Mayo, Ciudad de México.
Por Alejandro Corral

“So out of a funny little idea we created somewhat of a monster”
Wolf Hoffmann, guitarrista y co-fundador de Accept
Hablando de la canción “Fast as a Shark”

Andy Sneap es el nombre del talentoso personaje detrás de la producción, mezcla y edición del último disco de estudio firmado por la banda teutona Accept. Además de su actividades detrás de decenas de bandas como consolidador final de sonidos (entre las que destacan Kreator, Megadeth, Exodus, Arch Enemy o Cradle of Filth), Andy es fan del metal desde su niñez en Inglaterra y guitarrista de una banda de thrash metal llamada Sabbat, en honor de ya saben quien. Cuenta el susodicho que en sus años de puberto, estaba obligado a presentar un examen final de química y en vez de presentarse a tan obligada tarea, prefirió escabullirse a una tienda discos que anunciaba para ese día la venta del vinilo “Restless & Wild” de Accept; con tan buena suerte que en el camino se encuentra a su padre y éste, en vez de soltarle un sermón moralista, prefirió llevar a su retoño a la tienda y comprarle tan ansiado material. Desde ese día (y tal vez mucho antes) la música sería más importante que la química, física y matemáticas juntas. Dos décadas después el azar, ese maldito entrometido, lo llevó a conocer a Peter Baltes y Wolf Hoffmann (líderes de la agrupación); le pidieron producir su nuevo trabajo, del cual traían algunas grabaciones y demos. Sin pensarlo aceptó, pero recomendó a los interpelados escuchar los discos de la banda de principio a fin, realmente escucharlos, con esa devoción propia de los adolescentes en épocas de escuela. Hoffman refiere ese episodio como fundamental para la concepción del nuevo trabajo. Andy conocía de memoria, corazón y alma las canciones de la agrupación y sabía por donde irse. El resultado es a todas luces extraordinario, pero regresemos a 1976.

Ese año marca la profesionalización del grupo en la pequeña ciudad de Solingen, al oeste de Alemania, aunque su gestación haya sido desde 1968 bajo la batuta del vocalista Udo Dirkschneider. Con Baltes en el bajo, Hoffmann en la guitarra principal y el tremendo Stefan Kaufmann en la batería (además de un segundo guitarrista), se completaba la alineación que en 1979 lanza al mercado una ópera prima homónima que no tiene mucho de rescatable, tal vez la portada que ha sido la mejor en su carrera, porque si de algo han adolecido estos arios es de un buen diseñador gráfico para sus materiales. Ya en 1980, por otro suceso harto afortunado del destino, conocen a Alex Young, hermano mayor de la dinastía Young, mejor conocida por ser la columna vertebral del grupo AC/DC. Ese Alex es responsable de regalarles su primer éxito, “I’m a Rebel”, que utilizaron para nombrar también el álbum. Además conocieron al productor germano Dirk Steffens, músico de conservatorio, quien tocaba el piano y la guitarra, y quien también les presentó a Ludwig Van Beethoven, del cual tomarían muy buenas ideas. Este disco no es tampoco algo fuera de lo normal, es más, salvo el tema principal muy poco tiene de rescatable, pero sentó las bases del sonido característico de la banda; la voz de Udo ya comienza a tener una proximidad con Bon Scott, gracias a Alex Young. Cuando salió al mercado “Breaker” (1981) hablamos, ahora si, de los grandes trabajos, de la época dorada, de la consolidación. Este álbum tiene la enorme peculiaridad de ser mezclado por el talentosísimo Michael Wagener, en cuyo currículum vítae encontramos mezclas y/o producciones como “Master of Puppets” de Metallica o “No More Tears” de Ozzy. Además tuvieron la enorme fortuna de salir de gira de promoción como teloneros de Judas Priest y de los maestros de las guitarras dobles del Heavy Metal, aprendieron como nadie el oficio. “Restless & Wild” (1982) documenta el nivel de perfección que alcanzaban los alemanes en esto del Heavy Metal, aunque sin lograr el éxito comercial despiadado, tal vez para bien de la banda, porque si lograron un enorme respeto dentro del mundo del rock pesado. “Balls to the Wall” (1983), repitiendo la fórmula Wagener/Steffens en la producción, alcanza el punto más alto en el ‘mainstream’ y es en este disco donde puede entenderse la esencia de la banda: guitarras pulidísimas, batería impecable y potente, un bajo por demás grandioso, coros hechos por los propios músicos (un sello característico) y la siempre sorprendente voz de UDO que nos hace pensar en un gigante alemán de dos metros, cuando en realidad es un chaparrito regordete. La gran racha se cierra con “Metal Heart” (1985), un disco muy peculiar, explotando elementos de la música clásica y con toques de rock progresivo, cortesía del productor Dieter Dierks, eterno colaborador de Scorpions (los más famosos del rock pesado de esa patria) y promotor del Krautrock, o rock progresivo alemán. Algunos momentos soberbios son capturados en vivo para el álbum doble “Staying a Life” (1990) de la gira de promoción realizada durante 1985 por tierras niponas.
Todavía en 1986 alcanzan un buen nivel con “Russian Roulette”, retornando a un sonido más cargado a sus primero discos y sin ganas de volver a trabajar con Dierks. ¿Una mala decisión? Quien sabe, pero los discos posteriores hubieran sido otros si el mencionado productor se hubiera quedado con ellos. Comenzó pues la época de los discos auto-producidos.
La única excepción (por la mala acogida del disco de la ruleta rusa) ocurrió cuando trajeron de vuelta a Dierks para lanzar un disco sin Udo, quien había decidido irse por su cuenta y probar en solitario bajo el nombre U.D.O. “Eat the Heat” (1989) fue el nombre de ese raro trabajo y del cual pude rescatarse la totalidad del mismo, sin embargo en lo comercial fue un rotundo fracaso. Se hablaba entonces de la desaparición de la banda, sin embargo tres nuevos esfuerzos auto-producidos y sin una relevancia real nos llegaron en el transcurso de cuatro años: “Objection Overruled” (1993) el mejor de todos, Death Row (1994) y Predator (1996). El primero se manejó como un reencuentro y del mismo se desprendían ciertas nostalgias metaleras de buen nivel, sin embargo cuando entró 1997 el rompimiento fue definitivo.

Debieron pasar 14 años, casi tres lustros para volver a saber de Accept (excepto otra reunión allá por 2005 en unos festivales europeos) y lo hicieron reconstruyendo la banda, bajo la batuta del mentado Andy Sneap. Para ello se trajeron a bordo a un baterista experimentado en el arte del metal en serio, el también alemán Stefan Schwarzmann (quien ya los había acompañado en la gira del 2005) que en su haber tiene participaciones con otras dos bandas emblemáticas del metal germano como Helloween y la misma U.D.O. También tiene su historia con los suizos de Krokus, donde experimentó el lado más agresivo del género para el disco del 2006 “Hellraiser”.
También invitaron al guitarrista Herman Frank, colaborador en el legendario “Balls to the Wall” en la guitarra rítmica y para ya no estar con los dimes y diretes del eterno Udo, sin buscarlo, encontraron en el estadounidense Mark Tornillo la nueva voz e imagen de la agrupación, a raíz de unas sesiones informales que lo juntaron con Hoffman y Baltes. Así, con la columna vertebral intacta, pero con sangre y aliento renovados, el año pasado presentaron su “Blood of the Nations”, catapultándolo de inmediato al “Top 100” en once países del viejo continente y llegando en su natal Alemania a la cuarta posición, lugar nunca antes alcanzado. Y no es para menos, este nuevo Accept viene de manera literal rompiendo madres y tímpanos, con una potencia nunca antes escuchada y haciendo de este nuevo material su mejor y más completo disco a la fecha, y eso ya es mucho decir, porque en los ochenta ellos fueron por mérito propio de lo mejor que el metal nos ofertaba. Ahora por primera vez se presentarán en México y por supuesto que los estaremos esperando.

La Crónica

Un domingo tranquilo, apacible y lleno de realidades que se topan en la cara cuando uno viaja en metro. Un México maravilloso, pintoresco, tan lleno de contrastes parece encontrar en los vagones del tren urbano un refugio impersonal, una morada involuntaria y un lugar de reunión donde todos los personajes posibles tienen cabida. Una parada antes de la estación “La Viga” en honor del legendario y ancestral mercado de pescados y productos del mar, comienzan a notarse aquellos seres emergidos del rock más pesado que pudiese escucharse. Ataviados del obligado negro, con playeras alusivas a agrupaciones del género, decenas de jóvenes (y no tan jóvenes) emergían del subsuelo para dirigirse hacia uno de los pocos espacios a contra corriente con los que cuenta la ciudad: “El Circo Volador”, con su modestísimo escenario (antes cine propiedad de la extinta Compañía Operadora de Teatros SA), pero con todo el entusiasmo de seguir exhibiendo desde cine gótico hasta el más experimental metal que pudiera llegarnos de Europa. Docenas de conciertos, exposiciones, maratones fílmicos, talleres, recitales, actos políticos han encontrado un foro de expresión, un espacio casi natural y lo han abrazado con todas sus fuerzas. En un Lobby improvisado, donde antes se encontraba la dulcería, el expendio de cervezas y algunos dulces, para no desvirtuar el origen; sus paredes, unos semi-murales relatando los horrores del infierno, las novedades del Apocalipsis y cientos de criaturas horripilantes. Ya en la sala, donde antes se alzaba la gran pantalla, ahora se ha levantado una tarima, en el lugar destinado para los asientos de luneta, en teoría los más cómodos, se han dejado los desniveles para recibir al público de pie y en el balcón se han respetado los asientos. Según datos del lugar, la capacidad instalada permite recibir a unos 3,000 asistentes y la entrada estaba programada para las 19:00 horas. Una hora antes estábamos recorriendo los escasos puestos (un gran amigo y su ahora enorme hijo), donde las playeras eran el artículo promocional más socorrido. También había algunos verdaderos artículos de colección, onerosos y fascinantes: álbumes de edición limitada, discos de vinilo importados, DVD’s originales con presentaciones en vivo de varios artistas difíciles de encontrar. No por nada son locatarios del mercado del Chopo los que improvisan este mercado para ofrecer sus productos.
Después de unas exageradas medidas de seguridad para acceder primero al recinto y luego al pie del escenario, en punto de las 20:00 horas y con las respectivas cervezas en mano, recibimos a los mexicanos de War Kabinett con un concepto de Heavy Metal gótico bien elaborado, pero con algunas fallas en el sonido. Muy prendidos, dejaron al público listo para recibir a los teutones.

Cuando el reloj marcó las 9 de la noche, una enorme manta con el nombre de Accept y algunas alusiones al nuevo disco se descubrieron y de manera casi simultánea se apagaron las luces. Se acomodó el baterista del apellido complicado detrás de su instrumento y comenzaron los acordes del primer tema. En total serían 19 piezas, recorriendo sobre todo la época dorada de la banda y por supuesto la última entrega. Una novedad fue la ausencia del guitarrista Herman Frank, por la hospitalización de emergencia en Houston, TX, debido a un accidente durante su show en esa ciudad; varias costillas rotas y un pulmón perforado fue el saldo de tan azaroso incidente. Su contraparte melódico, el extraordinario Wolf Hoffmann se haría cargo de todo el trabajo con la siempre caprichosa guitarra. Teutonic Terror (Blood of the Nations, BOTN de ahora en adelante) fue la primera entrega y del mismo disco nos regalaron Bucket Full of Hate. Cabe mencionar que desde que se apagaron las luces hasta que, dos horas después, se encendieron de nuevo, la energía, el entusiasmo y la entrega de los integrantes del grupo fue de aplaudirse. También vale la pena señalar el buen comportamiento de los mil seguidores que nos dimos cita. Ningún incidente y todo fue una convivencia donde el rock fue el pretexto perfecto para cerrar una semana más.
Starlight fue la primera canción rescatada del baúl de los recuerdos, ésta, del “Breaker” (1981) y la cual compartimos con un ánimo casi suicida al reventarnos la garganta con tanto grito. Del mismo álbum el tema homónimo que cimbró los cimientos del circo volador. Para New World Comin’ (BOTN) todo era una hermandad de playeras negras, cuernos formados con las manos al aire y cientos de gargantas coreando cada estribillo. Hoffmann respondía con unos rifs magistrales y en el bajo el señor Baltes con su abundante y rizada cabellera, a lo afro, daba cátedra de interpretación y el ex-Krokus en la bataca, reventaba a madrazo limpio cada bombo y platillo. El amigo Tornillo aprovechó para leer unas palabras en español y explicar la razón por la cual el otro guitarra Frank estaba ausente esa noche. Y llegó desde 1982 Restless & Wild (R&W), del disco del mismo nombre y la locura podía cortarse con cuchara. “La muchacha quiere ser actriz, el muchacho motociclista (easy rider), ellos quieren vivir……. Restless & Wild”. Toda esa rebeldía de los años mozos, contrastando con los temas del BOTN más cargados a la crítica, al poder destructor de las guerras, a la sangre derramada en las calles, a los políticos corruptos, a las grandes corporaciones despiadadas.
Haciendo honor al país hispano parlante en el que se encontraban, del Objection Overruled (1993), interpretaron Amamos la Vida, así con el título en castellano, como un raro ejemplo de balada metalera para descansar un poco los ánimos y recobrar el aliento. Y si, amamos la vida y si, estamos hasta la madre y sí señor Sicilia, estamos con usted por los mismo, por que esa sangre de las naciones de las que habla Accept se ha derramado cruel e irresponsablemente en la nuestra y por eso estamos hasta la madre, por eso No + Sangre.
Del Russian Roulette (1986) interpretaron Monsterman, como preámbulo a un pequeño milagro: cuando llegó el turno de Metal Heart (del disco homónimo de 1985) Tchaikovsky y Beethoven fueron los invitados de honor. El ruso primero con una breve introducción de su marcha eslava; para la mitad de la interpretación el pequeño milagro del que hablo ocurrió de manera casi tan natural como la respiración de un millar de pulmones: haciendo un coro homogéneo, al compás que marcaba la guitarra de Hoffmann, el tema de “Para Elisa” del genio alemán, se escuchó por un minuto como un grito común, como una exhalación que nos hermanaba de un modo difícil de explicar. Y viene a mi mente un diálogo de la película alemana “La Vida de los Otros”, ganadora del oscar a mejor película extranjera y recordada en México porque le arrebató el galardón al “Laberinto del Fauno” de Guillermo del Toro. En una secuencia el actor principal (un dramaturgo y escritor en los años de la RDA) hablaba con su pareja de que Lenin había dicho una vez que necesitaba dejar de escuchar a Beethoven, de lo contrario nunca terminaría la Revolución. Con el departamento intervenido por una agente de la Stasi (policía secreta en la Alemania Democrática), el susodicho funcionario se conmueve y al escuchar la “sonata para un hombre bueno” (en la película acreditada a un amigo recién suicidado en la historia) interpretada al piano por el escritor, comienza la transformación clave del férreo investigador. Guardando las debidas proporciones, esa misma transfiguración ocurrió a cada uno de los asistentes cuando movidos por una melodía inspirada en una pieza clásica, hicimos un gran coro e hicimos de ese momento, una gran convivencia colectiva; la música lo hacía de nuevo, había conseguido un pequeño milagro.
Siguieron con Neon Nights (R&W) y Bullet Proof (Objection Overruled), donde intercalaron unos solos de bajo/guitarra de Baltes/Hoffmann, con un mano a mano entre ellos, donde muy divertidos sacaban notas y acordes de sus instrumentos de manera casi irresponsable, pero muy aplaudida por el respetable. Después llegó uno de sus mejores temas con Losers and Winers (Balls to the Wall – BTW, 1983) que en lo personal festejé de manera emotiva. Del Russian Roulette rescataron Aiming High, pieza que dejó un buen sabor de boca para recibir Princess of the Dawn (R&W) como tal vez la mejor interpretación, si es que nos aventuramos en escoger algo de lo tan rico y variado de la noche. Historia cargada de dragones, princesas y leyendas teutonas. Para Up to the Limit (Metal Heart), sabíamos que estábamos en los estertores del concierto y el primer final llegó con la fabulosa No Shelter (BOTN), donde otra vez retumbó el coso de La Viga y despertó a todos los fantasmas y monstruos dibujados en la pared. Se despidieron, pero sabíamos de antemano que algo nos debían.
En el sonido ambiental se escuchó el estribillo de una canción alemana infantil del siglo XIX, introducción inocente, contrastando con el poderoso Fast as a Shark (R&W), considerada una de las mejores piezas del Heavy Metal por su composición muy al estilo del speed o thrash metal, cuando estos géneros aún no se definían. Luego el último tema del BOTN con Pandemic, de lo soberbio de su nueva producción, preparándonos para lo que sería el obvio cerrojazo, el tema más esperado de la noche, un himno del metal, toda una tradición y sello característico de la banda: Balls To The Wall (sobra decir de cual álbum). “Son muchos esclavos en este mundo, muertos de tortura y dolor, mucha gente no ve, que se están matando ellos mismos….. ellos piensan que los esclavos siempre pierden y su miedo los mantiene indefensos….. pero van a romper sus cadenas y no los van a poder detener, van a venir por ti y entonces tendrás tus güevos contra la pared…….” Tema que invita a una rebelión de los oprimidos, con unos coros exquisitos que de nuevo sonaron como un colectivo de mil gargantas. “Balls to the wall yeahhhhh, balls to the wall…..” Y con los güevos, no contra la pared, sino en la garganta de tanto gritar con los mismos, se acabó la presentación y de muy buen humor nos retiramos del lugar. Otra vez, una más, la música había logrado sacar de nosotros lo mejor, lo más humano y de vuelta al tren urbano de regreso a casa, uno se topa con la cruel realidad de lo cotidiano; y es imposible no pensar algo: algún día, esos oprimidos, esos esclavos como los llaman en la canción, se van a levantar. Tantos polvorines, tantos muertos, tantas balas, tanta sangre han colmado la paciencia de muchos. La sangre de las naciones ha pintado muchas calles. Por lo pronto, sentado en un vagón del metro, sigo tarareando las canciones y estoy de muy buen humor.

En MISA, tributo a R.J. Dio en su primer aniversario luctuoso

2011-05-23T10:44:00.000-07:00

Water Effect by Crazyprofile.com

RONNIE JAMES DIO (1942 - 2010)

2011-05-16T10:37:00.000-07:00

The Best Musician. The Best Man. The Best Icon of Music. The Best of All Times.
Today is the first year without you. We all miss you and we will still playing your legacy to the end of times.
One year. You changed our lives so many years ago.
And next Friday 20th, Los Cerdos will offer a tribute for this GOD @ Kiss Lounge. 21:00 hrs. Be There and PRAY !

ACCEPT. La Espera Terminó.

2011-05-12T11:15:00.000-07:00

Pasaron casi veintinueve años para escuchar en vivo “Restless and Wild”.
Por Carlos Zaldívar

“It was those Classical Composers
who essentially laid the foundation for what we now call Heavy Metal”
Wolf Hoffmann

¡Portentoso! Un megaconcierto que dio este cuarteto teutón en el Circo Volador. Herman Frank no pudo completar en quinteto debido a un accidente en la tocada anterior y al momento se encuentra hospitalizado en Houston.
Aun así, y como en otras ocasiones, ACCEPT pegó durísimo con cuatro elementos.

Fue casi al final del 2° semestre en el CEL, iniciando la preparatoria y estábamos en la clase de diseño. Previamente había grabado en cassette aquel LP de recién adquisición y de importación de una banda alemana, de nombre… ACCEPT. Album de portada roja con dos guitarras incendiándose y que desde la primera rola quedé pasmado de tan descomunal metal.
Llevé una grabadora y junto a mis amigos “El Loco” y “El Camarón”, coloqué el cassette y la reacción de ellos fue la misma que la mía: ¡Qué Bandota!
De ese álbum se desprende “Fast As A Shark” que tiene una introducción simulando un LP rayado para que después de algunos segundos surja la voz de UDO gritando a sus máximos decibeles. Ésta introducción es de una canción tradicional de niños en Alemania titulada “Ein Heller und ein Batzen" (A Farthing and a Penny) con la cual quedamos totalmente inmersos en su música.
Le siguieron “Restless and Wild”, “Ahead of the Pack”, “Shake your Heads”, “Neon Nights”, “Get Ready”, “Demon’s Night”, “Flash Rockin’ Man”, “Don’t Go Stealin’ My Soul Away” y la fabulosa “Princess of the Dawn”. Todas éstas siguen grabadas en aquel cassette de 90 minutos.
Una y otra vez durante semanas disfrutábamos esas magníficas rolas. En el stereo de casa, en la escuela, en el coche y en la grabadora portátil. ¡Qué buen metal teutón!
Pues a partir de este momento comenzó el fanatismo con la banda. Entonces supe que había otros dos álbumes anteriores a “Restless and Wild” que fueron “Accept” de 1979, “I’m a Rebel” de 1980 y “Breaker” de 1981.
En ese line-up figuraban Udo Dirkschneider en las vocales, Wolf Hoffmann en la guitarra principal, Jörg Fischer en la secundaria, Peter Baltes en el bajo y Stefan Kaufmann en la batería. Ésta alineación duró sólo 4 años, y luego Herman Frank llegó a la guitarra secundaria siendo un quinteto extraordinario.
Alineaciones con varios cambios, pero siempre mantenido Udo, Wolf, Peter y con vaivenes, Stefan.
A partir de ese año, ya tenía tatuado (otro más) el logotipo de “Accept” en el pecho, y algunas calcomanías en el portafolios.
Se confirmaban una vez más a Alemania e Inglaterra como los mejores productores de excelente Metal a nivel mundial.

Para el siguiente año llegaría “Balls to the Wall”, cuya rola homónima al LP pegó muy fuerte en la radio. En ese año mi papá viajaría a Dallas, y al regreso me trajo el cassette original.
Hoy ese cassette aún lo conservo, pegado con cinta adhesiva y reconstruido, ya que estuvo dañado de tanto “adelantar” y “regresar” esa rola.
Udo se confirmaba como uno de los mejores vocalistas del género en Europa. Esa voz grave y en ocasiones fina, nos daba a imaginarnos a un vikingo de más de 2 metros de alto y con gran poderío en las cuerdas vocales. De hecho en las pocas fotos que había de él, se veía de altura normal, bueno… no tan bajito.
De este álbum me fascinan las rolas (además de “Balls to the Wall”) “London Leatherboys”, “Fight It Back”, “Head Over Heels”, “Losers and Winners”, “Guardian of the Night” y la mega balada de “Winter Dreams”.
Ahora debía conseguir ese LP.

Los primeros álbumes aún no los tenía, aunque ya había encargado “Accept” y “I’m a Rebel” a Music Plus en Estados Unidos, pero no les había llegado.
Ya anteriormente en un viaje había recogido el homónimo de “Aldo Nova” de un pedido vía teléfono.

Al siguiente año estábamos egresando de preparatoria (1985) y “Metal Heart” nacía. La rola homónima pasaría a formar parte del acervo musical mundial de cualquier metalero / headbanger. ¡Qué rolota Diablo mío!
Los arreglos, las percusiones y la guitarra de Hoffmann nos tienen, desde aquel año, súper intoxicados de adrenalina en el corazón… de metal.

Para 1986 salió “Russian Roulette” pero pasó de noche. En el billboard de los Estados Unidos se quedó en el lugar 114. Estábamos en la universidad y recuerdo haberlo visto, importado, en el bazar de Lomas Verdes. Lo compré, lo grabé y luego sabrá el Diablo donde lo dejé. Buen disco y letras, pero tampoco tuvo el éxito esperado.

UDO decide separarse del grupo para hacer carrera como solista, y para 1987 edita “Animal House” compuesto en su totalidad por ACCEPT y Deaffy. De aquí se desprende la rola homónima, “Lay Down The Law” y “Run For Cover”. Muy buen disco, pero, ¿Regresaría con Accept o seguiría en solitario?

Al llegar a la universidad, no perdí contacto con mis hermanos de la prepa, además ya tenía de pupilos metaleros a jóvenes en la preparatoria donde yo daba clases.
De Accept se hablaba poco, pero cuando se hablaba todos nos emocionábamos al escuchar sus éxitos y pensábamos en los conciertos.
“¿Se imaginan escuchar el Restless and Wild en vivo?” – Era una utopía y además, lejana para nuestro país.

Ya sin Udo, estaba la duda sobre la permanencia de Accept en la escena mundial, pero para ese año universitario, 1989, se incorpora David Reece a las filas de la banda teutona y el guitarrista secundario queda fuera. Con este line-up editan “Eat the Heat”, un disco de extrema rudeza y excelente vocales, composiciones y desde que abren con “X-T-C” y terminan con “D-Train” muestran una rudeza y una permanencia en el ámbito metalero.
Un LP que lo he tocado poco, porque el cassette aún existe. Una obra maestra, para mi gusto, que mucho aún no entienden. Hay que escucharlo muy tranquilos, en unos 3 ó 4 sentidos, depende del grado etílico en el que nos sumerjamos. Excelente disco con una alineación como quinteto ya que se alinea Jim Stacey.

Pasan 4 largos años de no saber de Accept, y finalmente para 1993 aparece “Objection Overruled” el cual ya lo compré en formato de disco compacto en su edición japonesa y con este álbum reafirman su lugar en la escena. Un disco que pareciera que Accept sólo recargó pilas y nuevamente a los grandes escenarios. Como cuarteto es que editan este álbum y la gira es impresionante. Se les califica como “La Reunión” de Accept. A éste le preceden los álbumes “Death Row” de 1994 y “Predator” de 1996.
De este “Objection Overruled” también se desprende una balada de nombre “Amamos la Vida” que cuando la escuché, me llegó profundamente, pues cantaban el coro en español.

Terminando su gira en Asia y para muchos Accept se desintegra y desaparece del escenario metalero por casi 14 años. No creo que haya sido, de hecho en el inter, Accept contó con varios vocalistas y allá por el 2005 participó en conciertos, festivales y otros menesteres, como Udo y sus composiciones como solista.
Para mí, ACCEPT siempre estuvo vivo y sus canciones nunca las dejé de escuchar, siempre presente en las ya aclamadas, “Metal Sessions”, en los discos y compilaciones de los “Sultans of Swing”, pero siempre... siempre se mantuvieron latentes.

Llegó la temporada de conciertos a la ex – catedral del metal mexicano, La Arena López Mateos, en Tlalnepantla, y alguna vez pensamos que Accept podría pisar dicho escenario en algún momento. No pasó a mayores el comentario.
Para finales de la primera década de los dos mil, los conciertos ya se fueron haciendo costumbre y la llegada de grupos de renombre era frecuente a nuestro país.
La era de la información y cantidad de ésta en la Red creció exponencialmente.
“Accept” era ya una palabra que surcaba las olas y navegaba de sitio en sitio por Internet.
Pronto, en el 2009 Udo anuncia su retiro oficial de la banda, y la tristeza duró pocos meses. En primera instancia significaba que la Banda volvería a las “andadas” y a realizar giras frecuentes.
No me imaginaba a Accept sin Udo, como a Supertramp sin Roger Hodgson, a Journey sin Steve Perry o a Sabbath sin Ozzy o sin Dio. Pero la noticia era un hecho.

Así que iniciando el año de 2010, y retomando el trabajo después de las vacaciones de invierno, me encuentro con la noticia que ya era de primera plana en Europa. Se edita “Blood of the Nations” y Accept sale de gira.
Los resultados de esta nueva alineación con Mark, ex vocal de TT Quick, y como quinteto, volviendo Herman Frank a las guitarras secundarias y Stefan Schwarzmann en la batería; es fenomenal.
Fue el disco del año en el ámbito musical, fue el resurgimiento espectacular de Accept, grandiosamente recargado y con la energía más que vasta como si fuera una banda integrada por jóvenes treintañeros, llegando a los primeros lugares de audiencia en varios países y México no fue la excepción.
La recepción del álbum de este gran regreso ha sido calificada por revistas y expertos en el medio, y las calificaciones han sido muy elevadas.

Para enero de 2011 se anuncia el sueño esperado: Accept en México.
¡Puta Madre! Los boletos van a volar. Estarían en el Circo Volador y su presentación estaba programada para el domingo 8 de mayo.
Los días fueron eternos, y en cada uno de ellos algo se comentaba en las redes sociales, los mensajes de Mark, Wolf y Peter en el perfil de Search & Destroy en su facebook, las crónicas de otros conciertos en Eyescream y los videos en YouTube.
Era ya una invasión de ACCEPT en la red y todos los fieles fans estábamos a la espera, contando cada minuto y cada segundo en nuestro reloj.
El “Blood of the Nations” tiene 13 majestuosas rolas, que absolutamente todas… pero absolutamente todas, son Hit Wonders, son de primer nivel y todas han cautivado de inicio a fin a todo metalero fan de los alemanes.
“Blood of the Nations” es el disco más esperado por muchos y el que ha dejado satisfecho a cualquiera que lo haya adquirido, es un álbum que pasará a la posteridad y formará parte de los 20 mejores álbumes editados en el siglo XXI.
Es una maravilla de álbum, y por ende, la espera para el concierto era terrorífica y nerviosa…
Desde “Beat the Bastards” hasta “Bucketful of Hate” nos invade tanta energía metalera que es un disco compacto que merece (y tiene) que repetirse una y otra, y otra, y otra vez…
Y no podía faltar el momento meloso con la balada metalera, en este caso “Kill The Pain” hace honor a este santiamén dejando un excelente sentimiento, provocando retomar aquel “corazón de metal” para convertirlo en uno de “miel”. ACCEPT será una banda inmortal.

Para esto, UDO se presentaría como solista una semana antes, aquí mismo, en el mismo foro de la Cd. De México, el Circo Volador. No dudo que haya sido un concierto espectacular, y obvio, cantaría los éxitos de Accept y algunas de sus propias producciones.

Pero ACCEPT, es la banda por tradición, y siempre será ACCEPT.

Este domingo por la mañana, despertamos con le noticia de que Herman Frank había tenido un accidente en el concierto anterior en San Antonio: 4 costillas rotas y el pulmón perforado.
Aquí comenzó la angustia, desesperación, nerviosismo e incertidumbre sobre lo que pasaría durante el día.
Accept pudiera cancelar el show y posponerlo, pudiera traer a algún sustituto en la guitarra secundaria, o… como sucedió y había sucedido en algunas otras ocasiones: Se presentaría y cumpliría su compromiso con los mexicanos como un cuarteto.
La mañana pasó rapidísima y en punto de las 7 pm ya estábamos en la entrada al Circo, Ricky, mi hijo y otro de mis hermanos del alma, Alex.
Toda la banda metalera y realmente fans de Accept estaban ya listos. Todos estábamos listos…
El rito de la playera, la taza y el llavero se fueron rápido, entramos y en punto de las 8:10 pm salió Stefan a la bataca, luego Wolf y Peter a las cuerdas para iniciar con Teutonic Terror. Al escenario adornaban algunos misiles cortos al fondo y 2 de largo alcanza, uno en cada lado. Mark se enfundó en su chaleco de mezclilla y su gorra para llegar gritando “Teutonic Terror” y todos coreando “We Will Give ‘em the Axe”…
De aquí hasta las 10:30 aproximadamente no paramos de cantar, gritar, movernos, brincar y volver a empuñar los cuernos hacia la banda. Esos cuernos ya tan famosos que el mismo DIO patentara ante el infierno y recibiera el halago de toda la comunidad headbanger.
Ahí estuvimos. Fuimos testigos de este gran concierto, que en lo personal estuve esperando ya por casi 30 años. Ver, admirar y cantar junto a esta gran banda teutona y escribir estas líneas; será ya un legado para futuras generaciones.
Las rolas más emotivas y llenas de una euforia enloquecedora fueron “Restless and Wild”, “Amamos la Vida” que incluyeron para el setlist en este lado del océano, “Metal Heart”, “Losers and Winners”, “Princess of the Dawn” y en el encore fueron “Fast as a Shark” y “Balls to the Wall”.

Al regreso mi hija Regina me preguntó: “¿Y enloquecieron como yo con Queen?”. Hija mía, por supuesto que enloquecimos y con demasiada pasión.
Ver hasta adelante a mi hijo emocionado, brincando y gritando; y Alex y yo de igual manera a tan sólo unos pasos atrás de él, hicieron que mi piel se erizara y el corazón quisiera explotar, y no sé mi alma, pero seguramente salió, botó al escenario y envolvió a Mark, Wolf, Peter y Stefan para luego regresar a mi cuerpo en tan sólo unos nanosegundos.
Fue un concierto bestial, muy metalero y con demasiada convulsión.
“Híper recontra excelentemente buenísimo” estuvo este show de Accept. Y esperemos que vuelvan pronto y como quinteto.
En Eyescream publicaron que si hubiera venido Herman, “sencillamente hubieran aplastado a Udo”. En lo personal SÍ lo aplastaron, y por mucho, pero esto mis queridos dos lectores, es simplemente una opinión y sentimiento personal.

Al final, como dijo mi amiga JeanOwar, fue triste, simplemente porque había terminado. En los alrededores del Circo estábamos deambulando bajo la nostalgia de “Queremos más Accept”, de “¿Por qué tuvo que terminar?”, y el de “¡Esperemos que regresen pronto!”, porque Accept tiene poder para muchos años más…
Enormes saludos también a mis hermanos headbangers que ahí también deambulaban, Gonzo, el Anónimo, Armando, Fer, Edu y Dante.

ACCEPT por los siglos de los siglos….

Gala Sinfónica de la O.S.M. 40 Aniversario de QUEEN.

2011-05-02T18:21:00.000-07:00

ORQUESTA SINFÓNICA DE MINERÍA
Gala Sinfónica QUEEN, conmemorando los cuarenta años del grupo británico.
Louis Clark, Director.
Por Carlos Zaldívar

“A concert is not a live rendition of our album. It's a theatrical event."
Freddie Mercury

¡Majestuosa! ¡Emotiva! ¡Sensacional! Y que mejores adjetivos para iniciar esta crónica de lo que vivimos el viernes anterior en el Auditorio Nacional.
Se presentó la Orquesta Sinfónica de Minería en una Gala para presentar los éxitos de la gran banda inglesa Queen conmemorando sus primeros cuarenta años.

Hablar de Queen, es hablar de una banda inigualable. Hablar de Freddie es hablar de un Dios insustituible. Hablar de May es hablar de uno de los mejores guitarristas del planeta. Pero ya se ha escrito demasiado sobre ellos.

Llegamos al auditorio casi a las 7 pm pensando en asistirían pocas personas, pero, ¡Sorpresa! Estuvo casi abarrotada la sala. Todos los instrumentos de la O.S.M. ya estaban en el escenario y la primera llamada se había escuchado por los altavoces.

Minutos después de las 8 pm subieron al escenario los músicos de la O.S.M. y los cuatro coros: “Coro Filarmónico Universitario” a cargo del maestro Oscar Herrera; “Coro ProMúsica” a cargo del maestro Samuel Pascoe; “Coro Convivium Musicum” a cargo del maestro Víctor Luna y a quien extiendo mis saludos y un abrazo, hermano de mi amiga entrañable del CEL, Claudia; y también el “Coro Ars Lovialis” a cargo de igual forma del maestro Oscar Herrera”.
Todos, bien alineados y esperando la autorización para dar inicio a la majestuosa presentación conmemorando los cuarenta años de QUEEN. ¡40 años Señoras y Señores!

Y de entrada, al apagarse las luces, inician con la formidable “Flash” y la piel se resquebraja y el alma vuela, mientras al pensamiento llega Freddie entonando “Flash” a bordo de una nave. Tema compuesto por Brian May en 1980 para el soundtrack de la película homónima.

De entrada, mi hija Regina ya se veía emocionada.
Ver a todos los músicos y la cantidad de coristas al fondo, hizo que luciera espectacular el recinto de Reforma.

Le siguieron “Play de Game”, “Bicycle Race”, “Don’t Stop Me Now” y al llegar “Love of my Life” la nostalgia se apodera de mí.
Fueron grandiosos los arreglos y la producción de esta obra, pues el toque sinfónico a la obra de Queen provocó un viaje emocional, de la melancolía y tristeza a la felicidad y emoción, pasando por despecho, depresión, amor, coraje y cuanta emoción conozca nuestro cuerpo.
Ese toque sinfónico hizo que al unísono de los coros, las canciones de Queen se sintieran por nuestras venas. Aún sin Freddie, se sintió su presencia, al igual que la de May, Deacon y Taylor.

Elena Durán, fue la flautista que acompaño a la O.S.M. en pocas ocasiones.

Después nos ofrecieron “Killer Queen”, “Somebody to Love”, “Save Me” y cerrando la primera parte del repertorio con “We Will Rock You”, una extraordinaria rola con la que según mi hija Regina, “todos nos volvimos locos en el auditorio”. Esta composición hizo que todos los asistentes siguiéramos al compás de Clark y Cía., con dos palmadas en las piernas y un aplauso… “We will, We will… Rock You!”… dos palmadas en las piernas y un aplauso… “We will, We will… Rock You!”…
Aún más emocionante ver a Regina seguir los mismos pasos, mismos acordes y mismo coro cuando todos vitoreaban la letra de Brian May.

Al regreso después de un lapso de diez minutos aproximados, regresaron con “We are the Champions”, “Under Pressure” quien junto con David Bowie compusieron, y que Queen la hiciera casi suya, “Who Wants to Live Forever”, “I Want to Break Free”, “You’re My Best Friend”, “Teo Torrete” de Brian May y que nunca se editó como sencillo, “Crazy Little Thing Called Love”, “Inuendo” y “Bohemian Rhapsody”.

Obras emotivas y sentimentales fueron “Who Wants To Live Forever”, “Inuendo” y obviamente “Bohemian Rhapsody”. Los arreglos de éstas fueron muy emotivos y a los fans asistentes provocaron diferentes sentidos de ánimo.

¡Volver a recordar momentos en el CEL! Muchos bellos momentos porque fue en esta etapa escolar, en los recientes 38 años, que vivimos “casi” al lado de Queen.
Momentos de amigos, muchas felicidades y pocas tristezas.
Al día de hoy, esa emoción creció exponencialmente a ver a mi hija emocionada, enfundada con sus jeans y su “playera oficial del evento” y cantando al unísono… “We Will, We Will… Rock You”.
Así como dijera el filósofo MasterCard: Boleto 500 pesos, playera 100 pesos, taza 70 pesos… Ver a Regina emocionarse cantando la obra de Queen y gritar como “loca” en el Auditorio a “We Will, We Will… Rock You”… NO TUVO precio.
Invaluable esta experiencia, porque la O.S.M. le puso la cereza al pastel, un enorme agasajo bajo la supervisión y dirección de Louis Clark, composiciones de Queen y coros de grandes voces dirigidas por Oscar, Samuel y Víctor, quienes también gozaron la presentación.
¡Y qué decir de los trompetistas! Pues emocionados armaron su propia “fiesta” entre ellos y gozamos al verlos ondearse entre sus instrumentos de viento. Las violinistas igualmente, y de hecho: ¡Que Bellas! Las percusiones de igual manera se presentaron muy “rockeros”. Y de hecho al principio también los coristas sintieron esa misma conmoción, pues la mayoría aplaudía y el resto les seguía el paso, a ritmo de “We Will Rock You” principalmente.

Cerraron con broche de oro. “Bohemian Rhapsody” hizo vibrar nuestros corazones. En este momento fuimos trasladados emocionalmente a “A Night At The Opera”, en aquel 1975 cuando apenas cursábamos el inicio de 4° de primaria y ya se entonaban los acordes de esta melodía, obra de Freddie Mercury. Dividida en tres partes y sin coros, pero en esta ocasión, la O.S.M. y los Coristas le pusieron el paladar sinfónico y el justo placer enternecedor y sensacional, para que todos recordáramos, volviéramos a vivir y sintiéramos con los violines, la tristeza; con las percusiones y los coros, la felicidad y retomáramos esos LP’s al llegar a casa.
Toda una Idea Musical, al estilo Rock STOCK.

¡Caray! y de Louis Clark, pues con una Curricula impresionante, con fastuosa trascendencia musical y extensa. Simplemente estuvo al lado de Jeff Lynne en ELO y también creador de las obras “Hooked on Classics” entre otros. ¿Algo más del señor?

Los aplausos, emotividad y algarabía por tan espectacular presentación hicieron que Sir Clark regresara a tomar posesión de la O.S.M. y de los Coros, y ¡Uff! Repitieron gran parte de “We Will Rock You! Así que la impresión nuevamente invadió a mi hija, quien de ipso facto se levantó de su lugar, corrió al pasillo y de pie rindió tributo a Queen, cantando y con sus pequeñas palmas golpeando el unísono de “We Will, We Will… Rock You”.

¡Qué gran espectáculo musical!

Iron Maiden. The Final Frontier Tour 2011.

2011-04-11T07:18:00.000-07:00

La historia de una banda que tenía el extraño don de contar historias de manera estruendosa
Iron Maiden. The Final Frontier Tour 2011.
Foro Sol, 18 de Marzo, Ciudad de México.
Por Alejandro Corral

“La controversia real llegó cuando los grupos y activistas cristianos (todavía
Amedrentados por el episodio del murciélago decapitado por Ozzy y el
Sospechoso título del álbum), catalogaron al grupo como satánico…
…Cierto que la portada del disco y las citas bíblicas no ayudaban a la causa,
Pero al margen de todos los escándalos, ni ellos mismos sabían en ese entonces,
Que habían creado uno de los mejores álbumes de Heavy Metal de todos los tiempos”
Alexander Milas, Colaborador de la revista especializada Kerrang!
Cita tomada del libro: 1001 Albums you must hear before you die
Pag. 500. The number of the beast
Editorial Universe, 2010

Otro escritor especializado, colaborador de las revistas Rolling Stone, Guitar World y Revolver, así como del diario The New York Times, J.D. Considine, afirma de manera categórica: “Parece poco probable que este Maiden clásico llegue a alcanzar la gloria de finales de los 80’s, aún con la reedición reciente de todo su catálogo […], más bien serán una sólida opción de entretenimiento dentro del circuito de la nostalgia” (Tomada de The New Rolling Stone Album Guide, 2008). El señor Considine, tal vez como muchos otros “expertos” dentro del negocio de la música, nunca adelantaron un hecho: The Final Frontier, el nuevo material de la banda británica, llegó a colocarse en el número uno en 30 (si treinta) países de los cinco continentes, incluido México. En otras diez naciones llegó a los primeros seis lugares, incluyendo Estados Unidos donde alcanzó el número cuatro, posición más alta en la historia de cualquier disco de la agrupación (exceptuando las entregas en vivo, que en USA alcanzan el número 1 y 2 en varios casos). Esto lo convierte en su álbum más exitoso, en cuanto a posiciones en las listas de popularidad. ¿Nostalgia? No lo creo, esta banda va mucho más allá de eso. Si bien han hecho giras (como la pasada “Somewhere back in time tour”) donde rescatan temas del pasado para deleite de miles de seguidores, si revisamos con cuidado la última década nos daremos cuenta de la dirección de este nuevo Maiden, reinventado; pero empecemos por el principio.
La historia nos remonta a 1975 cuando Steve Harris bautizó a su grupo como tal, Iron Maiden. El nombre lo tomó de una adaptación cinematográfica a la novela de Alexandre Dumas, El hombre de la máscara de hierro. Durante cinco años la alineación integró a varios intrascendentes personajes, a excepción de Dave Murray, que en 1976 se unió como guitarrista. El despegue definitivo se dio en 1980, cuando se editó su ópera prima, alcanzando el número 4 en Gran Bretaña. El destino quiso que coincidiera con lanzamientos de otras agrupaciones que juntos abanderaron el “New Wave of British Heavy Metal Movement” o NWOBHM, por su siglas en inglés. Comenzó así la primera etapa de la banda, con Paul Di’Anno en la voz y Adrian Smith se unía también como segundo guitarrista. Para la segunda entrega (Killers, 1981) se asociaron con un personaje definitivo en la evolución de la propuesta, Martin Birch, quien produjo y mezcló el álbum, notándose de inmediato su influencia y estilo. No por nada, Birch ya había producido a Deep Purple, Rainbow y Black Sabbath con Dio. Esa asociación sería muy importante en el siguiente álbum, el majestuoso The number of the beast (1982).
Hay discos que marcan épocas, éste de Maiden es uno de los más importantes en el desarrollo del rock pesado. Bruce Dickinson, un joven cantante metalero hacía su debut con el grupo y el perfeccionista Birch le arrancó hasta el último aliento. Las guitarras, por primera vez, se escuchan con una sincronía rayando en la perfección y Steve Harris lleva al límite de la locura la parte rítmica, arrastrando a un inexperto Clive Burr en la batería, sustituido por el harto talentoso Nico McBrain para el disco siguiente. Llegaba así la segunda etapa, la ahora llamada clásica, la de la consolidación. No es raro escuchar decir que grupos actuales citen a Maiden y The number of the beast como una de sus grandes influencias. El quinteto, bajo el ala de Birch, permaneció inmutable para Piece of Mind (1983), Powerslave (1984) y Somewhere in time (1986). Para 1988 con Seventh son of a seventh son, se dio un cambio con la incorporación de un teclista, como miembro no oficial (aunque lleva desde entonces haciendo estas labores para con el grupo), Michael Kenney. Los experimentos llevaron a la banda a explorar sonidos para ellos desconocidos, sin embargo, lograron un balance perfecto entre las habituales guitarras frenéticas y las pausas en la melodía. Ya no todo era potencia y velocidad. Muchos hablan de este disco como su segunda obra maestra, situación en la que concuerdo. Aunque los temas no se hayan popularizado tanto, el material fue tan convincente como para hacerlo número 1 en el chart británico. Con No prayer for the dying (1990) vino un cambio que rompió la armonía: Adrian Smith deja la banda y su lugar lo ocupa un guitarrista bien establecido, Janick Gers, quien había trabajado con Ian Gillan en sus trabajos en solitario. La falta de entendimiento con el nuevo integrante se notó de inmediato y me atrevo a decir que este álbum es el más anodino en el catálogo de la banda, sin embargo solo era cuestión de tiempo para que la magia resurgiera y en 1992 con Fear of the dark, la sincronización alcanzó niveles de maestría. Los que fuimos testigos de la primera incursión en tierras mexicanas el 1 y 2 de Octubre de ese año en El Palacio de los Deportes, como parte de la gira de promoción, estaremos de acuerdo en la majestuosidad del evento. Por desgracia, este fue el fin de una época, la segunda y la marcan dos sucesos: la salida de Dickinson y el retiro de Martin Birch.
The X factor (1995) y Virtual XI (1998) marcan la tercera etapa, la más oscura, la más menospreciada, la menos redituable, a pesar de algunas genialidades. Blaze Bayley, un vocalista con gran presencia y voz potente, trató con todas su fuerzas sustituir a Dickinson y borrarlo de la memoria de los fans, pero nunca lo logró. En esas épocas eran comunes las anécdotas de vasos de cerveza (o algún líquido sospechoso) impactados contra la humanidad del cantante, escupitajos, dedos medios a todo lo alto, abucheos, señas obscenas y todo lo que pudiera molestar al susodicho. El resultado final fue el obvio y con más pena que gloria, Bayley dejó la banda. Recuerdo el concierto que cerró la gira The X Factor en el Palacio de los Deportes en Septiembre de 1996, donde los temas de ese disco sonaban bastante bien, despertando la ira de muchos fanáticos que maldijeron al esforzado cantante y a su progenitora. “Ponte a cantar las de Iron Maiden, vástago de madre de dudosa reputación” le gritaban con todas sus fuerzas y claro en términos más coloquiales.
Dickinson, después de probar en solitario con cinco álbumes (bastante interesantes por cierto), decidió reunirse con sus compañeros. También Adrian Smith lo hizo, pero en vez de sustituir a Gers, decidieron probar suerte con tres guitarristas y se trajeron a bordo a nuevo productor, Kevin Shirley, en cuyo currículo destacan trabajos con bandas como Aerosmith, Rush y Dream Theater. Todos grandes aciertos. Brave New World (2000) nos trajo este nuevo concepto, muy alejado de los años con Martin Birch. La estructura de las melodías, los sonidos de las guitarras y una explotación más incisiva del bajo, engalanadas con una tesitura más suave en la voz de Dickinson, daban muestra del nuevo rumbo que perseguían. Los constantes cambios de ritmo, las pausas mucho más acentuadas y los teclados, aunque muy matizados, con gran relevancia. Todo esto constituye el nuevo enfoque que los Maiden pretenden inyectar a su música. Dance of Death (2003) y A Matter of Life and Death (2006) complementan la trifecta de esta nueva fórmula con Shyrley, que se repite para la producción que da nombre esta nueva gira. En definitiva esta cuarta etapa es muy distante de las otras tres y ha probado ser un gran suceso, no solo en ventas, sino en las presentaciones en vivo, donde Iron Maiden sigue siendo un gran imán de taquilla. Lo interesante será escuchar los “viejos” temas con los “nuevos”. El contraste será a todas luces evidente.

La Crónica de la bestia

Woe to you O earth and sea, for the devil sends the beast
With wrath because he knows the time is short.
Let him who hath understanding reckon the number of the beast
For it is a human number/its number is six hundred and sixty six.

Pero ay de ustedes, tierra y mar porque el diablo ha descendido
hasta ustedes con todo su furor, sabiendo que le queda poco tiempo.
Para esto se precisa sutileza. El que tenga inteligencia calcule
la cifra de la Bestia, porque es una cifra humana: 666

Del libro del Apocalipsis. Capítulo 12, verso 12; capítulo 13 verso 18

En medio de un caótico y desesperante tráfico de viernes por la tarde/noche de fin de semana largo, por el asueto del natalicio de Benito Juárez; el Foro Sol, tan cerca del aeropuerto internacional de la Ciudad de México y tan lejos de miles de histéricos automovilistas, lucía una fascinante vendimia de artículos alusivos al grupo, destacando por supuesto a su famosa mascota Eddie, luciendo todas las caracterizaciones imaginables: desde las clásicas portadas ochenteras, pasando por clásicos del cine como Naranja Mecánica o Terminator, hasta una muy mexicana con tremendos bigotazos a lo Agallón Mafafas. Playeras de todos tamaños, chamarras, tazas, encendedores, paliacates, ceniceros, vasos, posters, conjuntos para bebés, tenis, bufandas, almohadas, todo lo que pudiera llevar el nombre del grupo o la momia en todas sus versiones. Surreal se veía cada puesto, kafkiana era la entrada a la impresionante estructura donde los cientos de policías y personal de seguridad revisaban, indiferentes, a los miles de seres extraños dándonos cita en ese lugar, antes autódromo, hoy estadio de béisbol. Los tiempos son otros, ahora es normal (y un gran negocio) asistir a este tipo de presentaciones sin ser molestados por las ultra conservadoras organizaciones de doble discurso y moral distraída que muchas veces son socios mayoritarios, beneficiarios directos de estas mega presentaciones. Las imágenes siguen impactando, a lo mejor escandalizando a algún distraído transeúnte o padre de familia quisquilloso, pero nada más. En medio de este mercado sacado de un cuento de Poe o de una película de Romero y sus muertos vivientes, el ánimo estaba en su punto para una velada inolvidable. Pero nada de lo anterior podía prepararnos para lo que seríamos testigos una vez que estos veteranos ingleses se adueñaran del espectáculo, en punto de las nueve de la noche.

Creo oportuno hacer un paréntesis. Si observamos la portada del nuevo material (y décimo quinto en la historia de la agrupación), notaremos a un Eddie mutante, una especie de Depredador moderno (refriéndonos a la exitosa saga de películas, por supuesto), queriendo rescatar algunas facciones, muy tenues, del dibujo clásico. Estamos en una escala evolutiva al final de la cadena. Incluso las calaveras humanoides, vistiendo trajes espaciales, muestran una dentadura atípica, inhumana. Del mismo modo la propuesta de Iron Maiden ha cambiado y es casi imposible reconocer al grupo del nuevo siglo, comparándolo con el de dos décadas anteriores. Tres guitarras en perfecta sincronía, una batería formidable y un bajo magistral, engalanan la voz potente y educada de un actor con gran dominio escénico. Este concierto no fue para los seguidores de la vieja guardia, aquellos ávidos de los clásicos éxitos; por el contrario, fue una presentación para atestiguar el nuevo rumbo que desde “Brave New World” han tomado y ha seguido un matiz muy similar a lo largo del nuevo siglo. Esa momia mutante espacial son ellos mismos, reinventados; esos humanoides somos nosotros; apenas nos hemos reconocido, pero con algunas nostalgias hemos llegado al punto de no perdernos en la frontera final. He aquí pues, la historia de esas dos extrañas horas.

Godsmack estuvo anunciado para abrir el evento, no lo hizo; Maligno, agrupación mexicana tuvo ese honor. No pude ver nada de ellos, esperando a mi gran compañero de aventuras y compinches, que al final llegaron para las últimas cinco canciones. “Pinche tráfico”, fue lo que exclamaron. No los esperé. Haciendo caso de una voz, casi como mi conciencia, me enfilé por la marabunta humana enfundada en playeras negras y me encaminé al lugar de honor, a la sección más cercana al escenario y tuve a tiro de piedra los integrantes de la dama de hierro (sobrenombre castellanizado, utilizado por algunos seguidores). Con una recepción pésima para teléfonos celulares y una bellísima luna en el firmamento, el concierto comenzó con un video futurista, algunas apariciones esporádicas, feroces y muy festejadas, del ser mutante; luego el rostro del vocalista interpretando las líneas de “Satellite 15” (The Final Frontier, 2010; FF de ahora en adelante), una nave espacial volando y tratando de entrar en la órbita de un planeta extraño. Cuando por fin lo consiguen, se abre una puerta y la escenografía se ilumina: estamos en la nave y aparecen los tripulantes.
“The Final Frontier” (FF) se escucha con toda su estridencia y un muy bien conservado Bruce Dickinson toma el control del escenario. Piloto certificado de aviones tipo Boeing, esgrimista galardonado, escritor y uno de los pocos tenores metaleros, este polifacético rockero, hace de cada tema una breve obra de teatro, donde da vida a un sin fin de personajes; gesticula, ríe, llora, grita, maldice. Dave Murray se posiciona como el guitarrista principal y a lo largo de 120 minutos monta un duelo a muerte con Adrian Smith y Janick Gers, en una conferencia tripartita de guitarras potentes, alucinantes y maravillosas. Steve Harris es el amo y maestro, dueño de una rítmica exquisita y de un dominio total de su instrumento. McBrain en la batería es lo más desperdiciado de la agrupación, sin embargo cumple de manera cabal su trabajo y cuando arriesga esas baterías a contratiempo, pareciera ponerse al nivel de euforia de sus compañeros. La sofisticación de la composición es fascinante y la historia tipo “Space Oddity” de David Bowie enmarca la pieza en un tono futurista casi imposible. El “Major Tom” de Bowie sabe que no volverá a casa, el personaje de esta fantasía aún guarda la esperanza de hacerlo y hace una introspección que dura unos diez minutos y se conecta de manera natural con “El Dorado” (FF), esa irónica crítica al consumismo brutal de estos días, a esas calles pavimentadas con oro macizo que nos venden cada día, a esos créditos carísimos que pagamos sin el menor reparo. El bajo de Harris es una delicia; en las guitarras, esa guerra sin cuartel llega a terrenos de batalla épica y el performance del vocalista alcanza tintes de tragedia griega. Solo recuerdo al recién fallecido Ronnie James Dio, con cualidades similares y ambos dieron a sus agrupaciones un toque personalísimo fascinante.
Llegó el momento de la pausa, del “good night México City, glad to be here again”. Un lleno hasta las banderillas, aunque seguía llegando gente, atorada en el tráfico y molesta, a decir de su semblante. 55,000 personas se dieron cita, según cifras oficiales, aunque se notaban algunos huecos en las tribunas. “2 Minutes to Midnight” (Powerslave, 1984) llegó como un bálsamo a los miles de seguidores de la vieja guardia, ávidos en deshacerse la garganta interpretando esto temas ya catalogados como clásicos. En contraste con los temas largos, este duró unos seis minutos y hace referencia al “reloj del Apocalipsis o del Juicio Final”, utilizado por el boletín de científicos nucleares en Chicago, desde 1947. La medianoche simboliza la destrucción de la humanidad y los dos minutos es lo más cercano que ha estado ese reloj de la fatal hora: Septiembre de 1953, cuando los Estados Unidos y la Ex-Unión Soviética lanzaban bombas nucleares de prueba, como cruel advertencia de su poderío bélico. En la actualidad ese reloj marca seis minutos antes de las doce y ha evolucionado de amenaza nuclear a advertencia por cambios climáticos y desastres naturales. Habría que ver si se ajusta unos minutos después del tsunami que azotó a Japón hace unos días.
“The Talisman” (FF) nos cuenta un nuevo relato, aunque recurrente en las fábulas “maidenescas”: el viajero intrépido, el navegante, el marino que en primera persona narra la tragedia de cuatro naves atrapadas en una tormenta. Comienza la aventura con una guitarra acústica, algunas nostalgias, de esas por la tierra que se deja, de los recuerdos atesorados; después viene el cambio de ritmo, la narración brutal del desastre, de los momentos de desesperación, de aferrarse a un talismán para mantenerse con vida. Los que no se ahogaron, fueron gravemente heridos, otros murieron a lo largo de 20 días sin alimento, sin agua potable. El final es esperanzador y llegan a tierra firme del otro lado del mundo aunque nunca se sabe si el héroe sobrevive, pues ya no tiene fuerzas para hacerlo. “Que hueva de rola”, exclamó un indiferente seguidor. Rompió con la atmósfera melancólica y con la estructura similar a una breve sinfonía. En lo particular fue lo mejor de la noche, reafirmando eso de que los británicos están ya en otro rollo y los seguidores siguen aferrados en hacerlos tocar una y otra vez los primeros siete álbumes. Para molestia (supongo) del displicente, continuaron con otra rola del nuevo disco, “Coming Home”, precedida de unas palabras, explicando la concepción de la misma: una alegoría a las giras extensas, desgastantes y kilométricas (claro, muy redituable$$$) que los hacen alejarse de casa. . Incluso las letras se han hecho menos subversivas, más complejas y cuentan muchas veces historias personalísimas.
Cuando llegó el turno de “Dance of Death”, del disco homónimo de 2003, una gran manta alusiva hizo su aparición. El título hace referencia a las pinturas medievales donde se veía a la muerte (en su representación occidental) llevando de la mano a una serie de personajes, en una danza siniestra o macabra, como también se le conoce. En este caso, el personaje (al parecer en medio de una pesadilla) recrea esa escena, pero termina huyendo, sano y salvo. Ritmos celtas se combinan con guitarras psicodélicas, incluso Gers recrea algunos pasos de esa danza macabra, mientras el cantante gesticula y se contorsiona ante la mirada perpleja de un público eufórico. Luego otra manta, la caracterización de Eddie que más agrado personal tiene: en traje de militar rasgado por el calor de la batalla y sosteniendo una raída bandera británica en una mano y una espada ensangrentada en la otra; un lágrima de sangre asoma por sus ojos y una mueca de dolor, terror y angustia se combina al ritmo de “The Trooper” (Piece of Mind, 1983). Otra gran ovación, aunque duró escasos cuatro minutos. El vocalista camufló la vestimenta castrense y ondeó un lábaro similar al de la imagen. Llegó el turno de dos temas de Brave New World (2000), “The Wickerman”, lo más flojo de la velada y el emotivo “Blood Brothers” dedicado a los miles de seguidores sufriendo las consecuencias de desastres naturales y humanos. Estos hermanos de sangre fueron específicamente los habitantes nipones abatidos por el tsunami (Iron Maiden tuvo que cancelar dos conciertos en Tokio por este motivo); los australianos, sacudidos por un terremoto y los libios, en medio de otra guerra “justa” para democratizar a punta de pistola a los “atrasados” africanos. A ellos dedicaron voz, garganta e interpretación.
Con “When the Wild Wind Blows” (FF) se resume en una melodía el nuevo concepto de la banda. Si bien siguen siendo recurrentes y hasta obsesivos en sus temas, como el fin del mundo, en este caso, lo hacen desde una perspectiva distinta: una construcción rítmica suave, un bajo incisivo y constante, unos cambios de ritmo muy marcados y más de diez minutos de construcción melódica elaboradísima. Cada guitarra toma su liderazgo en alguna parte de la melodía y parece platicar con las otras dos, mientras Dickinson habla de los pormenores del fin de la humanidad, con una nueva manta de una ciudad devastada de fondo. Otra vez dejan testimonio del nuevo rumbo para descontento de muchos insurrectos. Siguiendo ese orden de ideas, rescataron “The Evil that Men Do” (Seventh Son of a Seventh Son, 1988), que a diferencia de las otras dos ochenteras, si pudo escucharse a tono con las del presente siglo. Para Fear of the Dark, del disco homónimo de 1992, la temperatura había subido, junto con los gritos, las ovaciones. Este tema es de los que me gusta escuchar en vivo, por el enorme coro colectivo, por la participación de las 55,000 gargantas, por la noche escalofriante y los demonios nocturnos, envueltos en un relato tan antiguo como la misma humanidad: el miedo a la oscuridad, a lo desconocido, a los ruidos que escuchamos y nos aterran; a las criaturas que nos acechan en nuestros sueños, en nuestra mentes; a las brujas aterradoras en sus escobas voladoras; el miedo a la oscuridad. Para cerrar llegó un tema que se escuchó tan anacrónico, que pareciera pertenecer a otra banda, “Iron Maiden” (álbum y banda homónima, 1980) y que describe la sutil invitación a conocer este aparato de tortura con todas las consecuencias que conlleva, incluyendo la muerte misma. Un poco más de 90 minutos habían pasado y el rito del falso adiós se repitió una vez más. Apareció una nueva escenografía de fondo, luciendo ahora un tremendo “close up” del ser mutante, justo cuando las palabras en inglés al inicio de esta crónica se escucharon en la voz de quien siempre pensé era el actor Vincent Price, pero en una entrevista reciente pude confirmar que no fue él, sino un locutor de radio inglés, especialista en narrar historias de terror, el responsable de tan aterradora introducción al tema “The Number of the Beast” (también disco del mismo nombre, 1982) o la pesadilla con el mismo chamuco como protagonista. Obvio es decir, que fue el tema más aplaudido de la velada y también el más coreado, para continuar con otra magnífica pieza del mismo álbum, “Hallowed be thy name” donde un preso, a punto de ir al patíbulo hace las últimas reflexiones sobre su existencia. . Ya como cerrojazo y cuando esperábamos la clásica “Run to the Hills”, a los ingleses se les ocurrió mejor rescatar “Running Free” del Iron Maiden, 1980, que de igual manera se escuchó fuera de lugar, fuera de tiempo, fuera de ritmo inclusive. Sirvió para presentar a los integrantes, para dar las gracias y para prometer que volverían; a la fecha, siempre lo han cumplido.
Una apoteosis sería el resumen de esas dos horas, tomando este significado: “Manifestación de gran entusiasmo en algún momento de una celebración o acto colectivo”. Eso fue, de manera exacta, lo experimentado durante 120 minutos. Iron Maiden, la dama de hierro, la banda con el extraño don de contar historias estridentes, sigue más vigente que nunca. La nostalgia cuenta: yo nostalgio, tu nostalgias, ellos nostalgian y cómo me revientan los que no nostalgian, ellos nos entienden. Pero además de esta nostalgia, está el nuevo Eddie mutante, reinventado, reconstruido. Ese nuevo ser también tiene cabida en un futuro inmediato. Veamos que nuevas sorpresas nos tiene.

Roger Waters: The Wall 2010

2011-04-11T07:12:00.000-07:00

Todo va a estar bien, solo sigan consumiendo
Roger Waters. The Wall Live 2010
Palacio de los Deportes, 18 de Diciembre. Ciudad de México.
Por Alejandro Corral

“…Él me puso una cinta con el nuevo disco en que estaba trabajando.
Había algunos grandes músicos en el álbum y, debido a que disfrutaba
mucho de la compañía de Roger, acabé acompañándolo al estudio
y trabajando en su disco. Nos la pasamos muy bien y, en un momento
dado, le dije bromeando: Deberías llevar eso de gira. Entonces
me preguntó si me iría con él y , puesto que se trataba de la excusa
perfecta para escapar de los problemas que tenía en casa, le dije que si”
Eric Clapton, tomado de su autobiografía
Hablando de “The Pros and Cons of Hitch Hiking”

A Christian y Manuel. Sin su invitación, este escrito no existiría

Harto conocida es la historia de Waters entre 1967 y 1983, como miembro de la legendaria banda Pink Floyd (aunque de manera oficial su salida fue hasta 1985). Entre esos años se editaron 12 álbumes de estudio, uno en vivo y 5 compilatorios que influenciaron de manera definitiva a toda una generación de músicos y adolescentes rebeldes, para horror de las clases más conservadoras inglesas. Sin embargo, después de 1983, Roger, es recordado más por sus pleitos legales con los ahora ex-miembros de la banda, que por su trabajo de solista. La espectacular lucha de egos entre Waters, Gilmour y Mason fue de proporciones épicas por los derechos de explotación de la discografía, nombre del grupo e incluso imágenes creadas durante esos 16 años de convivencia. Los medios, e incluso los seguidores, satanizaron a Waters y de alguna manera vieron con agrado los dos esfuerzos posteriores, lanzados al mercado bajo el nombre en disputa (“A Momentary Lapse of Reason” [1987] y “The Division Bell” [1994]). Cierto es que ambas propuestas alcanzaban algunos momentos interesantes en lo musical y daban testimonio de la extraordinaria manufactura alcanzada por el trío Gilmour/Mason/Wright, sin embargo lo más cercano a un verdadero concepto pinkfloydiano lo logró de manera absoluta Roger Waters ante una indiferencia casi total de los medios, industria y público en general.
En 1984, el soberbio “The Pros and Cons of Hitch Hiking” apenas llegó al número 13 en el chart británico y un 31 en el de Estados Unidos, a pesar de contar con músicos de la talla de David Sanborn (saxofón) y del legendario Eric Clapton en las guitarras. La gira fue un fracaso (a pesar de que el mismo Clapton era parte de la banda de apoyo) y muchos promotores esperaban un nuevo disco de Pink Floyd, no uno de Roger Waters. Un verdadero álbum conceptual que seguía la línea alcanzada por “The Wall”, es ahora poco recordado. Para 1987 “Radio K.A.O.S.”, tal vez lo mejor de sus años en solitario, tuvo peor suerte y casi cuesta la quiebra al artista, en contraposición del álbum lanzado por sus ex-compañeros ese mismo año, vendiendo millones de copias.
Un ligero resurgimiento lo toma por sorpresa en 1990 donde monta un gran espectáculo antes unas 250,000 personas para conmemorar la caída del muro de Berlín y juntar toda una pléyade de músicos, heterogéneos en estilo, capturado en el álbum doble “The Wall Live in Berlin”. Para 1992 alcanza su punto más alto en lo comercial con el interesante “Amused to Death”, donde la mayoría de las guitarras fueron hechas por el maestro Jeff Beck y entre los colaboradores encontramos a varios miembros de Toto, como Jeff Porcaro y Steve Lukather. Un momento brillante se logra en la pieza “Perfect Sense” donde la bella P.P. Arnold alcanza una soberbia catarsis al interpretar las líneas donde un mono evoluciona hasta hacerse comandante del un submarino nuclear. El disco, también doble, “In The Flesh” (2000) recrea la gira de promoción, acompañada de algunos éxitos logrados en los años de Pink Floyd, incluyendo las únicas interpretaciones en vivo registradas (por miembro alguno del grupo) de temas del álbum “The Final Cut” (1983).
Estos tres discos de estudio vienen a ser el legado de un artista preocupado no solo en las formas musicales, sino en las posturas, en lo visual y en lo artístico, sin que esto signifique que lo primero se vea rebasado por algo de lo segundo, por el contrario, en lo estrictamente musical, Waters demuestra que es capaz de lograr pasajes de belleza inusual, así como las paranoias más extremas, pasando por todos los estados de ánimo imaginables. Todavía podemos irnos más allá del rock y escuchar su composición última, de corte clásico, en la ópera “Ca Ira” y preguntarnos, ¿es Pink Floyd Roger Waters? O ¿Roger Waters es Pink Floyd? A estas alturas esto tal vez sea irrelevante, pero hace unos años la moneda estuvo otra vez en el aire cuando nos trajo “The Dark Side of the Moon Live” y nos regaló una de las noches más memorables en tierras mexicanas. Ahora con “The Wall Live” promete superarlo. Veremos si lo logra.

The Wall

Es necesario hablar de la obra en cuestión para entenderla. Según testimonios de Waters/Gilmour/Mason/Wright había dos propuestas al momento de concebir el álbum, la primera es la que conocemos como tal y la segunda evolucionó hasta convertirse en “The Pros and Cons of Hitch Hiking” (tal vez de ahí algunas similitudes entre ambas).
La primera explora el relato personalísimo del bajista, exagerado a base de una serie de alucinaciones contando la historia de “Pink” (interpretado de manera magistral por Bob Geldof en la película de Alan Parker). En palabras del mismo Gilmour, este proyecto fue pensado desde su inicio para ser una trilogía narrativa temática, es decir, un álbum, una película y un espectáculo en vivo. La columna vertebral sería, por obvias razones, el disco doble, de donde partiría la historia inicial, o en otras palabras, todo se iniciaría con la música. Luego entonces, es imposible separar una parte de las otras, todas deben verse como un conjunto. El clímax debe ser el espectáculo en vivo donde conviven las tres partes como una unidad.
Esta producción (el álbum) significó un parte aguas en la historia de la banda. Al terminar la grabación, Richard Wright se separa del grupo y aunque se reincorpora para la ambiciosa gira de promoción lo hace como músico asalariado, no como parte de la agrupación. Gilmour tuvo un rompimiento irreversible con Waters por la casi nula participación en el diseño y estructuración del proyecto. Esto se acentuó de manera más evidente para el álbum “the final cut” donde el guitarrista no tuvo participación alguna como compositor y solo se escucha su voz en un solo tema. Para colmo, este disco se presenta como una idea original de Roger Waters y dedicada su padre. Este esfuerzo, significó el último de la banda y estaba destinado a servir como “soundtrack” de la película “The Wall”, sin embargo, con la guerra de las Malvinas en marcha, el concepto se cambió de manera radical y solo algunas canciones fueron usadas para la cinta.
Volviendo a 1980, con el álbum doble en el mercado y la película en pláticas avanzadas, se trabajó en la puesta en escena del concepto. Desde un inicio se habló con Gerald Scarfe para animar gran parte de la historia. Él mismo cuenta la enorme dificultad de aterrizar ideas y plasmarlas en dibujos. Reunió un equipo creativo y cual sería su decepción al revisar los bosquejos, enterándose que muchos personajes y animaciones estaban hechos a la manera de Disney, empresa que prácticamente monopolizaba la creación de dibujos animados para cine. Scarfe tuvo entonces que utilizar todo su ingenio para llegar a secuencias tan siniestras y majestuosas como las flores en un rito de amor mortal, las águilas convirtiéndose en aviones de guerra, los martillos marchando de manera ordenada, parodiando al ejército nazi y la extraordinaria secuencia del juicio, con jueces gusanos y mujeres ponzoñosas. Todas esas ideas fueron incluidas por Alan Parker en la cinta.
La gira, debido a lo ambicioso y oneroso del proyecto, solo pudo llevarse a cuatro ciudades: Los Ángeles, Nueva York, Londres y Dortmund (Alemania), entre Febrero de 1980 y Junio de 1981. Treinta y un conciertos, fue todo lo que el mundo pudo presenciar. Según evidencias videográficas, algunas publicaciones en diarios y sobre todo gracias a la edición conmemorativa de veinte aniversario, llevada al mercado con el nombre de Is There Anybody Out There? The Wall Live 1980–81, toda la parafernalia, títeres gigantescos, pantallas e imágenes en las bardas eran parte del show. Waters intenta, ahora con esta gira, aprovechar al máximo la tecnología existente para al fin presentar lo que tenía en mente en esos días.
Finalmente, la película, estrenada en 1982 y presentada en festivales tan selectos como Cannes, no tiene la concepción inicial de la que habla Gilmour al principio de esta sección. Según el mismo Parker, él no fue la primera opción para dirigir la cinta y se pensó en el animador Scarfe para hacerlo. Waters sería el protagonista y de hecho se haría un “soundtrack” nuevo e independiente (todo lo platicado de “the final cut”). Al final, Parker, un fanático irredento del grupo, fue persuadido por la disquera EMI para tomar el proyecto, trabajó con Scarfe para el uso de las animaciones y fue el que convenció a Bob Geldof de aceptar el papel de Pink. La secuencia donde Geldof se rasura las cejas, pezones y pecho, está inspirada en un evento similar realizado por Syd Barrett años antes y referido por Waters al actor. De hecho se cuenta, que Geldof llegó a conocer a Barrett antes de entrar a los estudios de filmación y se inspiró en él para sacar adelante su personaje. Durante la premier en Cannes, Parker cuenta que Steven Spielberg estaba a cinco filas de él y le escuchó decir, al terminar la presentación:
“What the fuck was that? (¿Que chingados fue eso?)” A lo que el director de “Fama” y “Las Cenizas de Ángela” respondió en una entrevista posterior, refiriéndose a esa anécdota: ¿Que chingados fue eso? Es algo que nunca se había visto, una rara y confusa fusión de secuencias en vivo, animaciones y cargas surrealistas>
Por primera vez veremos la real integración de estos tres elementos: álbum, película y presentación en vivo. Estaremos haciendo historia.

La Crónica

¿Cómo comenzar a contar una de las mejores experiencias musicales en la vida de un mortal? Tomando prestado al cubano Silvio Rodríguez: ¿Qué debiera decir? ¿Qué fronteras debo respetar? Tanto por contar y pocas palabras para expresarlo. Bastaría con resumirlo en una: inolvidable. Pero tratemos de hacer un ejercicio de la memoria, una reconstrucción de hechos aislados, tratando de juntar las piezas y hacer un todo; juntar cada ladrillo, construir esa pared y hacerla pedazos.
El palacio de los deportes, con su viejo y opaco domo de cobre recibiría a unas 18,000 personas en medio del tradicional mercado de mercancías legales e ilegales alusivas al solista y al grupo que lo vio nacer. Precios de reventa exorbitantes, sobrepasando en algunos casos la barrera ideológica de los 5,000 pesos por boleto, decenas de revendedores y la grata compañía de dos amigos con sus respectivas familias. La cita estaba anunciada a las 21:00 horas y justo a esa hora comenzó el espectáculo, pero no con el tradicional formato de apagar las luces y recibir al grupo o artista en cuestión. Lo primero fue escuchar en el sonido ambiental distintas voces: Bob Dylan interpretando “Like a Rolling Stone” y “Masters of War”, John Lennon con “Imagine” y “Mother”, Los Beatles con “Let it Be”, entre otras. El escenario lucía espectacular con un muro a medio construir, instrumentos musicales por doquier y una gran pantalla circular al fondo. Un vagabundo comenzó a recorrer la parte baja del recinto, con un carrito de supermercado y un gran letrero en castellano: “NECESITO DINERO PARA TRAGOS Y PUTAS”. Se acercaba a la gente, le tomaban fotos, sonreía y tal vez pocos notaron que en su carrito llevaba un muñeco, réplica de pink caricaturizado. Recomendaciones de no tomar fotografías con flash, ignoradas por completo. Media hora de incertidumbre y el falso indigente terminó su éxodo arrojando el muñeco al escenario, al mundo, a la locura que desataba un simple hecho aislado. El sonido de una trompeta y sin más, se apagaron las luces y fortísimos se escucharon los primeros acordes de “in the flesh?” casi en sincronía con explosiones bien planeadas por todo el escenario y la media pared comenzó a reflejar imágenes. Cada ladrillo sería una pantalla individual. Una introducción extendida y cuando aparece Waters las ovaciones subieron de tono y emotividad. Vestido de negro, se dirigió al público muy sonriente; de un maniquí improvisado tomó unos lentes oscuros y una gabardina negra, en la manga derecha un brazalete con el símbolo de los tenebrosos martillos marchantes encontrados. Los músicos se instalaron en sus posiciones y unos pseudo soldados/seguidores/fascistas ondeaban unas negras banderas con el mismo símbolo de los martillos. Entonces, ¿qué piensas? ¿Asistirás al show? ¿A sentir esa cálida sensación de confusión? ¿Dime, estás escapando cariño, no es lo que esperabas ver? Así comenzó la paranoia y en el clímax de la interpretación, un avión a escala, réplica de un bombardero nazi, se desplazó de lo más alto del techo hacia el escenario y se estrelló en medio de los aplausos de la concurrencia. El soldado Eric Fletcher Waters ha muerto y el primer gran trauma del alter ego del bajista comenzaba la historia. Esa orfandad paterna sigue una línea muy delgada para “the thin ice” y se vuelve un grito de reclamo en “another brick in the wall (part I)”. Papá voló atravesando el océano, dejando solo un recuerdo, una instantánea en el álbum familiar; papi, ¿qué otra cosa has dejado para mi? Y esa foto se muestra, enorme, en la circular pantalla: blanco y negro, el padre de familia, atuendo militar, la madre sonriente, sosteniendo a sus dos hijos, Roger es apenas un bebé, sin saber que ese momento lo marcaría para siempre; hasta los genios deben tener sus ritos de iniciación, sus episodios de dolor profundo. Familias felices no hacen buenas historias, afirmaba Dostoievski, tampoco álbumes conceptuales de esa envergadura. El rostro del padre desaparecido en acción, con datos generales de su muerte, se convierte en un ladrillo en la pared, el primero, le siguen otros personajes, también caídos en acciones de guerra. La melodía concluye y la gran barda, al menos lo que está construido hasta ese momento, se llena de caras, nombres, detalles. Emiliano Zapata, Salvador Allende, Ghandi, son algunos de los tantos personajes recordados.
Los coros, con voces homogéneas, son responsabilidad de los hermanos Kip y Pat, así como de su primo Mark; los tres de apellido Lennon, como una feliz coincidencia. A ese trío se le conoce como Venice, cuando Mike, otro Lennon, se les une. También un tal Robbie Wycoff hace las voces que David Gilmour dejó grabadas para la posteridad y su guitarra, lo más extrañado de la noche, era plagiada por el talentoso Dave Kilminster, quien ya había demostrado sus habilidades en la gira de “The Dark Side of The Moon” años antes. Dos músicos para llenar los zapatos de uno solo, del hijo pródigo que a finales de los 60’s se incorporó a Pink Floyd para ayudar y a la postre sustituir a Syd Barret.
“The happiest days of our lives” trajo a escena al profesor psicópata que avergüenza a los niños con tremendos golpes y comentarios irónicos. Una enorme marioneta inflable, con luces en los ojos se movía con su gesto amenazador y cuando se escucharon las primeras estrofas de “another brick in the wall (part II)”, el público respondió con una gran ovación. El segundo gran trauma, la escuela, los profesores. No necesitamos educación, no necesitamos que controlen nuestras ideas, no más sarcasmo en las clases, ¡hey profesores, dejen a los niños en paz! Al final solo somos un ladrillo en la pared. Imágenes de los infantes entrando a la máquina terrorífica y transformados en embutidos. En la imaginación del pequeño, una gran revuelta, un salón de clases destruido, la reprimenda al malvado profesor. ¡Déjenos en paz! Pero nunca los dejaron. Una veintena de niños (que alcancé a entender que pertenecían a un reformatorio de la Ciudad de México) subieron con Waters; reclamaron, maldijeron a la marioneta, le gritaron, le gesticularon y al fin la hicieron desparecer.
Otro ser caricaturizado, de hule e imponente comenzó a molestar, era la madre, que al fondo del escenario y al ritmo de las deliciosas guitarras acústicas, lanzaba tremendas miradas en forma de haces de luz al espectador. Madre, ¿Están tratando de romperme los huevos? ¿Debo postularme para presidente? ¿Debo confiar en el gobierno? Y como respuesta a ésta última pregunta, en un costado de la barda, a la que poco a poco se le agregaban nuevos ladrillos, apareció un enorme: “Ni madres wey” y en el otro “No fucking way”. Waters comentaría después de su concierto en la ciudad de Bergen, Noruega, en Abril de 2007, que al interpretar esta canción y mandar el mismo mensaje, había miradas de incredulidad por todos lados. “Allá si confían en su gobierno, no lo podía creer” afirmó el desconcertado bajista. En el palacio de los deportes fue una de las ovaciones más sonoras y aplaudidas. “Aquí no confiamos en el nuestro” le hubiera contestado, de haberme preguntado, pero no fue necesario. Por supuesto que madre ayudará a construir esa pared, a convertir tus pesadillas en realidad, en trasmitirte todos sus miedos, en escoger a tus novias; madre siempre estará contigo. Otra vez la añoranza a Gilmour, a Mason en la batería, al recién fallecido Wright en los teclados, a Pink Floyd en su totalidad; esos fantasmas estaban omnipresentes con cada nota interpretada.
Cuando llegó “goodbye blue sky” se logró uno de los mejores momentos, una sincronía única entre letra, sonido e imagen. Mira mami, hay aviones en el cielo ¿Los alcanzas a ver, atemorizantes? ¿Alcanzas a ver las bombas que caen? Y se proyectaron las aterradoras imágenes de águilas imperiales convertidas en modernos bombarderos que vomitaban mortíferos proyectiles, de esas que han matado a millones de personas, la mayoría inocentes civiles. Del vientre de los aeroplanos se precipitaban centenares de cruces cristianas, medias lunas islámicas, estrellas de David, símbolos comunistas, signos de pesos (más bien dólares), logotipos de Shell y Mercedes Benz. Maquinarias letales, asesinas, despiadadas, peligrosísimas, radicales, para quien lo quiera entender.
Para “empty spaces” comenzó la transición del niño al adolescente, al rock star, al ser ensimismado. Otra pieza, no incluida en el álbum pero rescatada en la película (“what shall we do know?”) propone una introspección del personaje, en forma de preguntas al parecer sin sentido y algunas de ellas dirigidas a los miembros del grupo, en tensión constante por esas fechas. ¿Debemos comprar una nueva guitarra, un auto más potente; debemos trabajar hasta altas horas de la noche, debemos estar peleando siempre? ¿Arrojar bombas, destruir hogares, dormir de vez en cuando, tratar a gente como nuestras mascotas? En las pantallas una escena dramática, real, de una patrulla norteamericana en Irak haciendo un alto a civiles y pidiendo que dejen las armas, los interpelados no entienden y se acercan cada vez más a nosotros, como si fuésemos esos soldados amenazadores. Son acribillados sin piedad y sus armas eran unas inofensivas sombrillas utilizadas para cubrirse del sol. La última frase de la canción cae como un balde de agua fría, nuestras espaldas contra la pared.
Para el tema de “young lust”, pink comienza a interesarse en las féminas y sus encantos, se enamora, se casa y se retrae aún más. Esos mensajes grabados en cada surco de su afectado cerebro no lo dejan ser feliz. Necesita una muchacha, una mujer sucia, un remanso de paz que nunca llegaría. En la casi completa barda de ladrillos blancos, mujeres bailando sensual y sexualmente, desnudas, perfectas. Cuando llegamos a “one of my turns”, recordamos a esa muchacha, a esa grupie en la cinta de Parker, exclamando emocionada sobre el tamaño del departamento, de las fabulosas guitarras, ¿estás bien? Y la respuesta fue la destrucción del inmueble, el acto de aventar la televisión por la ventana. En esa escena, Bob Geldof articula las únicas palabras en la película que no formaron parte de las letras del disco: “¡Take that fuckers!” Nuestro personaje está desecho, al borde del suicido y en su momento más negro se acuerda de su mujer, de esa adúltera que se acostó con otros cuando él la llamaba desde los Estados Unidos. “Don’t leave now” se escuchó como un llanto, con una tristeza casi sobrenatural, inhumana. Otra marioneta, monstruosa, como si Dalí la hubiera diseñado en uno de sus momentos de mayor lucidez surrealista, apareció ante nosotros, imponente, descomunal. La imagen es la esposa, la mujer que aterroriza al vilipendiado personaje. Verde, con los labios cual fuego encendido y las partes íntimas descubiertas, amenazadoras. Ya se había visto en una escena, con anterioridad, la conocida imagen de dos flores en un rito de amor, sexo y muerte, tomadas de las animaciones que Gerald Scarfe hizo para la película y se vieron redondeadas por esta bizarra marioneta. No me dejes, no me digas que es el final del camino, recuerda las flores que te mandé, te necesito. Un mensaje de amor suplicante, hueco, vacío.
El personaje está por completo abstraído en sus alucinaciones cuando se escucha la tercera y última parte de “another brick on the wall”. La pared, inmensa, está casi terminada. No necesito brazos a mi alrededor, no necesito drogas que me calmen, he visto lo escrito en la pared, no necesito nada, en absoluto. En el ambiente se entrelaza la segunda pieza jamás incluida en el álbum original, pero de igual forma rescatada para el show en vivo y la multipremiada cinta de Alan Parker, “last few bricks”, y la pared está terminada, concluida en su totalidad, a excepción de un ladrillo, el del centro donde Waters se asoma e interpreta la desgarradora “goodbye cruel world”. Pink nos explica que se encierra en su pared, en su metafórica guarida y no hay nada que podamos hacer o decir para hacerlo cambiar de parecer. Podría tratarse de una nota suicida, pero no lo es. La música se detiene, el héroe (o antihéroe), hecho añicos, pone la última y definitiva pieza. Se encienden las luces y comienza un receso de 15 minutos durante los cuales se reflejan las imágenes de los hombres y mujeres muertos en acciones violentas, de guerra, de guerrilla o en casos como el nuestro, en batallas absurdas que vamos ganando con una cifra cruel de más de treinta mil “daños colaterales” en poco más de cuatro años. Personajes desconocidos (la mayoría) por nosotros, pero que dejan el anonimato al leer su historia. Waters agradece haber mandado las imágenes y los textos a través de su página en Internet. “Siempre los recordaremos”, fue lo último que se leyó antes de retomar los hilos conductores de la historia, contada de tal manera, que Kafka hubiera palidecido de envidia genuina.

¡Hey tú!, Afuera en el frío, volviéndote solitario y viejo, ¿puedes sentirme? ¡Hey tú! No me ayudes a enterrar esta luz, no te des por vencido sin pelear. “Hey you”, tema excluido de la versión fílmica original, e interpretada en su totalidad detrás de la barda, que separaba al respetable de los artistas. Guitarras acústicas angustiantes y una voz que llamaba al desfallecido, al aniquilado. Lo quiere de vuelta en casa, pero la realidad es que la pared es muy alta y no puede salir de ella. ¡Hey! No me digas que no hay esperanza alguna; juntos prevalecemos, divididos caemos. Se abre un ladrillo, aparecen dos de los guitarristas al ritmo de “is there anybody out there?” y cuando llegamos a “nobody home” se abre una sección, justo enfrente nuestro donde se recrea ese cuarto de hotel. La televisión, la lámpara, el sillón y el personaje sentado viendo las imágenes con una indiferencia total. Tengo luz eléctrica, una segunda visión, sorprendentes poderes de observación; así es como sé, cuando trató de llegar a ti a través del teléfono, que no hay nadie en casa….Tengo el imprescindible permanente de Hendrix. Una referencia al maestro que tanto influyó la manera de interpretar la guitarra a Gilmour. La escena es sencilla, se nota a un Waters muy lejos de su personaje, está sonriendo, cuando debería estar sufriendo. Ese dolor a lo mejor ya fue superado, pero fue parte fundamental para la concepción del álbum. Eduardo Galeano, escritor Uruguayo, refiriéndose al futbolista Rivaldo, dijo que le parecía increíble verlo patear el balón y acertar 7 veces seguidas en el larguero del poste. “Solo alguien que ha sufrido lo indecible puede sublimar todo ese dolor en un gran talento”. Waters hace lo suyo al repetir esta obra, nota por nota, grito por grito, imagen por imagen, con una perfección difícil de explicar.
¿Alguien recuerda a Vera Lynn? ¿Recuerdan cómo decía “nos volveremos a ver algún día soleado”? Personaje icono durante la segunda guerra mundial, cantaba esta canción para alentar a las tropas inglesas a regresar a casa sanos y salvos. Para Waters, Vera no dijo la verdad. En la pantalla de la gran muralla blanca se proyectó una secuencia, en extremo conmovedora, de una niña en un salón de clases; desfigurada por el llanto, la emoción, la felicidad de encontrase con su papá, vestido de militar, regresando a casa; a ella, Vera si le había cumplido. El bajista nunca pudo vivir esa experiencia y de niño decía que manejaría un tractor al otro lado del océano para traer a su progenitor de vuelta. “Bring the boys back home” resultó ser una breve pero significativa pieza al rescatar, estilizado en un grafiti callejero, una frase de Dwight Eisenhower:
Y llegó uno de los momentos cumbre de la noche, aquel que define la soberbia sinergia existente por muchos años entre la dupla Waters/Gilmour, la comunicación entre el mundo exterior y pink, entre lo real y lo irreal. “Comfortably numb” encontró al primero al fondo de la pared, cantando las primeras estrofas, con esa voz suave, ajena al mundo, a la realidad y que poco a poco entraba en el subconsciente del, totalmente apabullado, muchacho. Luego el fantasma de Gilmour, dividido en un cantante, respondiendo el diálogo y un guitarrista respondiendo la melodía, ambos fantásticos, los dos en la parte alta del muro, como queriendo salir del mismo en cualquier momento. Tus labios se mueven pero no alcanzo a escuchar lo que me dicen. Cuando era niño tuve esa fiebre, mi cabeza se sentía como dos globos, ahora tengo la misma sensación. Estoy cómodamente ido, drogado. Nada se proyectó en ese momento, al menos nada que valga la pena mencionar, excepto el final que explotó en imágenes digitales la pared en miles de fragmentos. La música llenó cada espacio y nos emocionó. Somos casi veinte mil almas afortunadas de presenciar esta pesadilla moderna, como el Fausto de Goethe descendiendo a los infiernos. La pieza duró unos ocho minutos y el tiempo se detuvo, se encapsuló ante miles de mentes azoradas, impresionadas, estupefactas.
Si alguien recuerda la película, durante los últimos acordes, pink salía de su capullo, viscoso, y se transfiguraba en ese dictador neo-nazi/fascista de la primera pieza. En esta ocasión esa transformación brutal se da al unísono con el tema “the show must go on” (único que no aparece ni en el álbum doble original, ni en la película, pero si lo hace en la serie de conciertos de principios de los 80’s) y sirve de interesantísimo preámbulo al clímax de la noche, a lo más alucinado y a su vez lo mejor logrado. “In the flesh” nos regala íntegro el discurso del dictador a sus seguidores, representados en esta farsa por los miles de asistentes al coso de Añil. Les tengo malas noticias dulzuras, Pink no se sentía bien, se quedó en el hotel; en su lugar nos mando a nosotros para ver donde están en realidad. ¿Hay algún maricón en el teatro esta noche? ¡Pónganlo contra la pared! ¿Hay alguien alumbrado en los reflectores que no me agrade? ¡Pónganlo contra la pared! ¡Ese de allá parece judío, ese es negro! ¡Pónganlos contra la pared! ¡Por allá hay uno fumando un porro y ese tiene espinillas! Si por mí fuera, les dispararía a todos. Los músicos están del otro lado de la pared, visibles, vestidos de negro, con los brazaletes del símbolo de los martillos marchantes. En las pantallas, el mismo simbolismo. En un acto de locura extrema y como la expresión surrealista más pura (como diría André Breton), el dictador toma una metralleta en sus manos y nos dispara a todos, nos aniquila simbólicamente, nos odia. Un enorme cerdo negro, como dirigible dantesco y pusilánime, recorrió cada espacio aéreo del recinto. Fiel a su costumbre, Waters añadió una serie de frases en los costados y trasero del puerco, entre las que destacó: . Esos cerdos en el aire que se han vuelto un animal imprescindible en la simbología pinkfloydiana. Cuando llegó “run like hell” el corazón de los espectadores estaba latiendo a mil por hora. En una primera parte, algunas figuras y palabras se formaron en la pantalla blanca, parodiando la “i” minúscula del popular reproductor de formato mp3, iPod. Así vimos a Stalin con la frase “iBeleive”, a Hitler con “iPaint”, algunos pequeños con “iLearn”, todos simulando escuchar un artefacto de estos. Un cementerio con la palabra “iPay”. Luego una serie de animales, también tomados de la fauna pinkfloydiana e incluidos en el extraordinario “Animals” de 1977. Unos cerdos de traje con la leyenda “iLead”, los feroces perros alemanes con “iProtect”, los borregos con cuerpos humanos, “iFollow”, los mismos borregos simulando arrojar piedras o bombas, “iResist”, los mismos cerdos trajeados, “iProfit”; carnes en canal salidas del matadero “iLose”. Para la segunda parte, los imponentes martillos marchantes se apoderaron de la pared. ¡Hammer, hammer, hammer! Cientos de herramientas se veían marchar, ordenados, destruyendo todo a su paso. El sonido de las pisadas era aterrador y el sonido cuadrafónico daba un toque siniestro, con bocinas en cada rincón estratégico del gran domo de bronce. ¡Corre, corre, corre, corre, huye!
Para “waiting the worms” la gran barda se llenó de asquerosos y reptantes gusanos. Waters mencionó que el significado de los mismos se traduce en la incomunicación del ser humano, en la decadencia y en el simbolismo nazi de la muerte y la degradación paulatina. Es común ver y escuchar la palabra gusano a lo largo del disco, producido por Bob Ezrin, quien le dio este toque de espectacularidad adicional a la obra de Pink Floyd. ¿Quieres ver a Bretaña gobernar de nuevo, amigo mío? ¡Solo sigue a los gusanos! ¿Quieres ver a nuestros coloridos primos irse a casa? ¡Solo sigue los gusanos! Todo era confusión, bocas atónitas, ojos bien abiertos, sentidos agudizados al máximo, cuando llegó un alto literal con “stop”. Alto, quiero irme a casa, quitarme este uniforme y abandonar el show; pero estoy encerrado en esta celda y necesito saber si durante todo este tiempo, he sido culpable. Con este cuestionamiento, se reprodujo, cuadro por cuadro, la animación del juicio, salida de la pluma de Scarfe para la película y magistral se vio en la imponente pantalla/barda/pared frente a nosotros. Cada una de las pesadillas, traumas y alucinaciones, se interpolaron en las imágenes proyectadas y el sonido, perfecto, retumbó en cada tímpano del respetable. ¡Buenos días, su gusana excelencia! El prisionero frente a usted fue sorprendido con las manos en la masa, mostrando sentimientos de la naturaleza más humana, inaceptables. ¡Traigan al maestro! Y ese fue el detonador para la paranoia más exquisita, una pesadilla donde vemos al personaje, arrojado inicialmente por el falso indigente del principio, siendo maltratado de todas formas posibles por las mismas marionetas caricaturizadas, por cada recuerdo de su patética existencia. El juicio se prolonga por unos diez minutos y termina de manera brutal y contundente. La evidencia presentada ante esta corte es irrefutable, no hay necesidad que se retire el jurado. En todos mis años de juez, nunca había visto ni escuchado a alguien que se mereciera todo el peso de la ley. ¡La manera en que lo han hecho sufrir, su exquisita madre y esposa hacen que me den ganas de defecar! ¡Hey juez, cáguese en él! Mi amigo, usted a expuesto sus miedos más profundos y lo sentencio a exponerlos frente a todos, ¡Derriben la pared! Y ese grito en inglés se volvió una sola garganta ¡Tear down the wall, tear down the wall, tear down the wall! La enorme estructura explotó y se colapsó frente a nosotros, atónitos. La barda quedó semidestruida, tal como la vimos al principio de la farsa, pero con los ladrillos derribados en el piso.
Lo siguiente es difícil de explicar, sería como ir a un museo y ver una pintura, sabiendo de antemano que no debe moverse, ni gesticular. De la misma manera se proyectaron imágenes en los restos de pared y en la pantalla circular, como si fuesen pinturas callejeras. Con la misma sensación de inmutabilidad descrita, las imágenes cobran vida, hacen un gesto, desprendiéndose de unos audífonos, y nos agradecen, nos dicen adiós con una gran sonrisa en los labios, para después volver a la postura original. El efecto fue grandioso.
De un costado de la pared semidestruida, salieron los músicos responsables de esta locura musical, con instrumentos acústicos, desde un acordeón hasta un banjo. Waters dijo unas palabras, ondeó una bandera mexicana, presentó a sus músicos, interpretaron la pieza “outside the wall” y se despidió. Al día siguiente, según videos documentales, también interpretó una versión de las mañanitas al ritmo de “another brick in the wall”, para redondear una noche de por si redonda en todos aspectos. Tal vez esta ópera rock surrealista progresiva no tenga el mismo impacto social o emocional que en su presentación inicial durante la gira de 1980-81, pero a título personal, es algo de lo más grandioso que he podido presenciar y lo agradezco. Estoy listo, se ha derribado esa pared.

MAIDEN SLAVES en el Blue Factor

2011-04-06T07:48:00.000-07:00

Abril 2 de 2011.
La primera presentación: el nacimiento de una nueva bestia, tributo a la gran dama de hierro.
Por Carlos Zaldívar

We are one of the last heavy metal bands.
Iron Maiden has always been unique.
Adrian Smith

¡Otra vez! Esperar a que una banda abridora tocara y que llegara mi banda favorita: Los Cerdos.
Eran más de las 11 de la noche, y como siempre, el ansia por ver tocar a la banda principal, provocaba la desesperación.
Como banda abridora estaba anunciada “Maiden Slaves”, tributo a la legendaria banda británica Iron Maiden. Así que pedía que subieran al escenario, tocaran unos 5 ó 10 minutos, cero aplausos y se fueran; para que, finalmente subieran al escenario “Los Cerdos”, banda tributo a Black Sabbath & Dio.

Esto es lo que casi siempre, si no es que siempre, suceden en las tocadas. Ya tantos años de pasar por lo mismo que es como el cuento de nunca terminar. De hecho trato de evitar tocadas donde hay muchos grupos, ya con 3 son suficientes.
Pasar la mala organización que generalmente los bares aún no entienden y no apoyan a las bandas, porque las ven o las quieren ver como lucro para ellos mismos y el apoyo pasa a segundo término.
Las bandas abridoras, que generalmente forman parte del “rock desmadre” y que son apenas principiantes e inician la batalla por sobresalir. A muchas de ellas se les agradece el tiempo y el esfuerzo y lo único que les puedo decir es que sigan echándoles ganas y no paren hasta conseguir el objetivo que se planteen.

De “Maiden Slaves” pensé lo mismo.

Pero ya pasadas las 11:30 de la noche, o como dijeran Adrian Smith y Bruce Dickinson: - apenas “dos minutos para la medianoche” – subieron al escenario los integrantes de Maiden Slaves.
Los dos guitarristas, el bajista y baterista, y tras ellos una bella fémina vestida al estilo Dickinson con bermudas militares, botas, playerita y chaleco de mezclilla abierto, quien no subió y se quedó atrás del público.
De inmediato llegaron a mi mente las Iron Maidens, pero no. No debía dejarme llevar por la subjetividad y la belleza de ese personaje a quien sigilosamente seguí cuando caminaba paso a paso hasta llegar al escenario.

Arriba y con la primera rola, “Wasted Years”… quedé inmerso con la música, los instrumentos y con la mismísima banda. Todos estaban bien sincronizados, en el mismo canal y lo que llamó muchísimo la atención fue el sonido del “bajo”, tan clara y fuertemente que junto con las guitarras me sonaron a los mismísimos Murray, Smith, Harris y Gers.
A partir de esta rola, me metí de lleno en la objetividad y a la atención que merecía la banda. Debía calificar armonía, presencia en el escenario, música, voz, dominio de los instrumentos y sobre todo las ganas de estar ahí, y obvio, también la semejanza con las rola de Iron Maiden.

Bandas tributo a la banda británica original, hay muchas, y destaco básicamente a los Iron Kids y Iron What?
Cuando llegó la segunda rola, me pregunté si incluiría junto con las dos bandas anteriores a “Maiden Slaves”. No llegó la respuesta de inmediato, sabía que tenía que terminar.
Seguramente tocarían las rolas básicas como “The Number of the Beast”, “Wrathchild” o “Run to the Hills”, porque son las más comerciales y digamos, las facilitas.

¡OH, Diablo Mío! Me llevé la sorpresa de la vida, pues además de las rolas anteriores, se aventaron “The Phantom of the Opera” y “Rime of an Ancient Mariner” en sus versiones muy similares en cuanto a la música, a la Gran Dama.
Pam es la encargada de las vocales de grupo, con una voz tipo “contralto” aunque en ocasiones pudieran surgir tonos de “mezzosoprano dramática”, pero a fin de cuentas: ¡Que voz, caray!
Los encargados de las cuerdas principales están a cargo de Edu Bueno, aquel mismísimo cerdo del que ya he hablado, y de Polo; el bajo está a cargo de Ernie y las batacas a cargo de Sirmaster.

Lo importante de esta banda principiante, es que noté que efectivamente tuvieron que haber ensayado mucho tiempo, meses atrás. La música les fluye y se nota la pasión que descargan sobre los instrumentos. Insisto: los tres instrumentos de cuerdas están bien sincronizados y la cohesión entre sus dueños de igual manera.

Es una banda que promete mucho, tampoco quiero alabarlos desde su primera presentación pero SÍ reiterar que debemos apoyarlos, pues tienen el suficiente carisma, conocimientos, experiencias y sobre todo, ¡ganas! de sobresalir en la escena nacional como banda tributo, si así lo quieren.

Tampoco sé del objetivo como banda ni del de cada uno de sus integrantes, pero SÍ constato sus conocimientos musicales. Cuentan con todo para que “Maiden Slaves” sea una de las mejores bandas a nivel nacional e internacional, sólo, hay que hacerlo bien.

Tendrán el apoyo de sus fans, de nosotros y de otras bandas de renombre.

¿Cuál es la próxima presentación?
En cuanto me lo informen lo publicaré para que no se pierdan de una extraordinaria experiencia musical, porque después de que los hayan visto, van a querer más, y más.

Un abrazo fraternal a Pam y Ernie, quienes, al parecer lideran emocionalmente a la banda…
Polo, un gran saludo y felicitaciones por esos videos que has subido. ¡No ma…! Excelentes cuerdas en “Badiniere”. Insisto: Los Clásicos son los padres del Metal.
Sirmaster: buenos brazos con las baquetas, a darle duro, bro.
Mi querido Edu, ¿Qué más te puedo decir o alabar? Esas 8 cuerdas me dejaron buen sabor de mente y alma, hasta conseguir 3 orgasmos cerebrales continuos. ¡Un abrazo! Y sigue apoyando a los Maiden Slaves…

Nos vemos en el próximo toquín, y ¡ya vayan al norte!

LOS CERDOS en el Blue Factor

2011-04-05T14:52:00.000-07:00

Banda Tributo a Black Sabbath & Dio.
Por Carlos Zaldívar

El hombre:
Un milímetro por encima del mono,
Cuando no, un centímetro por debajo del cerdo.

Sobre las bandas tributos, no había vuelto a hablar desde que Iron Maidens se presentó en aquel Hard Rock Live de esta Ciudad de México. Fue en septiembre de 2006. De hecho aquel artículo lo inicié con la frase: “Realmente no soy muy fan de los tributos…”.
Fui a ese concierto porque Aja Kim y Linda McDonald, a quienes contacté, me mandaron unos flyers junto con mi boleto de entrada.
¡Wow! Fue una tremenda tocada la que ofrecieron. Y desde entonces he sido testigo de muchos grupos tributos de las grandes bandas de Rock, de buena música.
He recorrido algunos bares / antros con bandas tributo y hay, tanto malísimas bandas como bandas de muy buen nivel, de primerísimo nivel: Los Cerdos es una de éstas.

En Las Vegas, según lo platica mi hermano celenita, Juan Manuel “Choks” Marruenda, quien vive y trabaja allá, en la última década, quienes llenan los bares, antros y salas de teatro, son las Bandas Tributo y que precisamente se quieren internacionalizar. Bandas tributo a Maiden, Journey, Def Leppard, Zeppelin, Scorpions, Metallica, etc.
Pues esta oleada de Bandas Tributo también existe aquí en la Ciudad de México. Obvio, que también allá como aquí que existen bandas tributo que apenas y se les acerca a la original y que más bien son para formar parte del “rock desmadre” del que ya he hablado en otras ocasiones.

Los Cerdos tienen ya más de doce meses en el “chiquero”. Este trío de “Buenos Corteses” salió del corral para deleitarnos con covers de la mejor banda de metal del planeta: Black Sabbath; y del mejor vocalista que haya existido en el género; Ronnie James Dio (breve inclinación).

De vista conocía al guitarrista, Edu Bueno, de algunos lares cercanos a nuestra colonia y en otras tocadas, y finalmente llegaron a mis oídos comentarios sobre “Los Cerdos”, y muy buenos, así que me puse como siguiente parada: Los Cerdos.
Por circunstancias de agenda u horarios preestablecidos, no pude asistir a las siguientes tocadas, pero no fue hasta el mes de Agosto de 2010, cuando pude juntar entre otros eventos, el conciertazo que se aventaron en el Red Pool junto con otras 2 bandas, también de tributo.

Así que, ¡prestos! Nos fuimos al bar en esa ocasión. Se presentaban Los Cerdos, Mönster Crüe, y Dynasty; bandas tributo a Sabbath, Mötley Crüe y Kiss respectivamente.
Al bar asistimos demasiadas personas que el lugar quedó abarrotado de fans de las bandas, de amigos que había invitado y de un sinnúmero de músicos.
Fue una noche extraordinaria, y al momento en que Los Cerdos abrieron el escenarios, todos nos juntamos hacia el frente, a punto de abrir el “slam”, que por obvias razones y espacio es casi imposible… y mucho menos armar un “wall of death”.
Los Cerdos, de inmediato llamaron mi atención, las rolas, la música, el vocalista… fue todo un viaje al recuerdo de los conciertos de Sabbath en el 92, con Ronnie en las Vocales.
Ahí, los escuché y los disfruté subjetivamente, pues de los primeros a los últimos decibeles, tuvieron mi atención, a la par que convivía con mis “metal headbangers brothers” que me acompañaban.
“¡Que Bandota!” – fue mi primera expresión al salir. Debo de verlos nuevamente para escribir sobre ellos.
Sabía perfectamente que si lo hacía en ese momento, la subjetividad me ganaría y entonces mis palabras se verían mermadas por los sentimientos.

Deseaba ya escucharlos nuevamente, pero pasaron sus presentaciones en el RockStore de Tlalnepantla; Kiss Lounge de Toluca y el Black Dog en Querétaro y tuvo que llegar el sábado 2 de abril para lanzarme, junto con mi hijo Rick, al Blue Factor ubicado a la entrada del Ajusco en el D.F.
La cita estaba marcada a las diez de la noche, pero fue hasta las once cuando ya me comenzaba a desesperar, sabía que abriría una banda tributo a Iron Maiden, y como regularmente pasa, son bandas desmadre que tocan precisamente eso: Rock Desmadre. Así que tras unas chelas, solo miraba el reloj, que muy lentamente avanzaba.
Afortunadamente entablé pláticas con el bajista de Los Cerdos, Fer; y con Jorge “Pipo” el baterista. El tiempo seguía transcurriendo.
Fue poco el quórum en el antro, y ya quería que iniciara la banda abridora, que tocaran 5 minutos, que se fueran y que llegaran Los Cerdos.

A las 11:35 en punto subieron al escenario los Maiden Slaves, y la sorpresa fue enorme. En este mismo blog, escribiré al respecto, porque “merecen” un apartado propio.

Finalmente, después de la primera hora del domingo tres de abril, subieron esos 3 cerdos músicos al escenario, tomando su instrumento musical y evocando a Dio con una introducción larga para Neon Knights.

¡Puta Madre! De ahí en adelante, todo el camino hasta llegar a “Crazy Train” del maestro Ozzy, pasamos por “Die Young”, que para mí fue de las mejores interpretaciones esa noche, junto con Holy Diver, del ahora inmortal Ronnie James Dio; también aparecieron “Paranoid”, “Heaven and Hell” y “Children of the Grave” entre otras.

Pero dejen contarles, mis queridos dos lectores, que ver a Edu tras las 8 cuerdas en una lira negra y bien amada; ver a Fer en el bajo tocándolo y disfrutándolo como se ese instrumento fuera una ninfómana insatisfecha y detrás de ellos, en las percusiones, el maestro de las batacas, Jorge “Pipo” Cortés, quien como siempre lo hemos platicado, este instrumento se debe tocar con el corazón y el alma, de lo contrario no habría música de calidad.

Estaba frente al escenario, disfrutando cada nota, decibel, letra, movimientos, pisadas y batacazos de este trío genial.
Son y serán rolas, las de Iommi, Butler, Ward, Dio y Osbourne entre otros, las mejores de todos los tiempos. Black Sabbath es la fuente del metal puro, único e irrepetible.
Y éstas mismas, interpretadas por Los Cerdos, las han hecho ya parte de un legado permanente, que perdurará por los siglos de los siglos.

Hablar de Bandas Tributo, me enfocaré a dos puntos de vista únicamente, las que se dedican a realizar los covers e imitarlos a casi un 100%. De estas hay muchas y pocas son realmente buenas, para muestra hay muchos botones.
El tributo a Led Zeppelin por Great White es indiscutible uno de los mejores tributos a la banda. Disco completo este tributo hizo una copia casi fiel del Zeppelin original.
El otro tipo de Bandas Tributo son quienes realizan los covers de la banda, PONIENDO su toque original, aportando sus ideales y formatos muy personalizados a la banda original. Y este es el caso de “Los Cerdos”, quienes (y repito: es un punto de vista muy personal) han hecho de las rolas de Sabbath, Dio y Ozzy unas rolas muy, pero muy parecidas; con el TOQUE en las vocales muy peculiar, ya que la voz de “Pipo” está entre las agudezas de Ozzy y las maravillas graves de “Dio”. Las vocales de “Los Cerdos” ya se puede decir que son únicas, son parte de la esencia de Los Cerdos y son su ID para poder distinguirlas inmediatamente.
Las 8 cuerdas de Edu, retomando la esencia de Iommi, son de excelente interpretación; además no es fácil tomar y aceptar el compromiso de ejecutar “es estilo” del líder guitarrista zurdo de Sabbath: Tony Iommi. Mi querido Edu, tienes un compromiso que seguir y mantenerlo siempre en alto, porque hacer eso que tú haces, no cualquiera, y mucho menos interpretarlo con tanta pasión, gusto y felicidad arriba del escenario.
Interpretar a Iommi, es todo un reto. Ser testigo de que ese reto es satisfactorio no ha tenido madre, y mi hijo y yo hemos sido testigos.
Por otra parte, tomar el papel de “Geezer” Butler en el bajo, a mi opinión particular, Fer lo ha casi perfeccionado. Le ha puesto mucha más potencia, energía y muchísimo toque especial con el pulgar derecho en las 4 cuerdas, que además de tocarlas con placer, las insulta y las golpea… y éstas responden favorablemente.
Para muestra, pues todo el repertorio anterior. Con “Heaven and Hell” han sellado este tributo a la mejor banda del metal, y a ver, que alguien me contradiga. Pero Black Sabbath es simplemente Black Sabbath.
Dio ha pasado a la inmortalidad con un legado impactante. Dio es ya parte del legado musical, tanto así que será adorado por la futura Iglesia del Heavy Metal en el Reino Unido, y muchos fieles seguidores y apóstoles de esta “religión”, “espiritualidad” y “forma de vida” lo seguiremos constatando.
Porque “Los Cerdos” así lo quieren, seguir constatando la inmortalidad del legado de Sabbath, Dio y Ozzy, de toda es música que nos brinda tocada tras tocada.
“Nativity in Black” en sus dos volúmenes, son un comprobante del segundo tipo de bandas tributo, donde cada grupo ha puesto su “esencia” a cada rola de Sabbath.
¿Acaso, “Los Cerdos” aparecerán en un Nativity in Black 3?
Y si no, pues esperemos que estos marranos metaleros saquen alguna compilación de audio de este tributo.
De hecho, ya me regalaron un cd con los videos de algunas de sus presentaciones. E insisto: si no han visto a Los Cerdos en vivo… pues, ¡¿QUÉ CARAJOS ESPERAN PARA IR?!

Mis queridos hermanos, Edu, Fer y Pipo: me cae de madres que merecen toda la atención de tanto fanático exista de Sabbath en el planeta. Y para esto tienen que seguir haciendo lo que les gusta: puro, total y absoluto metal de Sabbath & Dio.
Sigan esparciendo el cisticerco y llevando el chiquero hasta los bares / antros más lejanos que puedan, lleven el evangelio de Iommi & Dio hasta aquellos lugares recónditos donde exista gente que necesite ser salvada de tanta “mierda” musical. Sean y vivan como ahora Dio manda. Siempre toquen lo que les plazca y nunca toquen para otros, pero eso sí: SIEMPRE compartan lo que toquen, porque así, siento yo, lo han hecho.

Les mando un fortísimo abrazo y mis mejores deseos musicales para ustedes. Sigan batiéndose en cada corral que visiten y no olviden saludarme en alguno de esos.

Otro abrazo a Rick, mi hijo y padawan del metal, quien me ha acompañado recientemente en estos menesteres de las bandas.

Pues bien, estimados lectores, sigan disfrutando de la buena música y que Dio los bendiga por los siglos de los siglos…

¡Plop!

2011-03-30T12:14:00.000-07:00

¡Plop!

“Cuando el Filósofo señala al Cielo,
El Sabio observa al Universo,
Y el Tonto al dedo”

Llegó uno de los eventos Tecnológicos más importantes del país: El VIII Encuentro de GeneXus. Así que de parte de ARTech, recibí los promocionales para que los repartiera en diversas Instituciones educativas, como parte del proyecto académico para la herramienta de desarrollo.

El “promo” era un cartoncillo de apenas 20 cm x 50 cm aproximadamente.
En una institución, lo pegué con cinta adhesiva en la parte superior derecha del pizarrón del laboratorio de cómputo. Esto para generar “interés” en los profesores de informática que impartirían clases en los laboratorios.
El primer día lo pegué.

Al siguiente encontré el pizarrón sin la propaganda (pensé que lo habían robado), así que de inmediato puse otro.

Al siguiente día lo mismo (pensé que lo habían vuelto a robar), así que puse otro, pero esta vez con demasiada cinta, para evitar el robo o para que le invirtieran demasiado tiempo en llevárselo.

Éste promo duró hasta 2 días después del evento.

El primer lunes posterior al evento, me pidieron (o me llamaron la atención) del Departamento de Sistemas de la citada Institución que porque los profesores reportaron que EL PIZARRÓN NO LO PODÍAN USAR.

Si, ¡QUE EL PIZARRÓN NO LO PODÍAN USAR! Cuando el promo apenas ocupaba una décimo octava parte del pizarrón.

Así, es: ¡PLOP!, al estilo Condorito cuando en sus cómics se iba “pa’tras” cuando alguien decía o cometía algún barbaridad.

A Paty Chapoy se lo creo, pero a un departamento universitario...
¡¿?!

Tren Montealto en Las Catrinas

2011-03-27T15:02:00.000-07:00

Los ferroviarios una vez más llenos de energía.
Por Carlos Zaldívar

Anoche fuimos testigos una vez más de la creatividad lírica y la calidad música de los ya bien conocidos integrantes de Tren Montealto: Cheyk, Erik, Edoardo y Berthold.
La cita fue en un bar en Lomas Verdes, donde abundaron los jóvenes entusiastas y amantes de la música. Aunque un bar fuera de lo común, estuvo lleno de algarabía por las 3 bandas a presentarse.
De hecho la primera banda no destacó mucho, y es que a los “ingenieros” de audio de Las Catrinas les fallaron los detalles importantes en la ecualización del audio.
Afortunadamente o desafortunadamente este hecho, provocó el punto a favor de Tren Montealto, pues la comparación de uno con el otro fue muy grande.
Los trenecillos se presentaron con una finura en el audio y en los micrófonos, que realzó que los integrantes siempre estuvieran sintonizados en el mismo canal, en la misma frecuencia rockera y en la misma sintonía del alma.
Nuevas rolas, composiciones, arreglos y eso sí: más energía y pasión por tocar buena música.
La vez anterior los vi en el Teatro Zaragoza al aire libre, en Atizapán, en los festejos del ya deteriorado Bicentenario. Un performance muy bueno y a un primerísimo nivel que deleitó a cuanto paseante iba por ahí.
De aquella vez a Las Catrinas, este jueves anterior hubo mucho más sinergia entre los cuatro integrantes.
Hubo mucho feeling y pasión en Cheyk y Erik. ¡Caray, que espectáculo!
Berthold y Edoardo no se quedaron atrás, de hecho algo donde ya había puesto mucha atención es en las letras (“No me puedes ver”, es una de las mejores rolas) y me sorprendió que Cheyk es el creador de las letras y todos son los autores de los arreglos y la música; y como grupo: Todos están inmersos en el proceso de creación de las rolas. Esto se llama “Cohesión Lírica” y me refiero e insisto nuevamente: Todos están sincronizados, en el mismo canal musical.
Componen, tocan, producen, ejecutan y dirigen su propia música. Queridos jóvenes trenecillos, NO dejen tocar lo que a USTEDES les satisfaga. Toquen para ustedes y sólo para ustedes y nosotros, el público, agradecemos infinitamente la invitación a escuchar y deleitarnos con lo que nos comparten.
Jamás escriban ni compongan lo que “otros” quieran, en caso concreto: no por unos pesos más, prostituyan su carrera con alguna de las dos televisoras o con productores que sólo los explotarán.
Tren Montealto nació para ser independiente, para compartir su excelente trabajo musical y espero que todo ese trabajo invertido se vea retribuido económicamente por lo mismo: POR SU TRABAJO.
Ahora a esperar ansiosos el segundo álbum con las nuevas rolas, composiciones y experiencias. Espero no tarden mucho.
¡Ah! Y a esperar ese final fantástico de los cuatro integrantes con la bataca, acto que no debe ser usual en todos los toquines, guárdenlo para ocasiones memorables.
Sigan cosechando éxitos y nos vemos en la próxima.
Atentamente, un simple mortal humilde amante de la buena música.

“Mírame” y “Ruido” me latieron un buen…

Saludos a todos…

VIII Encuentro GeneXus México, Centroamérica y el Caribe 2011.

2011-03-27T14:14:00.000-07:00

Making Ideas Happen, Together.
El enfoque a los Smart Devices.
Por Carlos Zaldívar

Los Smart Devices invaden el planeta…
¿Y las “Smart Persons”?

Finalmente llegó el miércoles esperado de marzo para el evento o uno de los eventos más importantes en Tecnología.
Me abordaron en ipsofacto: -“¿Cómo viste el proceso de registro?”
En esta ocasión, fue muy rápido y ahora sí, la tecnología estuvo en su máximo apogeo. Y si para alguien le pareció lento, fue por la falta de memoria de su “password” para ingresar a recoger el gafete.

La bienvenida, los asistentes, el desayuno y el furor del evento hicieron de este inicio un deseoso día lleno de actividades. Y así sucedió.
En punto de las 9:15 subió Nicolás Jodal a platicarnos sobre lo que depara a GeneXus a corto y mediano plazo. Como siempre sus pláticas están llenas de anécdotas y de datos muy certeros. En esta ocasión sobresalió la explotación de la herramienta inteligente para producir aplicaciones en los dispositivos inteligentes.
“Si sangra, lo podemos matar” – Fueron las palabras del ya devaluado “Governator Schwarzenegger” en la película “Predator”. Vamos a “explotar” a esta herramienta. A ver, quien de ustedes, mis queridos dos lectores, puede dar un enfoque similar a alguna otra herramienta de desarrollo. Nicolás Jodal lo hizo.
También como lo comentó en su otra intervención, - ¿Cómo no se me ocurrió a mí lo del i-PAD?” – Y bueno, ¿Por qué a mí tampoco?
¿Tendrá algo similar la Ley de Moore en cuanto a las innovaciones tecnológicas?

Poco después de las 10:00 hrs cambiamos de sala y algunos fueron a escuchar a Laura Aguiar de GeneXus USA con la presentación de la herramienta XPM, otros fueron con Marcela Corbo al K2B Health y otros nos quedamos con Armin Bachmann y Rodrigo Zárate para escuchar el avance de GX X Evolution 1.
Hubo talleres sobre GeneXus, GXtest, GXflow y otro para desarrollar aplicaciones para Smart Devices.

Otras conferencias y pláticas que por obvias razones no pude asistir (ojalá y pudiera dividirme y generar otros 3 hologramas de mi persona…) y me centré en las conferencias sobre los Smart Devices y posteriormente a la participación de la comunidad académica en el evento. El programa completo se encuentra en: http://mx.genexus.com/encuentro-2011/programa?es

Hablar de “Smart Devices” o “Dispositivos Inteligentes” requiere de mucho entendimiento. ¿Cómo es posible que una maquinita o un teléfono sean inteligentes?
La tecnología ha crecido exponencialmente en los últimos lustros. Y apenas en menos de una década fue la invasión de los Smart Boards, y vuelvo a la pregunta: ¿Dónde estuvieron los Smart Teachers?
En muchas ocasiones viví experiencias como las siguientes:
Cuando en alguna organización/colegio tenían Smart Boards arrumbados porque no hubo quien los “echara a andar”.
Cuando se tenían Smart Boards y los mismos empleados no sabían usarlo, o más bien, por el miedo de usarlos, no lo hacían.
Y cuando los tenían arrumbados simplemente porque ese inventario “estaba dentro del presupuesto” y se tuvieron que comprar para comprobarlo.
¿Quién generará a los “Smart Teachers”?
Pero también en otras ocasiones asistí a conferencias y clases donde el Smart Board y otros dispositivos fueron usados y aprovechados en un alto porcentaje.
¿Cuál es la diferencia entre una organización donde SÍ se usan y en otra donde no?
Alguna vez comentó Jon French, Director Ejecutivo de HTC: - “La creatividad y la innovación no están limitadas geográficamente, ni por cultura ni raza; simplemente es un don que el ser humano tiene” – Es algo que debemos explotar.

Ahora, en el reciente lustro la venta de Smart Phones se incrementaron en más de un 99% tan sólo en Europa y la caída te Teléfonos celulares convencionales se decremento en más de 33%.
Bien, vayamos al caso concreto de México y las estadísticas que he recopilado en los recientes 3 meses.
En Estados Unidos el mercado lo domina Apple, sobre RIM. Al parecer la interfase de un i-Phone es más amigable y personalizable que un BlackBerry. No es mucha la diferencia en porcentaje, tan sólo Apple tiene casi el 60% del mercado de Smart Phones.
Aquí en México seguimos viviendo en lo que se llama “brecha digital” y las cifras según la Sociedad de la Información y la OCDE es triste.
Posiblemente no lo notemos, porque vivimos de y para la Tecnología. Usamos los Smart Devices como parte de nuestra rutina diaria, pero… simplemente en los países desarrollados tan sólo poco más del 60% tiene acceso a Internet, mientras que en los otros países sólo un 10% tiene acceso, y a un precio alto.
My a pesar de esta brecha, de los poco más de 105 millones de mexicanos, somos poco más de 32 millones de internautas.
De estos 32 millones, ¿Cuántos tienen un “Smart Device”?
Como Smart Device podemos incluir a cualquier tipo de Gadget con conexión a Internet y que sea interactivo con el usuario. Más específicamente puede ser un i-POD, una tableta, un Smart Phone, una Laptop, Netbook u otro.
Por lo menos de todos los internautas, quienes son estudiantes, de 10, 8 traen un Smart Phone. (Estadística en estudiantes de escuelas particulares)
Pero aquí viene la parte interesante: De los mismos usuarios de un Smart Phone, ¿Cuántos tienen aplicaciones y explotan el dispositivo?
Pues de cada 10, tan sólo 2 de ellos.
Para poder USAR un Smart Device, es requisito indispensable contar con aplicaciones PRODUCTIVAS y que exista una interacción con resultados concretos.
Esas 8 “personas” no caen dentro de una “Smart Person”, simplemente utilizan el Smart Phone como un Teléfono Convencional y a lo mucho para “jugar”.

El otro paradigma es: “¿Utilizas las Redes Sociales?, o Ellas te Utilizan”. Tu Smart Device ¿Hace lo que tú quieres? o ¿Tú haces lo que el dispositivo quiere?
El resultado es el mismo: seguimos con un mínimo avance para salir de la brecha digital.

Regresando a los jóvenes internautas. De un grupo de 20 alumnos de preparatoria, por lo menos 15 de ellos tienen en sus bandejas de entrada un promedio de 12 MIL MENSAJES NUEVOS. ¡Leyeron bien mis queridos lectores! 12,000 CORREOS NUEVOS, de los cuales por lo menos el 98% son de las redes sociales.
¿En qué están inmersos para no leer esos mensajes?
Más aún, el número de seguidores y/o amigos en las redes sociales parece competencia, cuando esos 20 jóvenes tienen un promedio de 800 amigos.
¿Tienen interacción permanente con cada uno de ellos?
¿Cada cuándo se actualiza en las “actividades” de cada uno de ellos?
Muchas de las estadísticas anteriores son desconocidas por los profesionistas en Tecnologías, y sobre todo por los desarrolladores de software.
¿Para quién voy a desarrollar mis aplicaciones?

El papel de ARTech y GeneXus hoy es precisamente explotar también ese nicho.
En sus primeras versiones, GeneXus fue utilizado para la fabricación de ERP’s a nivel administrativo, para optimizar los recursos de organizaciones y para basar todo el funcionamiento de la misma en el “conocimiento”… en “Bases de Conocimiento”.
GeneXus ha evolucionado a la par de la Tecnología y siempre con innovaciones productivas y certeras.

Hace 7 años que involucré a estudiantes en la herramienta. De hecho GeneXus estaba entrando en pocas Universidades (la Anáhuac por mencionar alguna) en sus planes de estudio y para el desarrollo de aplicaciones propias y locales.
No fue óptimo el seguimiento que se le dio en aquellos años.
Hace 4 años insistí en el involucramiento de la herramienta Inteligente en los planes de estudio a nivel de preparatoria, enfocándonos con alumnos de Programación con el objetivo de proveerles de conocimientos y armas para enfrentar la misma materia en la Universidad.
No pasó a mayores esa iniciativa, pero SÍ lo lograron colegios como el Conalep, el Instituto Tecnológico de Tlalnepantla y algunos profesores del modelo I.P.N. lo apegaron a sus clases.
Hace 2 y 3 años nuevamente involucré a alumnos. Y sigo esperando…
Por parte de convenios académicos de ARTech, el programa se ha extendido hoy hasta la ESCOM (Escuela Superior de Cómputo) del I.P.N. y al Instituto Tecnológico de Chilpancingo. El número de organizaciones académicas sigue en crecimiento.
Es aquí PRECISAMENTE, en estos niveles académicos donde ARTech apoya y colabora con las Instituciones en FORMAR a las SMART PERSONS, que sean realmente Personas LISTAS e INTELIGENTES, porque estos jóvenes van a ser quien lideren la sociedad, no en un futuro, sino HOY mismo.
HOY estos jóvenes ya emprenden proyectos y otros desarrollan aplicaciones.

La gran novedad de este encuentro fue GeneXus X Evolution 1 y Evolution 2 para desarrollar aplicaciones para Smart Devices.
¡Fabulosa! La presentación de GENEXUS SMART DEVICES GENERATOS por Armin Bachmann quien nos demostró la sencillez, rapidez y efectividad de la herramienta para el desarrollo de aplicaciones. Constatamos la nobleza y amigabilidad de la interfase del Generador. Y como lo comenté a mis 3 alumnos asistentes: - “Tan sencillo, que hasta Paty Chapoy la puede hacer” – Y en verdad, es sencillo el desarrollo, porque, insisto: ya no se programa: SE DESCRIBE.

Éste es el verdadero nicho a explotar, por ARTech con GeneXus y por los que estamos involucrados en la parte académica y docente en las Instituciones.
Seguir trabajando para que algún día, y que no sea muy lejano, disminuir hasta desaparecer la brecha digital que tanto ha frenado al país.
Genera el efecto dominó con nuestros propios alumnos y que éstos vayan al campo de batalla laboral bien armados para desarrollar y al mismo tiempo para colaborar y ENSEÑAR lo que han aprendido. Que en un futuro esté atrás de un Smart Device, un Smart Person.
Que los dispositivos (que por cierto jamás pensarán ni serán inteligentes) sean explotados y usados a casi el 100% y no sean únicamente portados por “status social” y “presunción” para competir, porque no se trata de competir con el compañero de clase o de trabajo: se trata de COLABORAR y de usar las tecnologías como herramientas productivas y no para “idiotizar” y dar fe al término de “Generación Idiota” (Dumb Generation) como algunos autores han estereotipado a alumnos mexicanos.
Queremos formar buenos “Smart Students”, porque serán los líderes de esta sociedad y debemos provocar el cambio a que pertenecen a la Generación Einstein (Einstein Generation). Ambos términos han provocado muchos debates por la Red, y expandir estos párrafos sobre éstos, ya sería cansado.

Nos apoyamos en GeneXus porque ARTech cuenta con la infraestructura de apoyo académico y seguimiento en el proceso de formación de estos jóvenes.
Si alguno de mis dos lectores, no le interesa la Herramienta, simplemente porque no la conoce, pero conoce otra, pues que se aproveche. El objetivo debe ser el mismo.

Llegó la hora de la comida, y ¡todos al Hard Rock!

Regresamos puestos a las 15:00 horas con la esperanza de que nuestro talón fuera seleccionado para un premio. Ninguno.
Se presentaron a continuación los casos de éxito donde sobresalieron el de CONAFE y el de Grupo Salinas.
De hecho, mis queridos dos lectores, no explicaré mucho sobre éstos, ya que ustedes estuvieron presentes también.

Las tres personas que cerraron el evento hablaron tan atinadamente y fueron quienes nos pusieron a analizar la situación actual de la Tecnología y sus herramientas.

- ¿Y quién es ese? – Fue una pregunta que escuché por lo menos más de 4 veces cuando comentábamos sobre la presencia del “Chapulín” Díaz. Y no es para menos, cuando para muchos lo más importante en la semana fueron las verduras, bueno… en específico el chícharo, y chiquito.
Pues Luis Díaz es un piloto de renombre internacional, y su exposición se basó en un solo punto y que es un factor muy difícil de llevar a cabo en las organizaciones: TRABAJAR EN EQUIPO.
Al “Chapulín” debe reconocérsele el afán por lograr sus objetivos, una historia muy similar a la de Rudy, quien se aferró a jugar fútbol americano en la Universidad de Notre Dame.
Insistir y no quitar el dedo del renglón, hasta conseguir el objetivo, vencer obstáculos y sobre todo: APRENDER DE LOS FRACASOS.
Trabajar en equipo y colaborar con quienes tenemos a nuestro alcance. Olvidar la envidia y el egoísmo, como es lo “normal” en muchas organizaciones.
Y tocando este tema, unas extraordinarias plataformas académicas de colaboración son COLABORANET y SCHOLA, que por cierto, ésta última se desarrolló con GeneXus. (Perdón por el comercial).
Y para muestra bastó sólo un botón, experimentar con una dinámica para cambiar la llanta de un automóvil.
Por lo general una persona cambia una llanta entre 4 y 5 minutos de un auto convencional. Y si se hace en equipo el tiempo disminuye y si hace continuamente, pues el tiempo baja más.
Esto se llama, TRABAJO EN EQUIPO y BIEN EXPERIMENTADO.
En los Pits de una autopista de F1, el equipo de mecánicos cambia una llanta en un promedio de 10 segundos. ¡10 segundos!
Conseguir este tiempo fue una META, y de éstas debe estar llena nuestra vida personal, familiar y laboral.
Y si a la laboral le agregamos el ingrediente uruguayo de GeneXus, pues vamos por buen camino.
El “Chapulín” lo soñó y lo logró. Así que nosotros, ¡A soñar! Para lograrlo: Make our Ideas Happen!

Y llegó el primer keynote, de Nicolás Jodal quien nos abordó con algunas preguntas:
¿Qué hacíamos el 9 de septiembre de 2001? Pues yo salía de un check – up del hospital y en la recepción me detuve a observar la noticia por T.V. sobre el “ataque” de las torres gemelas. ¿O fue auto ataque?

Y, ¿Qué hacíamos el 23 de octubre de ese mismo año? N.P.I. No Poseo Información sobre ese día, y creo que nadie contestó. Pues ese día Steve Jobs es nombrado presidente interino de Apple y se anuncia el lanzamiento del i-POD.
Empezaron sus ventas un poco lentas, pero luego vendría su partner en software y aparece bajo el nombre de i-Tunes. Sus ventas se convierten exponenciales en comparación con la competencia. Y aquí retomo las palabras de hace 2 encuentros anteriores: Bien este suceso puede tomarse como “un cisne negro” en la tecnología.
Habló sobre el Amazon Kindle que revolucionó la forma de la “lectura digital” y de Google Nexus, que une funcionalidades del teléfono y las redes sociales para estar conectados “siempre”.

Y, ¿Qué hacíamos el 13 de julio de 2006? Tampoco recuerdo. Pero ese día se lanza el primer tweet con la nueva red social “Twitter”. Según yo, se lanzó un poco antes, en marzo, y de hecho ya festejaron sus primeros cinco años. Bueno, pocos meses de diferencia pero lo importante fue el inicio de una aplicación que hoy es una mina de oro al igual que facebook.

¿Qué hacíamos el 27 de enero de 2010? Mmmm, pues según mi agenda estaba yo en un curso de Microsoft. Y también en ese día se lanza el i-PAD, y me incluyo junto con ARTech en el escepticismo de ese aparato. – Pues no creo que se despliegue bien en el mercado, es un teléfono enorme – Pues bien, HOY quiero un i-PAD (Y una mochila…)

No paso por alto el dato de Kenia, país que tiene el mejor servicio a bajo costo de banda ancha para navegar. Parece que este es un buen paso para ir disminuyendo esa “brecha digital”. En México, Carlitos Slim presume de no aumentar sus precios por un año más, pero si de por sí están bastante altas, que bien pueden mantenerse fijos por otros 6 años.

¿Qué necesita el mundo? Aplicaciones basadas en datos, aplicaciones en web, Smart Devices y sobre todo (lo agrego yo), SMART PEOPLE.

Y llegó otro gurú de la informática, Breogán Gonda son el keynote final: La Tecnología en los siguientes 20 años.
Pensar en la tecnología de hace 20 años, compararla con la de hoy y sobre todo valorar lo que hoy tenemos. Hagamos un recuento, de cómo eran las bases de datos, su estructura, las aplicaciones que muchas veces no eran tan amigables como hoy en día, los procesos y las “formas” de “realizar registros”, etc.
ARTech automatiza todo, o casi todo.
Hace poco más de 20 años pagar con tarjeta de crédito el súper era odioso, porque estar atrás de la persona que paga, significaba esperar a que el cajero sacara el librito, buscara y luego verificara el límite de piso, y en otros casos llamar por teléfono…
Antes ir al banco, y hacer un retiro era llevar la libretita, sacar la pluma y escribir y plasmar el sello. El saldo se actualizaba al día siguiente.
Los bancos echaba a andar el sistema los lunes a las 4:00 horas, hoy siempre están funcionando.
Y bueno, como estos hay innumerables ejemplos. Los procesos en las empresas eran tardados y tediosos, aunque hoy hay pocas en que aún lo son.
GeneXus es la solución para la mayoría de estos procesos administrativos empresariales.
Breogán menciona que el usuario no necesita aprender a usar la tecnología, simplemente debe usarla bien. En lo personal es muy cierto, siempre y cuando el usuario tenga “sentido común” porque la gran mayoría de los Gadgets, Smart Devices y aplicaciones son intuitivas y demasiado fáciles de usar.
La tecnología se mueve constantemente a altas velocidades por lo que predecir lo que va a suceder en los siguientes 20 años o en los próximos 2 ó 5 es muy difícil, pero algo es muy cierto: EL CONOCIMIENTO y el poseer la INFORMACIÓN nos dará una gran ventaja.
Sobre éstos recaerán los objetivos tecnológicos y las aplicaciones serán de acuerdo a la movilidad y facilidad de transporte de los datos.

Hoy puedo salir sin mi cartera y sin mi reloj, pero salir sin mi SMART DEVICE es imposible. En un solo Gadget diminuto, puedo estar comunicado mediante correo, redes sociales, leer los periódicos, interactuar con otros usuarios, consultar el saldo en mi banco, pagar servicios, realizar transferencias, comprar tiempo aire y centenas de cosas más.
Todo en un lapso corto y sin trasladarme de un lugar a otro.
Hacer varias de estas cosas, hace 20 años me hubiera costado gasolina y mucho tiempo perdido.
Además de que hace 20 años no tenía el conocimiento de hoy.
¿Cómo hubiera sido nuestro tiempo en la preparatoria si tuviéramos la tecnología como hoy? La usaríamos o ella nos usaría. Pensaríamos igual o creceríamos sin sentido.

Aún sigo promoviendo el uso de la tecnología, y me cuesta trabajo que gente joven, y muy joven no puede con el peso de este compromiso. Mismos que la satanizan y prefieren ir al banco, formarse y obtener un papel con sello y firma físicos para sentir que SI realizaron la transacción.

¡Provoquemos el efecto dominó y promovamos el uso de la Tecnología!
Bien nos podemos auxiliar de muchas herramientas, y una de ellas, inteligente, es GeneXus.

Próximo paso, a actualizar mi Licencia Full Technology de GeneXus.

Un agradecimiento enorme para José Manuel Zamora quien colaboró en la redacción de los Keynotes.
Y un agradecimiento más para Elizabeth Zárate por proporcionarme los audios grabados de los mismos Keynotes.

A toda la comunidad GeneXus mi más sincero agradecimiento por compartir cada año estas experiencias.

A ARTech: Breogán, Nicolás, Gerardo, Anibal, Oscar, Maribel, Adriana y a todos, a todos por generar esa cohesión que se vive cada año.

Nos leemos en el IX.

THE DOORS & GRAND FUNK RAILROAD

2011-03-12T09:27:00.000-08:00

Clásicos eternos en el Auditorio
Por Jesús García

Una vez más el Auditorio Nacional fue el escenario preciso para que The Doors hiciera acto de presencia en la Ciudad de México.

Una noche apresurada - otra vez un concierto entre semana- en la que alcancé a llegar cuando el gran grupo abridor, Grand Funk Railroad ya iba a la mitad de su presentación. Mark Farner no decepcionó y toco temas como American band, Locomotion, I'm your captain y la clásica Heartbreaker.

Un Auditorio lleno hasta el tope, con un público ansioso por volver a ver a la banda que en su momento lideró Jim Morrison, el Rey Lagarto. Ahora el grupo está formado por Ray Manzarek en los teclados, Robbie Krieger en la guitarra -quien tristemente por problemas de salud no se pudo presentar anoche-, el bajista Phil Chen, Ty Dennis en la batería y en la voz Bret Scallions, quien fue anunciado en un inicio pero en su lugar apareció Dave Brock, vocalista de la banda tributo a los Doors, Wild Child.

Se apagan las luces y comienza Carmina Burana de Carl Orff, canción que han usado para iniciar sus conciertos desde hace tiempo y que fue seguida por Roadhouse blues.

Público de todas las edades coreaba las canciones desde sus asientos. Desde jóvenes menores de 16 años hasta gente de ya más de 60 cantaban temas como Break on through, Strange Days, When the music's over, Peace frog, Whiskey bar, Five to one, Touch me.

La noche avanzaba y ya cerca de la media noche y después de que todo el lugar cantara emocionado el tema de Gloria, L.A. Woman fue la canción con la que Los Doors salieron del escenario para volver ante los aplausos del público mexicano.

Sonaron truenos en ambiente, en las pantallas se veían nubes entre relámpagos y comenzó Riders on the Storm, para después dar pie a la presentación de un invitado especial al escenario.

“Please welcome Alex Lora!”, dijo Ray Manzarek mientras el intérprete de Triste canción entró al escenario. El público enloqueció cuando Lora y Brock cantaron Light my fire, tema del primer disco de los Doors, que salió en 1967, un año antes de que el Tri iniciara su carrera musical. ¿Creen que se haya imaginado algún día Alex Lora compartir escenario con semejantes leyendas del rock?

Los Doors se fueron, pero el público aún quería más. DOORS! DOORS! DOORS! DOORS! DOORS! DOORS! se escuchaba por todo el auditorio para que al final regresaran nuevamente a tocar el último tema de la noche: Soul kitchen, canción con la que solían terminar sus presentaciones cuando Morrison se presentaba con ellos.

No es la primera vez que los Doors vienen a México, la primera fue en 1969 cuando, junto con Jim Morrison tocaron en el Forum de los Hermanos Castro, esperemos que no sea la última.
Robbie, recupérate pronto.
LARGA VIDA AL REY LAGARTO.

EL LAGO DE LOS CISNES.

2011-03-07T10:33:00.000-08:00

Isleta del Lago Menor, Chapultepec
Por Carlos Zaldívar

Majestuosa presentación de la obra El Lago de Los Cisnes. Desde la llegada a la Isleta y al clamor de la oscuridad, el escenario se iluminó para que los caballos y todo el personal del reino se presentaran ante nosotros.
Un escenario natural, donde se llevó a cabo la historia del Príncipe Sigfrido y su amada doncella Odette.

Las bailarinas en su excelente interpretación de los cisnes, el príncipe, los amigos y el hechicero hicieron de este ballet que los asistentes quedáramos totalmente inmersos en la historia.

Fuimos, de hecho, un personaje más.
Odette, bailarina interpretada por Aurora Vázquez, con la elegancia de un cisne blanco y la calidez del amor y ternura por su príncipe, se veía muy desenvuelta por todo el escenario.
Odile, ese cisne negro, tan seductor y tentador, dejaba entrever ese sugestivo cuerpo del deseo, atrapándonos a quienes tomamos por un instante el personaje de Sigfrido.

Jacqueline fue la bellísima bailarina de interpretar al cisne negro, y quien además cumplió con su última presentación. Al final, sus compañeros la despidieron calurosamente y lo mejor fueron los minutos de aplausos de nosotros. ¡Magnífico Cisne Negro!

La majestuosidad de este tercer ballet se lo debemos al compositor ruso Pyotr Illyich Tchaikovsky quien la estrenó en el Teatro Bolshoi en Moscú en 1877, aunque me hubiera gustado deleitarme con la obra original que duraba casi 3 horas y la tragedia era el final.

Esta ocasión el final cambió, como en muchos otros teatros y el tiempo se acortó.
¿Otro escenario? Pudiera ser difícil suplir a esta Isleta, encarnada en el Bosque de Chapultepec, como escenario para el Lago de los Cisnes.

¿La música? ¡Increíble! De hecho fue quien nos impulsó en cada nota y decibel a penetrar en el papel de cada bailarina y bailarín. La obra de Tchaikovsky es vasta y además de primerísimo nivel ya que en lo personal es uno de los padres del Metal. Esta obra, de larga duración, plasma en cada parte las emociones y sentimientos los cuales fueron interpretados por “los cisnes” en escena.

Bailar, no cualquiera y hacerlo con sentimiento y vivir la obra, mucho menos.
La obra estuvo a cargo de la Compañía Nacional de Danza el Instituto Nacional de Bellas Artes, México.

Thumbs UP!

Dedicado a mi hija Regina Elizabeth, que ya sigue los pasos de una extraordinaria bailarina.

DEEP PURPLE EN CONCIERTO. Feb. 2011

2011-02-23T05:51:00.000-08:00

Miércoles 23 de febrero 2011
Auditorio Nacional
México, D.F.
Por Jesús García Favila

Un miércoles de concierto puede ser divertido y no tanto cuando tienes que apurarte a salir del trabajo y llegar a tiempo a ver a una de las bandas más emblemáticas del Heavy Metal: Deep Purple.
La banda creada en Hertford, Inglaterra, en 1968 se presentó con su actual alineación: Ian Gillan vocalista, Steve Morse guitarra, Roger Glover bajo, Don Airey teclados y Ian Paice en la batería.
Después de muchos años de realizar giras por todo el mundo llegaron anoche a tierras aztecas, en donde tocaron para un Auditorio Nacional lleno hasta el tope de gente de diversas edades. Desde jóvenes menores de 12 años hasta señores que seguramente los escucharon en vivo cuando vinieron al Toreo de Cuatro Caminos al inicio de los ochenta.
Poder y fuerza con Highway Star, canción con la que iniciaron el concierto, comenzó una remembranza de todas sus épocas. Canciones de su último disco, Rapture of the deep, fueron acompañadas de clásicos como Perfect Strangers, Space Truckin, Lazy y Strange kind of woman (entre estas interpretaciones de repente de entre el público salió volando al escenario un brassier, ¿qué cosas no?).
Una parte digna de mencionar fue cuando When a blind man cries se escuchó, haciendo sentir un blues mágicamente interpretado por Steve Morse y que toda la audiencia aplaudió con todas sus fuerzas.
Smoke on the water , canción clásica de Deep Purple y de la música rock, fue con la que salieron del escenario antes del clásico “otra, otra, otra...”, regresando a tocar Hush y cerrando con un virtuoso solo de bajo por parte del maestro Roger Glover antes de darle el cierre a la noche con Black night.

The Arkitecht: Blue Factor Bar

2011-02-22T09:40:00.000-08:00

La Zona Rosa de la Ciudad de México se cimbró a una escala Richter desconocida…
Por Carlos Zaldívar

“La música expresa lo que no puede escribirse y lo que no puede permanecer en silencio”.
Victor Hugo.

Una de las más grandes bandas mexicanas que pueden competir a nivel internacional en el ámbito del metal: The Arkitecht. Pero definamos a qué nivel de internacionalización, porque hay bandas del llamado “Rock Desmadre” que únicamente viajan por la República Mexicana, España o América del Sur y ya se dicen que son de primer nivel. ¡Basura!
Ese “Rock Desmadre” corresponde a que no cantan, ¡gritan!, y el ruido es estruendoso y obviamente carecen de armonía y arreglos. Simplemente son para hacer desmadre. La diferencia principal consiste en esa “creatividad intelectual”, “cultura musical e histórica”, cuando las composiciones, arreglos y producción de las canciones tienen un “nivel profundo”.
Hablar de este tipo de bandas originales y que sean “mexicanas”, pues son de contarse con los dedos de mis manos.
“Anima Tempo”, “Wrecker”, “Tren Montealto” (aunque no sea propiamente una banda de Metal), “GlassMind”, “Valdio” (con una mención especial por ser el One-Man-Band) y por supuesto “The Arkitecht” son apenas algunas de estas bandas. Sé que me faltan por mencionar, pero si lees estas líneas y falta una banda, házmelo saber.
De las otras, pues ni mencionarlas, pero no dudo, estimados dos lectores, que sepan a cuales me refiero.
También hay otro tipo de bandas, las de tributo, pero para ellas me referiré en otra ocasión.
The Arkitecht es el producto de una mente llena de creatividad, ingenio, intelecto musical y cultural, carisma y sobre todo: “un madral de ganas” de hacer bien las cosas.
Esta mente, que siendo joven, mi pronóstico es que llegará a ser de buena cosecha, como los vinos más caros del planeta. Es una mente que se está expandiendo, y no solo en México, sino en Europa. Tiene presencia en las principales ciudades del buen metal. (www.thearkitecht.com tiene tales referencias).
Una mente, con la cual no me atrevería a competir. En www.muzikreviews.com se cataloga a esta mente como “One – Man – Band) y en los países bajos, www.lordsofmetal.nl la catalogan como “un virus que debe asestar un golpe a Europa”.
En www.metal-observer.com catalogan a esa mente como “multi – instrumentalista” y piadosamente de “prog – metal”. Y así, por el estilo, en websites, fanzines y disqueras va creciendo exponencialmente el nombre de THE ARKITECHT.
Esta mente lleva por apelativo a Genaro Ochoa, cuando en realidad su verdadero nombre es “THE ARKITECHT”.

Cuando “Hyperstructure” vio la luz del mundo, cayó en mis manos tiempo después. Gocé el éxtasis desde “Blackout” hasta “Face Thief” y entonces lo que humildemente escribí ahora es insuficiente:
http://zaldivarcarlos.blogspot.com/2010/04/arkitecht.html.
Faltaba presenciarlos en vivo, pero desafortunadamente al poco tiempo, The Arkitecht estuvo en busca de un bajista.
¿Quién podrá tomar esa enorme responsabilidad de tal instrumente en una banda de semejante envergadura? Difícil pregunta.
Hoy, la respuesta está en ipso-facto: Mr. Armando “Bjorn Verccety” Thamez. Sin más ni más.
Ya hablaré del line – up de The Arkitecht más adelante.

Lo que vivimos el fin de semana anterior, fue el evento ansiado desde hace 2 meses… Ver a The Arkitecht en vivo. Ya todo está escrito sobre esta banda, ¿Qué más puedo escribir? Verlos en vivo, ¿Será igual o mejor que en el cd?

La cita fue en la noche en el Bar Blue Factor, ubicado en Hamburgo en la Zona Rosa. Un verdadero “antro” pero de esos baratos y sin gente. Comparado con la mayoría de los antros de alrededor, pues éste si recurre a la definición antigua de “antro, pero antro”…
Llegamos justo a la hora de la Conferencia de Prensa, y precisamente recapitulo la pregunta del Por qué las bandas mexicanas (muchas de ellas) no son longevas.
El Máster Genius Ochoa se refirió a este “síntoma” en gran parte por el sistema que se maneja en país con respecto a la cultura musical. No hay apoyos y los músicos deben tomar esa profesión como una segunda opción de trabajo, además de invertir de sus propios recursos para fomentar el gusto por su banda”. The Arkitecht es independiente.

Fin de la conferencia e inicio de felicitaciones y saludos… El show estaba por comenzar. La orden del día estaba distribuida en el orden siguiente:
Wolfskin, Defecto, The Arkitecht y Sanguínea.
De las otras tres bandas me reservo el derecho a opinar.

Y ya entrada la noche, y con cervezas en mano para celebrar la liturgia metalera, se lanzaron: Genaro, César, Armando, Rodrigo y Dante, al escenario… Para este momento, y casi a reventar el local, estábamos la mayoría de pie frente a los instrumentos, listos para rendir tributo a esa magna banda de Metal Progresivo.
Comencé a tomar fotos y a preparar el video, miraba a mis alrededores y la euforia era tanta, que pude pensar que hasta podría estar en el estadio de Kolkata en la India y los 150,000 fans de The Arkitecht alrededor mío. ¡Puta Madre! ¡Qué emoción!

“Through Broken Glass” nació de esos instrumentos y al primer decibel ya estaba Dante deleitándonos con su excelente voz, una voz “bien educada”. Mi querido Dante: Deja te digo que en las vocales estás muy cabrón… Esos cambios de guturales, graves y agudos, no a cualquiera se le dan… Unas cuerdas vocales de primer orden. Y la rola, sin palabras, a todos prendió desde el inicio, y las melenas de Armando y César adornaban las letras.
Le siguió otra obra maestra, ésta bajo el nombre de “Elation” (rola que tengo como fondo en este preciso momento en que escribo estas humildes palabras para mis 2 únicos lectores), y que es la continuación en el álbum de “Through Broken Glass”.
Apenas la segunda rola de la noche y el sentimiento del hervor sanguíneo burbujeando en las venas era continuo y desenfrenado… ¡Queríamos más y más metal!
En el álbum viene, por llamarle así, una segunda parte que consiste en una rola de larga duración bajo el nombre de “Face Thief”. Son 32:16 minutos exquisitos de un metal progresivo al puro y mismo estilo de The Arkitecht con influencias de, bueno… de ya se imaginarán las bandas cuando escuchen el álbum completo.
Esta rola no la interpretarían en vivo, en primera por la duración y en los conciertos generalmente prefieren rolas rápidas.
Terminaba “Elation” cuando Dante anunciaba: “Face Thief”. What the Hell? ¿Cómo va a ser posible esto?
Y que se arrancan con esta magna rola ante la cual mis reverencias al creador Genaro, se hacían presentes.
¿Face Thief? SÍ. Exactamente esa rola se la aventaron de proa a popa, cual vil Titanic de miles de toneladas, pero de puro, total y absoluto metal.
En esta rola se constató el bajo de mi brother Armando. ¡No mames Brother! Te diste el lujo de brindarnos toda una cátedra de cómo se le debe hacer el amor a esas cuerdas y soltar esos sonidos tan lujuriosos que le provocas.
Genaro: ¿Qué carajos más puedo decirte? Eres un semidiós en crecimiento, un genio también tras los teclados y tras la guitarra. Aún tengo grabados en mis pocos bytes de mi cerebro esas escenas donde se puede constatar tu disfrute al compartirnos esa música tan brillante con tus fieles seguidores.
Aparecieron “Hyperstructure” y “Blackout”… y la algarabía para que el recital fuera infinito, crecía con las palmas de las manos…
Estuve a tan solo unos pasos de César, el guitarrista principal. Mi estimado César, los videos que has subido están poca madre, pero ya en vivo y a todo color, en verdad quedé anonada… bueno, quedé “apendejado” ante el virtuosismo que manejas con las cuerdas. Verte revolotear cual jilguero en una jaula con un felino dentro, fue inexplicable. Ya la guitarra es una extensión de tu cuerpo y alma.
¡Ah!, pero eso no es todo. Al fondo, tras la bataca, se encuentra Rodrigo.
Alguna vez vi tocar, perdón, vi “madrear” a la bataca de una manera tan sublime que cada percusión flotaba en mi alma. En esa ocasión estaba Carlos Carbajal tras el instrumento. Al final le comenté: “Estás muy cabrón”. Es rarísimo ver a alguien así, que le pegue con “ganas” (escribí ganas para no escribir “huevos” pues se oye medio feo) a las percusiones.
Hoy, existe otro baterista diferente y ya soy su fan. Rodrigo Uribe: se ve como disfrutas al máximo casa segundo de plática erótica con tus instrumentos de tambores, bombos y platillos.

Y más aún, porque cuanto terminó la segunda banda de tocar y The Arkitecht pasó al escenario, tuvimos otro punto de comparación. Y de esa banda a la banda de Genaro se plasmó indiscutiblemente una diferencia musical a – bis – mal.

The Arkitecht, una banda bien cohesionada, siempre en el mismo canal y sobre todo, con ese carisma que espero JAMÁS PIERDAN.
Consérvense como una Banda Unida y luchen por esa Longevidad.

Genaro, César, Armando, Dante y Rodrigo: Hermanos, mis humildes reverencias ante ustedes.
El website www.myspace.com/thearkitecht también está disponible, al igual que www.facebook.com/thearkitecht.

Saludos, y que DIO los bendiga.

carlos@zaldivar.org.mx

Toussaint-Bernal-Puentes

2011-02-10T09:40:00.000-08:00

Eugenio Toussaint
(In Memoriam)

Toussaint-Bernal-Puentes
Kennedy Center for the Performing Arts
28 de octubre de 2007

Por Carlos Bernal

Fue Jean-Paul Sartre quien escribió aquella célebre frase sobre el jazz y los plátanos*, expresando su pasión por el jazz, pasión que comienza en su primera novela, La Náusea, donde hay varias alusiones a este género (el disco de la cantante Sophie Tucker interpretando "Some of these days" es como un leitmotiv en la novela). Quienes hemos escuchado jazz en un club, sabemos que hay mucho de cierto en la frase de Sartre, el jazz es más sabroso sentado en una vieja mesa de algún bar, con el humo de los cigarros, el ruido de las copas y los murmullos constantes de quienes simplemente no pueden escuchar sin hablar. Sin embargo, el jazz ha evolucionado y se ha ganado su lugar indiscutible en la sala de conciertos, por su refinamiento, seriedad y gran capacidad de expresión. Lejanos son ya los días (o las noches) en que uno solo podía escuchar jazz en bares, y ahora en las salas de conciertos del mundo entero, se presentan los grandes jazzistas de hoy.

Gracias a la tecnología de internet, tuve la gran fortuna de presenciar el concierto del trío del pianista y compositor Eugenio Toussaint en el Millenium Stage del Kennedy Center, con el contrabajista Agustín Bernal y el baterista Gabriel Puentes. Quienes escuchan a este trío en vivo están presenciando momentos históricos del jazz en nuestro país, porque como bien dice Eugenio en una parte del concierto, este jazz es mexicano (believe it or not), hecho en nuestro país y con la marca imborrable de lo nuestro. Difícil definir a que me refiero con "lo nuestro" en un género que nació en Estados Unidos (con raíces africanas), que evolucionó y tomo gran parte de su influencia de la música impresionista de Ravel y Debussy, que elaboró una riqueza rítmica singular y que ahora es casi universal. Supongo que se puede decir que los temas, algunos de Eugenio y otros de Agustín llevan melodías, armonías y ritmos que de alguna manera dejan su marca mexicana, ya sea en el canto de un tema, en el ritmo vivo, en los golpes de una batería en las manos del excelente músico Gabriel Puentes, cuya finura no hace más que acentuar esa mexicanidad, o latinidad, que hace todavía el termino de "lo nuestro" mucho más amplio.

El formato de trío (piano, contrabajo, batería) es standard en el jazz y cubre toda una gama de colores en un caudal que es casi inagotable. Pienso en los grandes tríos de la historia, como el de Bill Evans (Scott La Faro y Paul Motian), Oscar Peterson (Ray Brown y Ed Thigpen), Keith Jarrett (Gary Peacock y Jack DeJohnette) y Brad Mehldau (Larry Grenadier y Jorge Rossy) y sé que me quedo corto pues faltarían por lo menos una veintena por nombrar, sin embargo el arco temporal trazado (de Evans a Mehldau) cubre 50 años en la historia del jazz. Eugenio, Agustín y Gabriel son herederos de esta tradición y conocen perfectamente las posibilidades del trío, en donde el piano establece el mapa armónico, apoyado por la indispensable guía del contrabajo, cuya línea melódica enriquece en todo momento la sonoridad del grupo conduciéndolo a nuevos territorios armónicos y que apoyados por la batería crean el color tan particular del trío. En mi humilde opinión, la riqueza de esta formación viene dada por la variedad y las diferencias entre los tres instrumentos: el color tan característico de cada uno, la manera de producir el sonido, y la gran capacidad de los tres instrumentos de integrarse y mezclarse para formar un sonido nuevo.

El primer tema es Shiraz, composición de Agustín en donde el trío suena con swing, energía y dirección, lo que me hace pensar en ese rico vino del valle de Rhône de sabor y color robusto cuyo aroma no es más que el de los campos de Provence, que con el soplo del viento del Mediterráneo se filtra por la nariz cuando uno acerca la copa, cerrando los ojos y dejando correr el sabor de esa uva tan especial que poco a poco invade el paladar. Así, uno cierra los ojos y se deja llevar por la melodía viva y rítmica que da paso a un solo de contrabajo en donde la maestría de Agustín se hace bien presente desde la primera nota, la melodía ascendente, las notas repetidas, el uso de dos cuerdas simultáneas, el vibrato profundo que hace cantar al contrabajo y por supuesto la marca del fraseo de un verdadero maestro. Después viene la conversación con la batería que finalmente regresa al tema. Eugenio anuncia la segunda pieza, A Mis Hijos, composición suya, de repetición melódica insistente e hipnótica que da paso a un solo de piano elegante y delicado donde también la repetición está presente en los giros melódicos que tanto le gustan a Eugenio y que explora con elegancia. Luego viene el solo de contrabajo que se convierte en una conversación con el piano, y en las notas altas vuelve a esa repetición que el piano contesta y se desvanece para regresar de nuevo al tema principal. My New Orleans Lover, otra composición de Agustín inicia con la batería y continúa con el tema en el piano y una rápida figura melódica repetida entre el piano y el bajo: episodios cortos separados por pausas y que poco a poco se van abriendo hasta llegar al solo de piano, rítmico y con swing. Después el solo de contrabajo, da paso al solo de batería, con el grupo ahora acompañando a Gabriel y repitiendo el tema principal.

En Sideways, esa película sobre el viaje de dos amigos por los viñedos de California mi parte favorita es una conversación entre Maya y Miles, conversación que es el preludio amoroso de estos dos personajes, en donde Miles define de manera poética la uva pinot **. Así, Pinot Noir de Eugenio Toussaint me suena delicada, como esas muñecas de porcelana, cuya belleza se centra en su fragilidad y finura: eso es quizás el Pinot Noir para Miles y también para Eugenio. Sunset at Sunset, dedicada como la anterior a Clare Fischer, nos presenta ese lado latino que tanto gusta al pianista norteamericano cuyas influencias van de Sergio Méndes a Tito Puente. Picasso, otra composición de Eugenio abre con una linea tocada al unísono entre el piano y el contrabajo, que después suena algo al estilo de Chick Corea en aquella época española (Light as a Feather, My Spanish Heart) especialmente en la parte más rítmica, donde Eugenio toca un excelente solo que es seguido de otro gran solo de Agustín en donde piano y batería acompañan perfectamente el ir venir del contrabajo cuya energía inagotable desemboca en el tema y finaliza sorpresivamente.

Regresando a Sartre, quizás la clave es comer plátanos y disfrutar del Jazz al mismo tiempo, sin importar donde uno lo escuche. Me pregunto si Sartre habrá intentado comer un plátano en la vieja mesa del Café de Flore en el corazón del barrio de Saint-Germain-des-Prés donde es bien sabido pasaba tardes escribiendo o si tarareaba junto con Simone de Beauvoir algún tema de Charlie Parker en sus innumerables caminatas parisinas. Lo que está verdaderamente documentado es que hubo un encuentro entre Sartre y Parker, en el club Saint-Germain en Mayo de 1949, en donde el filósofo existencialista conversó con el gigante del saxofón sobre diversos temas, entre ellos la música contemporánea y el interés de Parker de estudiar música clásica en un conservatorio. La cita de Sartre*** sobre el hombre y su proyecto en la vida (que en realidad no es más que una manera de definir el Existencialismo), en donde la realización de dicho proyecto le da el único y verdadero sentido a su vida me parece más que acertada cuando escribo estas líneas sobre este maravilloso trío mexicano. Enhorabuena.

Ginebra, Suiza, octubre de 2007

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El video completo del concierto:

http://www.kennedy-center.org/explorer/videos/?id=M3273

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* " La musique de jazz, c'est comme les bananes, ça se consomme sur place "

(Jean-Paul Sartre OUVRES ROMANESQUES, Gallimard Bibliothèque de La Pléiade)

** El diálogo citado es el siguiente:

-You know, can I ask you a personal question, Miles?

-Sure

-Why are you so in to Pinot? I mean, it's like a thing with you

-Uh, I don't know, I don't know. Um, it's a hard grape to grow, as you know. Right? It's uh, it's thin-skinned, temperamental, ripens early. It's, you know, it's not a survivor like Cabernet, which can just grow anywhere and uh, thrive even when it's neglected. No, Pinot needs constant care and attention. You know? And in fact it can only grow in these really specific, little, tucked away corners of the world. And, and only the most patient and nurturing of growers can do it, really. Only somebody who really takes the time to understand Pinot's potential can then coax it into its fullest expression. Then, I mean, oh its flavors, they're just the most haunting and brilliant and thrilling and subtle and... ancient on the planet.

*** "L'homme n'est rien d'autre que son projet, il n'existe que dans la mesure où il se réalise, il n'est donc rien d'autre que l'ensemble de ses actes, rien d'autre que sa vie." (J.P.Sartre, L'Existentialisme est un humanisme , Nagel, p.55)

Desapercibidas

2011-01-29T14:01:00.000-08:00

Carlos Zaldívar
Las rolas de los años setenta.

Antes que empiecen mis dos lectores a leer estas líneas, tomen unos segundos y recuerden que es una lista de tantas, y que muy seguramente al final dirán:
“Pero… faltó ésta…”
“Pero… sobró ésta…”
“YO hubiera…”
Así que una vez consientes de la situación, lean, disfruten y al final, pues incluyan SU LISTA y la compartimos.

¿Por qué el título?
Recientemente me preguntaron cuáles eran mis 10 rolas de Rock de los años setenta. Y no es fácil hacerla.
Hace bastantes ayeres, en un aniversario de la hoy Recuperada Digitalmente estación de Radio ROCK 101, lanzaron la convocatoria para las 101 mejores rolas.
En primera instancia pensé: “Puta madre, ¿Y de dónde voy a sacar más de 100 rolas?
Y la sorpresa fue que al terminar la lista, la tarea se había convertido en QUITAR más de 300 rolas que me sobraban de la lista, y que finalmente quedaran 101.
Lo importante fue EL PLACER de hacer esa lista, participar y escuchar los comentarios de los amigos sobre la misma, al mismo tiempo que recibir otras listas con 101 rolas.
Eso sí, STAIRWAY TO HEAVEN siempre será la número uno.

A partir de ese momento, las listas han ido y venido. Que si la lista de los mejores guitarristas, bateristas, bajistas; Que si son del rock, pop, metal, death, grunge y bla bla bla.
Así que ésta es una más, pero en esta ocasión saqué aquella lista y depuré las rolas, hasta dejar unas 10, bueno… unas diez y 2 pilones donde la característica primordial es que no pasaron desapercibidas.
Son esas rolas que aunque no me guste la música por alguna u otra razón, tuvieron que haberse escuchado.
Son rolas que no deben faltar en cualquier colección de LP’s de un Rockero, y posiblemente existan en la colección de alguien que no lo sea y es por esta razón: Rolas que no pasaron desapercibidas.

Y lo más importante es que no lo fueron y que todas y cada una de ellas me recuerdan momentos de extrema nostalgia, de inolvidables momentos en la primaria principalmente.
¿En cuál? Pues en el CEL, y es que esa marca ya es un tatuaje en el alma. Los ahora Celenitas, disfrutamos volviendo a recordar esos momentos, a convivir con nuestros hermanos de la primaria, y escuchar y seguir escuchando esos hits inolvidables…
El CEL… como esa escuela ya no volverá a existir otra, y mucho menos a genera alumnos como nosotros.

En fin, aquí va la lista:
Las 10 mejores rolas de rock de los 60's y 70's

1.- Led Zeppelin - Stairway to Heaven - 1971
2.- The Rolling Stones – Gimme Shelter - 1969 *
2.5.- The Rolling Stones - Sympathy For The Devil – 1968 *
3.- David Bowie - Heroes - 1970
4.- Bod Dylan - Like A Rolling Stone – 1965 *
5.- John Lennon - Imagine - 1971
6.- Grand Funk Railroad - We Are An American Band -1973
7.- Jimi Hendrix - Purple Haze – 1967 *
8.- The Doors - Light My Fire – 1967 *
9.- Pink Floyd - The Great Gig In THe Sky - 1973
10.- The Hollies - Long Cool Woman In A Black Dress - 1972
Bonus.- Don McLean - American Pie - 1971
Extra Bonus.- Buddy Miles - Them Changes- 1970

* Las rolas de los sesenta posiblemente no marcaron esa década, pero sí la siguiente.

¿Cuál es tu lista?

ROGER WATERS EN MÉXICO

2010-12-18T05:49:00.000-08:00

Palacio de los Deportes
18 de diciembre 2010
Por: Jesús Garcia Favila

Every gun that is made,
Every warship launched
Every rocket fired,
Signifies
In the final sense
A theft
From those who hunger and are not fed
Those who are cold and are not clothed
Dwight D. Eisenhower

Una de las piezas clave del rock internacional se hizo presente en la ciudad, The Wall de Roger Waters. Disco original de Pink Floyd, banda inglesa en la que Waters fue integrante y líder

Han pasado más de 30 años desde que salió a la venta el disco homónimo y a pesar del tiempo, la vigencia temática y el replanteamiento visual que realizó Waters hacen de esta gira un trabajo admirable y a la vez reflexivo.

El rumbo que ha tomado la historia de la humanidad ha dado pie a que Roger Waters replantee un espectáculo visual en donde la guerra, la soledad, la depresión, la ira, el autoritarismo entre muchas otras cosas, no han dejado de existir. En el fondo, el mundo no ha cambiado, por eso The Wall tampoco ha cambiado.

Las luces se apagan y el alarido de la gente calla la voz local que daba indicaciones de que si no debes tomar fotos con flash, que si los lugares, que quién sabe qué más dijo. Todo mundo se levantó de sus asientos de un salto. Gritos. Aplausos.

La pantalla circular en el centro del escenario y las partes fragmentadas de un muro a punto de construirse se iluminaron de rojo sangre. In the flesh, canción inicial del disco doble que se publicó en 1979, hizo entender a las más de 17 mil voces que el espectáculo apenas comenzaba.

Luces, proyecciones en el muro y pantalla, sonido cuadrafónico, explosiones. Una producción que alcanza los 60 millones de dólares, que para ser en lugar cerrado, con fuegos artificiales y un muro gigante que sabemos que se va a caer, hacen de esta una producción segura para artistas y espectadores.

Escenas perdurables. El maestro de escuela – un inflable de más de 10 metro de altura – acribillado por el coro de niños que bailaba frente a él. El sentimiento de indefensión, nostalgia y abrumadora sobreprotección y control que nos brinda Mother (Big Mother is watching you). Las proyecciones en el muro en donde símbolos religiosos y de empresas transnacionales aparecen como bombas cayendo desde aviones que cubren el cielo, Goodbye Blue Sky. La rabia, adrenalina y depresión que brindaron Empty spaces, Young lust, One of my turns, Don’t leave me now fueron coreados por toda la audiencia mientras que poco a poco un muro gigante se edificaba.

Para cuando el muro se terminó de construir, y dar paso al intermedio del show, los presentes no dábamos crédito a lo que estábamos presenciando. Durante este tiempo aparecieron proyectadas fichas de identificación de activistas desaparecidos o fallecidos en las diversas guerras que han existido, personas desde Salvador Allende, Federico García Lorca y Gandhi.

Las luces se volvieron a apagar y las canciones como Hey You, Nobody Home y Vera hicieran a más de uno derramar una lágrima. Waters logró un estallido en Bring the boys back home al aparecer escenas y fotografías de las guerras que vive y ha vivido la humanidad. Casos como la guerra de Afganistán, el régimen talibán, la Guerra Civil Española, la liberación de India y varias provincias rusas entre muchas otras.

Los músicos detrás del muro. Roger Waters en el escenario cantando Comfortably Numb, mientras que la inmensa pared de 70 metros de largo poco a poco se retorcía formando una espiral donde al final se lograba ver un destello de luz.

“No es un concierto de Pink Floyd si no hay cerdos voladores”, y así lo fue. Fuegos artificiales, un jabalí volando por todo el Palacio, luces, disparos, estandartes y banderas con el logotipo de los martillos cruzados, era el momento de In the flesh y Run like Hell.

Waters quedó atónito al ver cómo los encendedores de todos los espectadores se encendían y se apagaban al tiempo de Waiting for the worms. “It is something that only happens here in Mexico” dijo al finalizar el concierto.

Las luces se apagaron, cae un muñeco de trapo al escenario, comienza la proyección de The Trial en ese muro donde aparecen las animaciones de la película The Wall de Alan Parker, remasterizadas y con partes agregadas. Waters canta y actúa los diálogos de los personajes que aparecen en escena. El maestro, la esposa, la madre, el fiscal y el juez, quién sentencia al protagonista a su más grande temor: estar con sus semejantes.

Tear down the wall! Tear down the wall! Tear down the wall!

Poco a poco, el muro se tambalea mientras imágenes, textos, colores, formas, siluetas son proyectadas tan rápido que parpadear lo haría perder a uno cualquier detalle.

Finalmente el muro cae. Enormes ladrillos colapsan. Humo, luces, aplausos, gritos, llanto. Las luces se encienden en un blanco esperanzador y la última canción del disco Outside the wall interpretada, frente al muro derrumbado, por todos los músicos de la banda de Roger Waters.

“Thank you very much México!” decía Waters mientras que los aplausos sólo demostraban que los agradecidos éramos nosotros.

Lamb of God

2010-10-12T08:32:00.000-07:00

Simplemente Lamb Of Fucking God
By: Ricardo González

“Cordero de dios, que quitas el pecado del mundo…
¡Dános, METAL!”

La espera duró un poco más de 7 meses cuando se corría el rumor de que Lamb of God se presentaría en México ¡por primera vez!
Semanas antes del evento compré los boletos con motivo del cumpleaños de mi hermano y días después se dio la noticia de que el evento llegó al SOLD OUT. Y no se diga más: a esperar el 5 de octubre.
El martes llegamos a buena hora al Circo Volador, entramos y nos encontramos con un recinto lleno, esa imagen siempre estará en mis recuerdos; una banda llenando ese espacio es impresionante. En el fondo del escenario una bandera con la leyenda “Pure American Metal” junto con una barrera de amplificadores, y con esto la emoción era más y más. En punto de las ocho de la noche, una banda mexicana de teloneros llamada Sickness salta al escenario, y aunque a muchos no les dio importancia, tocaron bien.
Y en punto de las nueve de la noche, sale la banda estadounidense LAMB OF GOD (aunque no venían con la alineación original pues les faltaba el gran guitarrista Mark Morton), acompañados por el guitarrista de “Between the Buried and Me”, Paul Waggoner. Éste hizo un excelente trabajo apoyando a la banda.
Y que mejor manera de empezar la velada con el Intro “The Passing” para seguir con “In Your Words” y con ésta, el público enloquecía poco a poco. Sólo veíamos como las personas eran proyectadas al escenario como misiles, los puños eran armas incontrolables, y nunca dejamos de corear las canciones de principio a fin.
La actitud siempre se mantuvo muy buena hacia el público, incluso hicieron una muy buena improvisación del grito México (Clap 4x) México (Clap 4x) http://www.youtube.com/watch?v=Y8JndEBlqt0
Luego llega “Now You’ve Got Something To Die For” ¡y no se diga más! el público entregando su alma y queriendo más… y ese más se llamaba “Wall Of Death”; pero no llegaba. Y se hacía esperar más y más hasta que empiezan con “Descending” y se hace un “Wall Of Death”. Con esto el público enloquece aún más y se entrega totalmente a lo que fue una noche inolvidable.
Para empezar la despedida se arrancan con una de las más conocidas de esta banda “Laid To Rest” y con esta canción la noche estaba completamente llena, pero todavía existía la pregunta ¿Acaso puede mejorar? Y Randy Blythe nos enseñó que sí se podía mejorar y ¡cómo no hacerlo con “Omerta”! (La cual para mi hermano fueron sus mañanitas especialmente dedicadas) y para entrar al encore, qué mejor canción que “Vigil” con un sonido espectacular en la guitarra. Terminando el público pedía a gritos “Redneck” hasta que fueron cumplidas nuestras peticiones y hasta este punto había entregado mi alma y cuerpo a esta banda estadounidense que a pesar de ser su primera vez en México fueron muy bien recibidos y aceptados, pero mi mente decía que había tiempo para volver y esa noche fue una de las mejores del año; y por supuesto que así fue: “Black Label” retumbó en el recinto, y qué mejor canción para terminar con lo que ya era una velada inolvidable. Siempre será recordado como uno de los mejores conciertos del año.
Y no está demás mencionar que el sonido fue espectacular, además de una batería súper potente todo el concierto y no sólo por la calidad del sonido sino por el temperamento del baterista Chris Adler; las guitarras no resaltaron mucho pero cuando lo hicieron, lo hicieron con una técnica impresionante y asombrosa al igual que el bajo; y Randy Blythe caminando por un escenario majestuoso interactuando con el público.
Y así es como pasamos por una noche inmortal.
Y quiero aprovechar para dar un agradecimiento especial para quien ha sido mi guía y mi apoyo en todo momento: ¡Gracias Papá!

KISS: The Hottest Show On Earth Tour 2010

2010-10-01T12:42:00.000-07:00

KISS
Mexico, Rock City!
Ciudad de México, 2010… nuevamente.
Por Carlos Zaldívar
CHISS – Simón Simonazo
¡Cómo olvidar esos fanzines! Hicieron historia y son de colección.

“El Infierno del Rock” fue el título de la película que KISS filmó y fue todo un fiasco, y fui a verla al cine Satélite 70. El título original es: “KISS Meets The Phantom of the Park” de 1978. Fue la primera vez que pude ver a Gene, Paul, Ace y Peter en película. Siempre había sido en la imaginación, revistas y en las portadas de los disco.
– Que fregón sería verlos en vivo – Pensaba. ¿Se imaginan esta expresión a los finales de los setenta?

Hoy, hay quienes critican al grupo como Glam Metal, como que ya pasaron de moda, como nuevos y fuera de contexto.
Son comentarios válidos pero que finalmente a mí, me vienen valiendo un soberano cacahuate.
Es una de las bandas más grandes del planeta con el mejor espectáculo en el escenario: “The Hottest Show on Earth”. Los he visto crecer, desde su primer disco del ’74 donde aparecen los 4 “jovencitos” maquillados y rondando los 25 años de edad. Apareció el “Hotter Than Hell” y “Dressed to Kill” al siguiente año. Nosotros, niños de primaria, ya alucinábamos con pintarnos de “Spaceman”, “Demon”, “Cat” o “Starchild”. Ellos también han visto crecer a sus fans, de esto no hay duda.
Llegó el año de 1983 junto con la noticia de que… el maquillaje: desaparecía.
¡Shit! ¿Cómo que desaparecía? Eso significaba que ya no habría más KISS. Y de hecho fue un indicador importante, pues la banda llegó a vender mucho más en “souvenirs” que en “álbumes”. Quien tenía algo original con las imágenes de los 4 miembros (ó 6 tomando en cuenta a “Fox” de Eric Carr, qepd; y a “Ankh Warrior” de Vinnie) era grandioso, pues no era fácil conseguir toda esa parafernalia. De hecho, el álbum “Dynasty” lo conseguí “de contrabando”, así como otros.

En algún viaje al país del norte, me topé con el vecino de un buen amigo. Me preguntó que si en realidad me gustaba el Rock (¿Acaso hay algo más que escuchar?) y la respuesta fue inmediata. Entro a su casa y sacó un LP y me lo regaló. Creo que a él no le gustaba o su mamá se lo había prohibido, pero… por fin, tuve en mis manos el “Alive II”, que a la fecha lo he tocado 2 veces. ¡Qué discazo! Este álbum pasó a satanizar y ennegrecer las mentes y almas de todas las mamás y abuelitas, incluyendo a la mías. Es un álbum que no debe faltar en la colección de cualquier rockero, un álbum cuyas fotos nos trasladaron a la imaginación. Se lanzó en 1977, posterior al “Alive I” del ’75.
Hoy, con la tecnología en mano, esa experiencia ya casi no existe; pero sí la vivimos varios.

Con “Lick it Up” la banda aparece ya sin maquillaje y el primer hit es la rola homónima que les cosechó un disco de oro. Y la música siguió, y a decir verdad y en lo personal, se consolidó, pues dejaron a un lado todo el espectáculo. Ah, pero un detalle: el público ya no era el mismo. Según recuerdo ya en la preparatoria, había compañeros míos y de otras generaciones que apenas conocía a KISS, un grupo normal (sin pintar) y con “buena música”. ¡Caray! ¿Dónde habitaban estos muchachos?
Los mismos fans a nivel mundial pedíamos los hits, el show y toda la majestuosidad de KISS.

Siguieron otros 5 álbumes después del “Lick it Up”: “Animalize”, “Asylum”, “Crazy Nights”, “Hot in the Shade” y “Revenge” y se anunció la tan esperada Reunión con Peter Criss y Ace Frehley, y obvio: el maquillaje y la parafernalia. ¡De poquísima madre! ¡Estupendo!
Y ahí estuvimos en el Palacio de los Deportes para darles la bienvenida nuevamente al país y con los originales.

Hablar de KISS es hablar de tradición, esencia, espectáculo, música, fuego y arte; pero sobre todo, de ROCK. Así de simple, Rock, sin variaciones ni clasificaciones.

Con vaivenes la banda se mantiene y para el año 2000 se anuncia la gira de la despedida, “The Farewell Tour”. Y como lo he dicho siempre, esto no existe porque el Rock se lleva en la sangre, es una forma de vida y si realmente te retiras, mueres. Y para muestra hay varios botones.

Y el mejor de los conciertos al que he asistido de esta espectacular banda fue en el 2000 en Hamilton, Canadá, precisamente en el “Copps Coliseum” el 23 de septiembre. Un concierto del primer mundo en el primer mundo: 21 éxitos del setlist, uno tras otro… majestuoso, espectacular y con un sonido perfecto.
Por cierto, aquí disfrutamos a Skid Row con Sebastian Bach tan potente como en los primeros años. ¡Thumbs UP!

Anteriormente estuvieron en la gira del Psycho Circus y vinieron al Foro Sol con un show espectacular y en 3D, aunque no llegó al 10 de calificación.
Pero ayer, señoras y señores, KISS redimió aquel pecado del Foro Sol, y más aún porque lo disfruté a tan sólo unos metros frente al cuarteto en el escenario. Ahí mismo, donde se “siente” todo el poder musical y la alma retumba como percusiones que toca el mismísimo diablo.

Ayer, fue un concierto de 10. Y quienes insistan en que “no fui porque ya los vi”, o porque “ya pasaron de moda” o simplemente con el “chin… es que ya compré para…”; dejen les digo que se perdieron de una experiencia inolvidable, totalmente en otro ámbito emocional, pues con cada rola me transportaba a su respectiva época además de los momentos cautivadores como Gene blasfemando con sangre escurriendo, Eric subiendo y bajando en la plataforma colgante y deleitándonos con semejantes baquetazos, Tommy y Gene en sus respectivas plataformas hidráulicas y Paul… bueno, Paul en pleno goce del escenario como dueño que es, además que para “I Was Made For Loving You” se colgó en un pedestal y “voló” desde el escenario hasta el centro del Domo de Cobre, precisamente a menos de 2 metros donde yo estaba, así que a no más de 40 cms. que pasó por la cabeza de quienes estábamos ahí. ¡Fenomenal!

Increíble que ya los cuatro ronden los 60 años de edad y sigan tan emotivos, fuertes, animosos, sensibles y rockeros. Van para 40 años de vivir y hacer Rock para el mundo y ya son leyenda, historia y un ícono motivador para miles de bandas, entre ellas “Dynasty” del Estado de México.

Terminaron con “Detroit Rock City” y vino el encore, fastuoso e imponente. Y el gran final fue una batalla entre juegos pirotécnicos, imágenes de la banda, lluvia de papeles y para cerrar con broche de oro, Paul partió en 2 su guitarra en un estrepitoso golpe contra el piso.

Y así fue, mis estimados dos lectores, que vivimos una experiencia más de, ¿Knights In Satan’s Service?, ¿Keep It Simple, Stupid?, ¿Kids in Satan’s Service?... Mmmm, de cualquier manera KISS siempre será KISS.

Estas humildes palabras van con un afectuoso saludo y un fuerte abrazo a mi “brother” Alex López de quien estuvo a cargo mi boleto de entrada.
Otro más para mi gran alumno y amigo, “El Wacha” con quien compartimos “pista”.

El setlist fue:
Modern Day Delilah
Cold Gin
Let Me Go, Rock 'N' Roll
Firehouse (Gene escupe fuego con espada en mano)
Say Yeah
Deuce
Crazy Crazy Nights
Calling Dr. Love
Shock Me (con solo de Tommy y Eric)
I'm An Animal
100,000 Years
I Love It Loud (donde Gene vuela y escupe sangre)
Love Gun
Black Diamond, y terminaron con:
Detroit Rock City
Y llegó el Encore:

Beth (con guitarras acústicas)
Lick It Up
Shout It Out Loud
I Was Made For Lovin' You y
God gave Rock & Roll to you...

Scorpions... Farewell Tour 2010

2010-09-08T16:50:00.000-07:00

Scorpions
El último piquete a la Ciudad de México. ¿Será?
Por Carlos Zaldívar

A Miguel Ramos, porque en nuestra infancia prometimos
conseguir todos los LP’s de Scorpions… y cumplí.

¡Puta Madre! El “Taken by Force” no se editó en Estados Unidos. Entonces fue mi reto: conseguirlo. El LP fue imposible, pero finalmente obtuve hace ya varios años el CD alemán.
Desde la primaria, Scorpions ya formaba parte de mi discografía y en nuestras reuniones clandestinas para “grabar” música en cintas, la lista seguía creciendo.
Scorpions es ya una leyenda en el hard rock teutón, y por supuesto a nivel mundial.
Eso sí, he conseguido “Lonesome Crow”, “Fly to the Rainbow” y otros LP’s con portadas censuradas a lo largo del tiempo. Una banda que va a cumplir poco más de 45 años de haberse fundado.
Su creador: Rudolf Schenker.

Con 22 álbumes y decenas de sencillos, compilaciones tributos y demás cd’s piratas, Scorpions ha sido un ícono representativo del Rock alemán.
Su historia ya es de conocimiento de todos.
Scorpions formó parte de mi época de la primaria y secundaria principalmente, donde las calcomanías y revistas tapizaban mi portafolio y gran parte de mi cuarto en casa.
Scorpions será por siempre una leyenda, de hecho duda que realmente ésta sea la “Gira de la Despedida”. El Rock se lleva en la sangre y si realmente se van a retirar, la muerte los acechará.
Espero que dentro de algunos años escuchemos a “Scorpions: The Reunion” y no sería para menos. El Rock es una forma de vida, no es ni un hobby y mucho menos un trabajo.
Por esta banda han pasado grandísimos músicos entre los que destacan Michael Schenker, Uli “Jon” Roth y actualmente James Kotak.

Cuando vinieron por primera vez a la Ciudad de México, hicimos larguísimas colas en uno de los pocos centros Ticketmaster, allá por Tlalpan. Y ahí estuvimos, en el mismísimo Palacio de los deportes, en el año de 1994. Fue 23 de marzo.
Aquel line-up ha sido uno de los más sólidos y para mi gusto, el más fuerte: Francis Buchholz, Herman Rarebell, Klaus Meine, Matthias Jabs y Rudolf Schenker.
Su historial ya es enorme, pues dieron pauta al abrir puertas para tocar en Europa del Este y en tener de las mejores interpretaciones junto con Orquesta.

Cómo olvidar esos conciertos del ’88 en Leningrado que quedaron plasmados en un documental sobre Rock en Rusia, al lado de AC/DC.
Pues las anécdotas y experiencias han sido vastas, Scorpions forma parte de la vida de muchas personas y más aún si son de la generación que vio crecer a Scorpions, de quienes hemos constatado el avance en la edad y en la madurez musical de estos integrantes y en ser testigos de las decenas de rolas que han significado momentos importantes en nuestras vidas: Holiday, No One Like You, Always Somewhere, Blackout, Can’t Live Without You, Still Loving You y muchas, pero muchas otras más.

Alguna vez fui invitado a una secundaria a participar en su semana cultural. El tema: Las portadas censuradas de Scorpions. Y es que la censura nunca se va a terminar, y hoy en día lo que prevalece es la autocensura.
Inolvidables las portadas del Virgin Killer, Lovedrive, In Trance y las grandiosas “nalgas” en las compilaciones de “The Best of…”.
Obvio, que en aquella ocasión, las autoridades pensaron censurarme, pero el alboroto de que llevaba los LP’s originales y la insistencia de uno de los organizadores, pude terminarla.

Después de haber lanzado su último álbum, Sting in the Tail, Rudolf y compañía anuncian la Gira de la Despedida, bajo el nombre de “GET YOUR STING AND BLACKOUT WORLD TOUR 2010” con el que se retirarán y posiblemente se dediquen a aburrirse, lavar platos y a “salir a tirar la basura” (Syd Barret, 2006, qepd.)
Así que prestos, nos enlistamos en Ticketmaster para ser testigos de este adiós, o un posible hasta luego de la banda alemana.
El Palacio de los Deportes, la noche del 7 de septiembre lució “hasta su madre” con miles de feligreses que rendimos tributo al Rock, y de aplausos, gritos y alabanzas en agradecimiento a una de las bandas que también nos vio crecer.
Un agradecimiento a Scorpions, porque seguramente tendrán que retornar en pocos años.

Anoche presentaron el mejor de sus setlists para despedirse. En punto de las 8:45 pm se apagaron las luces y se lanzaron con “Sting In The Tail” para abrir boca y empezar a quemar las buenas.
Siguieron con “Make It Real” y la maravillosa “Bad Boys Running Wild”, inolvidable rola que la transmitieron en aquella estación felina de nombre “La Pantera”.
Un breve lapso, a oscuras y repentinamente las cuerdas de Matthias iniciando “The Zoo”, impresionante sagacidad tras esa guitarra.
Vino la instrumental “Coast to Coast” que de hecho ha aparecido pocas veces en sus conciertos.
“Loving You Sunday Morning” y “The Best Is Yet To Come” le siguieron a la instrumental y los aplausos eran interminables.
Ha sido uno de esos conciertos en que se siente el final cercano y las plegarias al diablo o a quien sea, para que sea un concierto eterno, aparecen.
Llegó la balada que pegó mucho, “Wind Of Change” que en lo personal rompe con el esquema del hard rock de los teutones y para mí deja mucho que desear.
Llegó “Holiday” y aquí sí, de pie y rendir honores a quien con esa rola nos marcó en muchos aspectos. Llegaron “Raised On Rock”, “Tease Me, Please Me” y “Dynamite” para que luego el extraordinario James Kotak nos deleitara con un solo de batería y percusiones de larga duración, acompañado visualmente por las portadas de los álbumes de Scorpions.
Sonaron, bajo la oscuridad, los decibeles de “Blackout” y todos al unísono: - “¡Blackout! ¡Blackout!”…
Después un solo del Sr. Jabs con sus cuerdas ensordecedores que fueron la introducción para “Big City Nights” donde Klaus se despidió y agradeció a los fieles mexicanos.
Ensordecedores los gritos por más y más hard rock.
Era hora del encore y cerraron con broche de oro al presentar “Still Loving You”, “No One Like You” y “Rock You Like A Hurricane”.

Extraordinario el ambiente de despedida a Scorpions. Inolvidable noche en la que testificamos el fin de poco más de cuatro décadas y de un legado que perdurará por siempre.
Las nuevas generaciones seguirán nuestros pasos. Y por eso quiero plasmar en estas líneas, el impulso que han tenido mis hijos, y ahora uno de mis sobrinos. Carlos y Rick (quien fue uno de los grandes ausentes) y a Iván quien ya inició el camino por el sendero del bien… el Rock.
Un saludo fraternal a mis primos Hugo y Alejandro y otro especial con llamada de atención a los grandes ausentes: Jorge, Donaciano, Memo, Mauricio, Miguel y “El Peto”.

Vicen... (perdón), "BICENTENARIO"

2010-08-23T18:40:00.000-07:00

Aleks Syntek y Jaime López
Por Carlos Zaldívar

El, ya de por sí choteado, evento “bicentenario” es absurdo. Totalmente de acuerdo con Indjeian. ¿Absurdo? Pues de alguna u otra manera que se vea este Centenario y Bicentenario, llegamos a lo mismo: Absurdo.
¿Sí se puede?
¿Hagan Sandwich?
¿En qué momento decidieron este festejo? No importa el momento, lo que SÍ importa es que se va a festejar.
¿200 años de ser mexicano independiente?
En fin, podría llenar de falacias y preguntas estúpidas pero bien dirigidas a la mayoría del pueblo. México NO es un país ignorante ni tercermundista. Su población SÍ.
¿Pero cuánta población?

No soy buen escritor, y a mis únicos 2 lectores les presentó unas simples preguntas esperando que las lean, las comprendan, las puedan llevar al pasado y visualizar en una planeación futura.

1.- ¿El “mexicano” sabrá exactamente de qué celebramos el centenario y de qué el bicentenario? En esta encuesta, el encuestado siempre duda.

2.- ¿De qué o de quién celebramos la “independencia”? ¿Por qué celebramos y se festeja en las escuelas “la conquista de México”? Y, ¿Qué se obtuvo de ganancia de tal conquista?
¿Nos independizamos de los españoles? Por lo menos en el Estado de México, NO. Se contrató una empresa española para que construyera un “viaducto elevado”, pero no para todos los mexiquenses, sino únicamente para el 5% de ellos. ¿Discriminación?
¿Y nuestros impuestos? ¿Qué no todos tenemos los mismos derechos a transitar libremente?

3.- ¿Acaso ya nos independizamos de los Estados Unidos de América?
Si recuerdan los billetes, nuestros billetes (dinero mexicano) tenían al calce una leyenda: “Bank of America”.
Llegó un nuevo sexenio, nos independizamos económicamente, la banca pasó a ser propiedad del gobierno, ¿lavarían dinero? Y finalmente se pusieron otra vez a la venta.
Curiosamente los compradores fueron entre ellos mismos.
Hoy, el país es un juego. Son 26 jugadores quienes juegan “Monopoly” con el país. (Por cierto que la Iglesia Católica está formada para entrar a este juego)

4.- Todo México está con la Selección. Semejante aberración es inaceptable. Cuando en el mundial anterior, al “imbécil” (no encuentro otro adjetivo) de un locutor de Televisa afirmó, que “quien no haya llorado con la derrota de la selección mexicana no es mexicano”, la comunidad intelectual y mucha, pero mucha gente se le fueron encima a los medios.
La nota fue comentada por Enrique Canales, en Reforma. En esa sección, al día siguiente, el autor se disculpó, ya que fuimos muchas personas que no estamos, ni estaremos de acuerdo con aquella afirmación.
Que los medios ÚNICAMENTE se enfoquen a un 15% o a un 20% de la población y que hagan aparentar que ese porcentaje es Todo México, que me perdonen, pero que gran falacia.
¿Hay algo que festejarles a esos jugadores?
En las propuestas de Iniciativa México, hubo quien mandó la “replanteación del fútbol mexicano”. ¿Acaso con esta propuesta el país podrá migara al primer mundo?
¡Qué curioso! pero yo fui uno de los primeros en participar en esta iniciativa.
Después de un breve lapso mi iniciativa “desapareció”. Caso cerrado.

5.- El gobierno federal continuamente nos bombardea con el “crecimiento del empleo”. ¡Qué bueno que haya nuevos empleos! Según cifras del IMSS, éstos han incrementándose.
Pero, ¿Por qué no publican los desempleos?
Precisamente este fin de semana un gran amigo fue liquidado, y la semana anterior sucedió lo mismo con otro.
El IMSS también tiene estos registros.
El empleo en el país es un Saldo final, que se obtiene de restar las bajas de las altas en los mismos. Simples matemáticas y sentido común.
¿Cifras reales? No quisiera saber, pero me lo imagino.
Pero de que hay empleos, los hay. ¿Pero a que salarios? ¿Suficientes para abastecer a una familia modesta, de por lo menos la canasta básica?
Por cierto, la canasta básica y sus precios giran alrededor y dependen de los movimientos en la bolsa de valores. ¿Acaso los Estados Unidos tienen algo que ver?

6.- La religión y sectas están al igual que el fútbol.

7.- ¿La música? Pues igualmente que la religión y el fútbol. Los medios los han inflado tanto que ahora parecen Símbolos Patrios.
¿Dónde está la laicidad en las escuelas? ¿Dónde quedó la clase de música que antes era parte de la Curricula académica de primarias, secundarias y preparatorias? YO sí llevé esa materia.
¿Por qué Alex y Jaime fueron los encargados de esta sonorización para tan “absurdo” evento?
¿En dónde quedaron los verdaderos autores, compositores y músicos mexicanos?
¿Acaso Lujambio buscó la “globalización” o “internacionalización” para esta música?
“El Futuro es Milenario”. ¡Qué Barbaridad!

8.- En el colegio donde laboro, hace algunos años invitamos a Aleks Syntek a tocar y tuvimos la fortuna de contar con su presencia. Un joven humilde y muy buen músico.
Hoy, recuerdo con melancolía a aquel gran músico, distante de lo hoy es, en lo que lo han convertido.
“Nacidos para cantar”, “Nacidos para bailar”… Shala-lala-lala.

9.- Muchos pero muchos padres de familia y personajes del “gobierno federal” se preguntan: ¿Qué clase de sociedad estaremos heredando a nuestros hijos?
Por favor, queridos 2 lectores… DEBEMOS preguntarnos, ¿QUÉ TIPO DE HIJOS ESTAREMOS HEREDANDO A NUESTRO PAÍS?
Impunidad, Prepotencia, Mala repartición de la riqueza (Desigualdad Económica): Estas serán nuestras herencias.
La historia tiene documentado que desde hace poco más de 500 años, en el zócalo capitalino ya se vendían artículos “robados” y/o de segundo uso (para que no escuche mal), y… ¿Quién se preocupó por combatir ese mal?

10.- La solución a todos los problemas, pero absolutamente a todos cabe en una sola palabra: EDUCACIÓN. Obviamente una muy buena educación.
Pero como dice el refrán, “Si pagas 5 pesos por educación, los mismos recibes de educación”. Sin palabras.

11.- Aún no es hora de concluir este tema, porque ya habrá más material, pero si concluir este pequeño articulillo.
¿Hasta cuándo vamos a ser verdaderamente independientes? ¿Hasta cuándo seguirá México jugándose el futuro en el “Club Bilderberg”?
¿Llegará el “amero” a circular en el país? ¿Significaría más independencia o más dependencia?

Al igual que Indjeian, lo único que nos queda, es hacer nuestra gran tarea de mexicanos y seguir echándole ganas para mejora al país, es seguir cooperando con nuestro grano de arroz y provocar el efecto dominó, aunque éste tarde en producirse 5 mil años: No tirar basura, respetar las señalizaciones, ser tolerante con los demás ciudadanos… etc.
Por eso mi labor docente: inculcar a mis alumnos las buenas maneras para tener un mejor país, enseñarles lo mejor de México y que valoren, comparen y trabajen por este México que bien vale la pena...

Y mil bla bla bla… ¡ah, no! Es Shala-lala-lala.

¿Mi centenario? ¡Mis polainas, que!

R.I.P. Bull Pool

2010-08-04T16:17:00.000-07:00

¡ Puta Madre !
Como el Bull POOL ninguno otro lugar existirá.
Tranquilo, Poca Madre, Familiar, Billar, Súper Económico, Excelente MÚSICA y sobre todo: el ambiente demasiado SANO.
Las bandas excelentes... de primer mundo.
La última vez que fui, no sabía del cambio (Y FUE LA ÚLTIMA) casi me da un infarto al escuchar a "capasdelacierra" (así, peyorativamente) y más karaoke idiota...
Ni pex.
Al Buen Bull POOL y los anfitriones: Mil gracias por los momentos de poca madre.
Los extrañaremos horrores.

No menciono a los grupos que vi y conocí allí, porque no terminaría.
Pero tampoco quiero pasar por desapercibido a los 2 grandes que aún sigo, grandes en todos el sentido de la palabra.
TREN MONTEALTO: http://www.myspace.com/montetren

y por supuesto la SÚPER BANDA DEL BRUTAL THRASH METAL a nivel mundial :

¡ W R E C K E R !

http://www.myspace.com/wreckerbrutalthrashmetal

Porque el Bull era mi refugio y mi confidente...
Shit!

RONNIE JAMES DIO

2010-05-16T12:28:00.001-07:00

Apenas hoy, mayo 16 de 2010 se fue un gran maestro, genio, líder, compositor, intérprete: Ronnie James Dio.
No merece un minuto de silencio, merece todo un día. Un año de luto. Merece un homenaje universal.
Dio ha sido y seguirá siendo una INFLUENCIA para miles de seguidores y músicos aún.
Dio seguirá VIVO en nuestros corazones.

¡Larga Vida al REY!

Te extrañaré, mi amigo.

Lo vi 4 veces en México.
Platiqué una vez con Él.
Siempre te recordaré...

The Arkitecht

2010-04-25T23:11:00.000-07:00

THE ARKITECHT

HYPERSTRUCTURE

Por Carlos Zaldívar

“Light and Darkness always have been one.”

Hyperstructure

Hace mucho tiempo, mucho tiempo… recibí el CD de The Arkitecht.

¿Cómo inició todo? Por una recomendación y llegué a www.myspace.com/thearkitecht y la primera impresión fue la imagen del myspace del “primer mundo”, lo cual no es común en bandas nacionales o en música de “altura”, “primer nivel”… sin importar el género.

Me fui a las influencias de esta “one-man band” y con ver en la lista a grandes agrupaciones de la talla de “Porcupine Tree”, “Dream Theater”, “Pain of Salvation”, Symphony – X”, “Andromeda”, “Pink Floyd”, “Opeth, y “Pantera” entre otros.

¡Qué más influencias! Si con éstas provocó demasiado el deseo por escuchar el álbum.

Curiosamente venían algunas influencias cinematográficas con las que me identifiqué de inmediato: John Williams (Star Wars), Don Davis (Matrix), y Nobuo Uematsu (Final Fantasy) entre otros. ¡Qué películas!

Además, también fans del documental “Zeitgeist” (www.zeitgeistmovie.com), y posteriormente Addendum.

Y así fue. Me puse en contacto con The Arkitecht y en un santiamén llegó el CD a mi casa.

¿Dónde surgió The Arkitecht?

Empecé a echar un vistazo al booklet de Hyperstructure y seguramente era producción y creación de noruegos, daneses, finlandeses, alemanes, suecos… pero bueno, mientras leía, el disco iniciaba su reproducción a nivel medio en el equipo modular.

¡Increíble!

“Blackout” iniciaba con 4 segundos de silencio y 9 segundos de voces susurrando hasta los primeros acordes de las cuerdas, en el segundo 14… “As I wake silence…” y de repente, después de los 50 segundos, entra una bataca poquísima madre y las voces aumentan de nivel y potencia… Me volví a parar, pausa: Nivel Máximo del volumen, bocinas reacomodadas y “play again”… “play it loud” como dirían los de Saxon.

Y así fue…

No apenas llevaba casi 1 minuto de haber iniciado semejante viaje a lo que serían los niveles máximos del metal, cuando tuve que reiniciar lo poco que llevaba del álbum.

Las ventanas cimbrándose con decibeles desgarradores, mis venas tronaban de igual forma y al compás de la voz.

Blackout terminó en tan sólo cuatro minutos con once segundos y la duda sobre el nivel de las demás rolas.

(Ya había dejado de leer el booklet)

Repentinamente inició “The 20th Century Feast and the Millenium Hangover” y lo mismo: “Que voz tan potente tiene este tipo”.

Pensé: “Pinches nórdicos, son geniales… Metal de primer nivel, as usual”. En la segunda mitad de esta rola se escuchan unos riffs geniales… ¡Que cuerdas, señores! Termina con unos teclados desvaneciéndose.

“Through the Broken Glass” llegó, continuando con The 20^th Century…” y unos teclados que la presentaron, para mi gusto, como la mejor rola del álbum. Bueno todas están excelentes, pero ésta tiene una décima más de calificación…

La voz inicia fuerte y potente durante minuto y medio, para luego cambiar a estable, formal y al unísono de la batería. Después de los dos minutos de esta rola, se deja venir un festín de instrumentos y voz: “Come, forget, dream on, follow the line…”

La sincronización de los instrumentos, los arreglos, las cuerdas… ¡las percusiones!

¡Exorbitante! Y así durante poco más de 4 minutos para dejar el turno a “Elation”…

¡Ah!, pero, ¿Por qué demonios tardé en terminar estas líneas, después de haber recibido el cd?

Ni la más remota idea. WTF!

Pero después de esta rola tuve que hacer una pausa y regresarla.

Disfrutarla con mayor detenimiento, terminar de leer el booklet y navegar por todo el myspace de The Arkitecht.

¡A ver señores, más despacio!

Quien me vendió el cd, ¿No era sólo el vendedor? ¿Cómo chingados es que el myspace dice México, y en realidad, la banda es de México?

¿Es producción nacional?

¡Barájenla más despacio! Mi mente no podía concebir semejante definición de The Arkitecht.

“Through the Broken Glass” de fondo y repitiéndose varias veces para poder digerir bien este impacto emocional que ya tiene algunos años que no sucedía.

Bandas de metal mexicanas y de primer nivel con este tipo de producción… son escasas y con los dedos de una mano se cuentan y sobran dedos.

Posiblemente no conozca mucho y no me haya percatado de otras bandas del nivel, pero trato de estar siempre inmerso y conectado con el medio.

Esto me recuerda cuando Raúl Greñas se fue a Londres a estudiar música y al regreso forma “Luzbel” con el extraordinario Arturo Huizar… pero ésta es otra historia.

Volviendo… ¿Cómo que Genaro Ochoa es The Arkitecht? Por supuesto que SÍ.

Genaro es el one-man band y es el genio creativo musical de esta súper banda.

Así dejé que corriera “Through…” y dio continuidad a “Elation”, y es que al iniciar esta rola lo hace con todos los instrumentos al máximo. Y hasta los 30 segundos entra la voz, y la sincronía para “That limit my imagination, My feelings of Elation”. ¡Extasiado!, todo un júbilo escuchar estas rolas, y apenas es la cuarta. A los 3 minutos y medios, ¡puta madre! ¡Qué guitarras, qué cuerdas! Fantásticas. Y así se cumplieron los 4 minutos y 22 segundos, con un final de teclados desvaneciéndose de entre éxtasis del oyente cautivo a la desesperación de cual vil alcohólico esperando el segundo trago.

¿La alineación? Pues igual del primer mundo:

Genaro Ochoa – Música, composición, concepto, guitarras rítmicas, teclados, orquesta, solos de guitarra y programación de bajo y batería.

Dante Díaz – Vocales.

Álvaro Lamadrid – Vocales.

Lila Nieto – Letras y concepto.

César Huesca – Solos de guitarra.

Iván López y Andrés González – Consultores de percusiones

También en vivo cuenta con:

Armando Thamez – Bajo.

Rodrigo Uribe – Batería.

Sobre el arte del álbum y booklet… aguanten mis queridos 2 lectores.

Regresando y ya impresionado de esta banda nacional, y cantando en inglés (como lo marca la religión del metal) me volví a sentar, a corroborar el máximo nivel del equipo modular y a regresar el track 3 para continuar hasta el final.

La pantalla marcaba el inicio del track 4, “Elation” nuevamente, así que… a explotar interiormente y salpicar a todos los órganos internos del valioso líquido rojo, saturar los huecos de adrenalina pura y convertirme en fiel devoto de este metal, experimental en cierto sentido y afirmar que en este país SÍ hay talento.

Es más, al repetir semejante álbum, las rolas 2, 3 y 4 van unidas. De esta manera los pocos más de 14 minutos se convierten en un homenaje a esta obra maestra de nombre “Hyperstructure”.

El quinto track llegó, de nombre “Children of The Gods”. Más rápido desde el inicio, cambio de voces contínuos y de las letras, ¡ni se diga!

Siempre he afirmado que para poder escribir de esta manera, al igual que otras grandes bandas, el autor debe tener un gran intelecto cultural y musical, y por costumbre el hábito de la lectura sin parar. El nivel y acrecentamiento de este tipo de “saber”, de “intelecto” es el que provoca el nivel para escribir, nos da material para saber hacerlo y más que nada, otorga el poder de “plasmar las ideas” y transportarlas al “fan”. Por esto es que hay fans y no “acarreados” como lo hacen hoy en día las 2 televisoras principales del país.

Regresando al álbum…

Terminando con “Children of the Gods” que tan sólo duró 7 minutos y 46 segundos, terminando también con el desvanecimiento de los teclados, se une con la canción homónima del álbum: “Hyperstructure”:

“A new strength will arise from the crevices of broken eyes,

And if tomorrow’s vague, trust the spirit in your brow.”

¡Qué profundidad y filosofía de ésta y de todas las rolas! Se constata el nivel intelectual del autor (muy joven, por cierto).

“Hyperstructure” es una rola de casi 6 minutos y medio, donde las vocales también hacen lo suyo, combinan niveles y suavizan al alma, como todo el álbum.

“Hyperstructure” da nombre a esta creación de Genaro. “Hyperstructure” es el comprobante de que en este país (de por sí ya mutilado infinidad de veces) aún existe esperanza, fe y comunión de una religión (y que ésta si existe y es palpable) para comulgar por el acrecentamiento de cultura y beneficio para sus seguidores. Esta música es una religión, es una forma de vida, es… sin duda el legado para futuras generaciones para que puedan valorar lo que tendrán en un futuro muy, pero muy cercano, y que muy posiblemente los fieles seguirán creciendo.

La última rola se acerca. Tan sólo vi la duración y el de su contenido y quedé estupefacto (por no decir “pendejo”) esperé el inicio de este track…

Segundo a segundo observé el display del “stereo” cuando marcaba “Track 6 – 6:26” y cambiaba a “Track 7 – 0:00”…

Las voces iniciaban el track. Noticias de algún asesino, miles de muertos, algún criminal suelto, asesino serial. Los teclados inician a los 30 segundos.

“Face Thief” estaba iniciando… Voces simulando cánticos al minuto con 15 segundos y como una sacra misa, a los 2 minutos los teclados y las voces casi 20 segundos después.

Esta larga rola se divide en 9 partes:

- Prologue

- Lazarus’ Comeback

- The Riddle

- Bonds with The Past

- Vanity’s Departure

- Crimson Pain

- The Hunt for Lazarus

- Mind Unfolded

- Recognition

Esta rola es la cereza del pastel, de la obra maestro y genialidad de Genaro Ochoa. Es la comprobación del porqué de las influencias del Metal – Progresivo con bandas del calibre que ya mencioné antes.

Los altibajos en las cuerdas, los cambios en las percusiones, las combinaciones de las vocales a su debido tiempo, los teclados de fondo a veces y otras acompañando a sus demás compañeros. “Face Thief” es una oda al metal, de apenas 32 minutos con 16 segundos, como para seguir degustando un buen “escocés” y un “fondue” con alguien tan melómano como un servidor. Es el embelesamiento para cerrar con broche de oro una reunión, o bien, iniciarla… porque todas deben iniciarse con los grandes “cartuchos” de esos, que muchos los guardan para el final.

Pero los grandes siempre serán los grandes. “Face Thief” y “Through Broken Glass” han sonado y lo seguirán hacienda en mi i-Pod por los siglos de los siglos…

“Hyperstructure” ha dejado huella y su “arquitecto”, mi buen amigo Genaro, igualmente lo está haciendo porque cuenta con el material y el apoyo de quien se debe.

Nuestra misión: apoyarlo. Estimados (2) lectores: No me pidan una copia del cd o la versión en mp3, bien vale la inversión de comprarlo.

La producción estuvo a cargo de Genaro (2008) y fue grabado en México y en Francia.

Ahora sí, sobre el booklet, todo un arte.

Es todo un paseo por la imaginación de Mauricio “Sidiuss” Javier González, Erick “Kire” Schumacher, Abelardo “Cybergus” Ojeda y Genaro Ochoa, obviamente.

Un paseo, que posiblemente para disfrutarlo, no tendríamos que estar en nuestros 5 sentidos. ¿Seis? No sé, pero con algunos desinhibidores para la mente y el espíritu se entienden mucho mejor: El mar, la silla a la orilla y él observando. El hombre sentado frente al televisor en un edificio a punto de demolerse, fumando, observando. La tele… ahora observando a Él. Las manos de Él, observando a un ser, en el campo. Él, Genaro, observando al motor, ¿de este planeta?

El ser, desnudo. El bisturí en la mano del ladrón, y gotas de sangre. Aquellas vírgenes, supongo yo, que disfrutan del dolor de Él, encerrado tras el espejo.

Y no podía faltar el ladrón de rostros, con bisturí en mano, a punto de…

Un álbum de producción, creatividad, genialidad y sello nacional.

Con dedicatoria a Genaro, quien además de ser The Arkitecht, cuenta con trabajos en los teclados dentro de la programación de Once TV México.

Termina “Face Thief” con una majestuosa voz de cualquier historia épica y lucha de quimeras de la edad media, de aquellas historias mágicas de hadas, dragones y monstruos enormes.

Termina este humilde homenaje al metal de primer mundo y a Genaro, un amigo.

Comentarios: carlos@zaldivar.org.mx

VII Encuentro GeneXus

2010-03-18T15:26:00.001-07:00

VII ENCUENTRO GeneXus México, Centroamérica y el Caribe

Cd. De México, Marzo 2010

Por Carlos Zaldívar

Opormenazas 2010

Nos fuimos en blanco en el 2009. La contingencia por esa enfermedad que provocó mover agendas nos impidió el evento tan esperado ese año. Finalmente la fecha se cumplió el día de ayer: marzo 17.

En el recinto hotelero de Campos Elíseos, Nikko, se llevó a cabo por séptima vez el Encuentro para la Comunidad GeneXus, denominado “VII Encuentro México, Centroamérica y el Caribe”.

Más de 1,200 participantes registrados en el website del encuentro, muchas expectativas sobre el programa y la versión Evolution 1 de GeneXus X.

La parte subjetiva del Encuentro fue la “Magia” del mismo, mis expectativas que fueron sobrepasadas y el número de participantes.

Por la mañana, durante una sesión en facebook, discutimos sobre el número de participantes que recorreríamos todo el encuentro: 400 personas. Afortunadamente no fue así.

O fueron las presentaciones de Nicolás y de Gustavo, quienes dinámicamente nos hablaron de la Evolution 1, o fue la misma “Magia” del evento inyectada desde el inicio lo que nos mantuvo al pie del cañón durante todo el evento.

Vivimos (o más bien sobrevivimos) con la actual generación de los jóvenes: LA CONECTADA.

Y es muy cierto, hoy en día – “si la computadora no tiene internet, no sirve… no es computadora” – y también – “si la televisión no tiene cable, no sirve… no es televisión” - y así pudiera seguir haciendo acotaciones tecnológicas, pero no terminaría. Es la generación ONLINE.

Y también me atrevo a afirmar: - “si una escuela no tiene centro de cómputo para los alumnos… no es escuela”.

Sería un día largo y posiblemente “pesado”, pero después del almuerzo, llegó la magia de Víctor Castañeda y nos contagió de su “magia” y buen humor, así que estuvimos siempre atentos, despiertos y animados para el cierre… y más aún: para ahondar en GeneXus X Evolution 1.

Coloquialmente escribiendo: ARTech “echó la casa por la ventana” o “se voló la barda”; que posiblemente no sean términos muy uruguayos, pero que seguramente todos entienden perfectamente.

Y pasando a mi opinión objetiva, aquí van mis comentarios y perspectiva sobre el encuentro.

Muy seguramente no estén en orden cronológico, y no creo que importe, pero aquí van:

El registro. ¡Ah, el registro! Mi sorpresa al llegar fue que por vez primera tuve que concebir una larga fila, y además al llegar a recoger mi gafete, ¡me mandan a otra fila! Ups.

Para ARTech era de esperarse, creo que no contemplaban tanta gente… y también supongo que el sistemita de registro no lo hicieron con la Evolution 1.

Finalmente degustamos un rico desayuno muy clásico del Nikko.

Tuve la oportunidad de saludar a varios conocidos, amigos y dos que tres estudiantes que no veía hace tiempo. La sinergia comenzaba a sentirse en los salones Constelaciones.

Anibal: !Mil gracias por el buen recibimiento que me diste!

Un dato curioso, pero muy curioso… fue que todo estuvo funcionando “by the clock”, o muy cercano al 100% con los tiempos programados. Fueron respetados y el orden irradió en toda la comunidad.

La nueva disposición de contar con 1 sala enorme para conferencias, un show room y una pequeña sala para los talleres fue cabal.

En punto de las 9:15 ya estaba Gustavo Carriquiry con el “Overview de GeneXus X Evolution 1”. ¡Caray! Que buena exposición. Nos hizo remembranzas sobre la generación actual, la generación CONECTADA y el comparativo con nuestras generaciones. Interesante punto sobre la conectividad principalmente en las redes sociales. ¿Habrá alguien que no esté “conectado al mundo real”? Espero que no.

Hoy en día todos “texteamos”, “mensajeamos”, “feisbuqueamos”, “twitteamos”, “blogueamos” y amos, amos, amos…

Y por supuesto que también ¡GeneXeamos! (¿Ya existirá el verbo?)

No pude asistir a los Talleres, así que esa experiencia se la encargo a otro participante.

Lo mejor de lo mejor, fueron esas 2 tecnologías de vanguardia:

GXserver y GXtest.

No entraré en detalles de estas maravillas, pero ¿Se imaginan no tener que esperar a que otro termine su actualización o mande su objeto?, o ¿Mandar y/o recibir objetos de un usuario a otro, remotamente?

La solución es simple: GX server. Y para saber más: www.genexusserver.com

Si deseas “testear” (verbo más amplio que simplemente probar) casi al mismo tiempo de producir una aplicación, entonces la solución es GXtest. Entra a www.abstracta.com.uy

Una diapositiva interesantísima expuesta fue la que mostró algunas habilidades mínimas que debe conocer un desarrollador, entre las que destacan: Silverlight, xml, java y php. Pero sobre estas habilidades hay 2 más importantes:

- Soft Skills, y

- Domain Knowledge. Éste es importante. Es el dominar el conocimiento, la base de los problemas y funcionamiento de la organización.

El conocimiento es la esencia, el núcleo de GeneXus… es su filosofía.

También les recomiendo entrar y dar un paseíto por http://public.genexusserver.com

Encontrarán varias KB’s de mucho interés.

Continuamos con 4 Casos Reales:

- Canon: Explicando su sistema JIKKEI y sus características.

- Condusef: Platicando sus primeros pininos con GeneXus. Un sistema pequeño funcionando a la perfección y una vez dominando el ambiente y la descripción en GeneXus, llevará a cabo otras 3 aplicaciones.

- Grupo Salinas: Describiendo su gran proyecto que enfoca a las cuatro empresas del grupo. Este sistema controla todos los “activos fijos” del mismo.

Y finalmente: SEMARNAT, la empresa que se lleva las “palmas de oro” por su sistema a nivel nacional denominado SNGF (Sistema Nacional de Gestión Forestal).

Es una aplicación robusta y de fácil interfaz para controlar todo el territorio de la República Mexicana, donde también interactúan varios UC (user controls) como mapas, gráficos, estadísticas, tiempo, etc.

Obviamente SEMARNAT se llevó un merecido reconocimiento por parte de ARTech. ¡Enhorabuena!

GXportal 5.0 fue demostrado por Jesús A. Rodríguez. Nos mostró en una breve presentación las nuevas bondades de la aplicación.

La vida tan fácil como un “Drag & Drop” para tener una página web en tan sólo 5 minutos, y para saber más simplemente naveguen a www.gxportal.com

Por cierto, GXportal es muy diferente a Microsoft Sharepoint Services, y es que por ahí alguien hizo ese comparativo.

Y justo antes del almuerzo, como para despegar con más ánimo, llegó Nicolás Jodal con una brillante manifestación sobre las T.I.’s: Un keynote tan sencillo como hablar de “OPORMENAZAS 2010”.

Las oportunidades y amenazas durante las crisis y lo que nos depara en T.I. para este 2010 con respecto a las mismas.

Para los fanáticos de la F1, nos tuvo inmersos desde el inicio de su presentación, pues recapituló la experiencia de la escudería Brawn en la F1. Honda a punto de la quiebra de su escudería y la vende a Ross Brawn por tan sólo una libra. ¿El resultado? www.f1.com

Y concluye Nicolás con una frase de Ichat Adizes (uno de esos gurúes del Management):

“Las crisis son oportunidades para los fuertes y amenazas para los débiles”.

¡Qué punto tan acertado!

Fuimos a almorzar, y al regreso: “tercera llamada” para el sorteo. Hubo rifas de cursos, certificaciones y algunos productos que llevaron I.B.M. y H.P. entre otros. El premio mayor, el viaje al XX Encuentro en Montevideo, Uruguay, en septiembre de este año, se reservó al final de las conferencias.

Fue el turno para ARTech USA, quienes nos fraguaron los beneficios, bondades, características y “requisitos” para migrar aplicaciones de otras plataformas y sistemas a GeneXus X Evolution 1.

Recalcar en la Evolution 1, la “completitud” y el aumento en la productividad en la organización, fueron primordiales.

¿Y luego? Pues una muy dinámica charla que compartieron Anibal Gonda y Rodrigo Álvarez con nosotros: ¿Fast & Furious?

¡No!

¿Más autos de F1?, Tampoco.

Fue “Rápido y Productivo”. Un buen slogan para complementar el de “NOW, it’s time to act”.

Fue una charla entre cientos de personas, bueno, así lo sentí. Me sentí parte de ella donde Anibal y Rodrigo dialogaron anécdotas personales, profundizaron en la adopción de nuevas tecnologías y sobre todo, en cómo lograr todo esto potenciando los recursos con GeneXus X Evolution 1.

Una charla “personal” donde exteriorizaron en una diapositiva las actuales tecnologías, donde quiero insistir en que hoy estamos viviendo el boom de las T.I.’s con las redes sociales dentro de la Web 2.0.

En esa gráfica apareció el año 2020 con un texto que se leía: “Web 4.0”.

¿What?

Quedé pasmado, y como diría nuestro amigo Castañeda: quedé boquiabierto, con enormes ojos y cejas hasta arriba.

¿A dónde nos habrá llevado la tecnología en ese año?

¿Cómo estaremos viviendo y en qué condiciones de rutina tecnológica?

Y aún en este momento que escribo estas líneas para mis 2 únicos lectores, sigo asombrado.

También hablaron sobre su proyecto en Uruguay en el fútbol: echen un vistazo a www.tenfieldigital.com y disfruten un buen website de fútbol.

Ya casi para terminar, nos despertamos más con la revelación de “Imagic Group”, representado por el talento y carisma de Víctor Castañeda, mago y comunicólogo, y quien nos hizo pasar un rato muy deleitable. Enfocado a su magia y a su exposición, pero nunca perdió de vista el objetivo principal: La magia de GeneXus X Evolution 1.

El punto medular de la plática de Víctor se centró en los 4 puntos filosóficos que cualquier persona y/u organización debería tener en mente para el éxito:

- Pensar

- Crear

- Soñar

- Atreverse

¿Cuántas veces hemos soñado con algún proyecto ambicioso y lo traemos a la realidad? ¿Cuántas veces nos han bloqueado un sueño?

¿Pensamos y nunca actuamos?

¿Pensamos, creamos y no soñamos con hacer realidad esos sueños?, o

Pensamos, creamos, soñamos, planeamos y nos atrevemos a traer esos sueños al presente. Los hacemos realidad.

Siempre… siempre hay que innovar, ser propositivos, pensar, crear y buscar las oportunidades. No esperar a que “pasen” las cosas; hay que “provocar” las cosas para que “pasen” como nosotros lo deseamos.

Porque sólo hay una manera de hacer las cosas, y ésta es: HACIÉNDOLAS.

Simple y sencillo.

Así deben ser las organizaciones: pensar, crear, planear, proyectar y atreverse a traer los sueños.

En la vida académica sucede lo mismo con los colegios y universidades: deben planear y replanear cada ciclo escolar como si cada uno fuera totalmente nuevo, innovar en tecnología, en planes de estudio, en herramientas, en todo…

De hecho cada ciclo escolar DEBE ser diferente, muy diferente al anterior.

Y llegó un gurú más de la informática, Breogán Gonda.

Serio, muy certero, seguro de sí mismo. Esta vez sin diapositivas, simplemente con unas notas sobre la mesa que trajeron de algún bar cercano.

La esencia de GeneXus es la Base del Conocimiento. GeneXus X Evolution 2 será más poderoso. Su visión para las TI’s reafirma y concreta en tan breves minutos, lo que sus colegas nos platicaron durante todo el día.

Ya pasaron 20 años desde el primer encuentro de GeneXus en Uruguay, ya pasaron 10 versiones de GeneXus, han pasado más de 10 años desde que conocí GeneXus y cambió mi mente analítica a más descriptiva, ya pasaron 7 Encuentros en México… y pasarán muchos, pero muchos más de todo esto.

También fue el primer encuentro donde se insistió en la actividad docente y académica con GeneXus. Participaron el Instituto Tecnológico de Tlalnepantla, Conalep y UPIICSA entre otras organizaciones académicas.

Mi agradecimiento fraternal a Anibal Gonda, Oscar León y Maribel Hernández, con quienes tengo un pendiente académico.

Un saludo a mis amig@s: Elizabeth y Sara, de TIEE; Bernardo y Alejandro, de UHTHOFF; Roberto, de ALGORÍTMICA; Rodrigo, de E-NTELLIGENCE y Sergio Gazzolo.

Y por supuesto a Breogán, Nicolás, Gerardo y todo el equipo de ARTech.

Nos vemos en el VIII Encuentro.

Dejen aquí sus comentarios.

(Cualquier nota sobre: errores, sugerencias, correcciones, puntos de vista, etc. será bienvenida)

Carlos Salinas de Gortari

2010-03-01T11:16:00.001-08:00

Canal 40
Jorge Fernández Menéndez

Excelente la entrevista con Carlos Salinas de Gortari anoche (Febrero 28)
El periodista Jorge Fernández Menéndez fue muy claro y enfático: Salinas es quien más sabe y está enterado de política
en México.
"Salinas es sagaz y nos lleva siempre a donde él quiere en cuanto a los temas", comentaron.
Fue una entrevsita clara y muy objetiva.
Pensé que duraría más y trataría más temas, como por ejemplo: las próximas elecciones presidenciales y sobre el ya
famoso "presidenciable", pero aún así fue muy atrayente.
El tema tratado, fue la "Banca" y sus pormenores en el país.
¿Importan los intereses mexicanos o los extranjeros?
¿Para quién trabajan los bancos? Para México o para el Extranjero...

Y como se comentó al final: Salinas sigue disfrutando del Poder que aún tiene.
Y mi opinión personal, es que "SE LO HA GANADO".

Mis felicitaciones al canal 40 por su cuarto año al aire, y al programa Séptimo Día.

Por cierto la compañera periodista Bibiana, a mi buen juicio, salió sobrando. Le falta experiencia y los nervios se la comieron.
Además cometió un grave error al decir: "financíe" cuando debió haber sido "financie". La sílaba tónica es en la
segunda sílaba.

Saludos
Link:

http://www.proyecto40.com.mx/#/internettv

Camila

2010-02-24T17:34:00.000-08:00

Mario Domm
¿Creador de "Camila"?

Ahora mis alumnas me dejaron tarea.
Ver, Escuchar y poner atención a: "Aléjate de mi" de "Camila"
¿Camila?, ¿Qué es eso?
Así que presto fui (como si me transportara a otro lado) a YouTube.
Busqué, encontré, leí, me sorprendí, ESCUCHÉ, volví a leer y ahora escribo.

1.- A mi consideración: no es un dúo ni un grupo. Me sorprendí cuando me enteré de que Mario Domm es el líder.
Creo que más que un líder, él es Camila. Músico, Intérprete y Compositor y creador de este "grupo".
Compositor para Ale Guzmán, Paulina Rubio y también para los pseudo "artistas completos de" Reyli y Kalimba.
2.- Los Grammies (o "Gremlins" diría Mr. Lora") a la fecha son meros reconocimientos de "Comercialización" y el
resultado de una buena mercadotecnia. NO hablan ni reflejan la calidad musical
3.- Camila tiene dos álbumes: "Todo Cambió" de 2007 y "Dejarte Amar" de este año.
4.- Premios a nivel Latinoamérica... ahí se quedan
5.- Buenos arreglos, guitarras, bajo, batería y una MUY BUENA VOZ del Sr. Domm. Aquí sí, mis respetos.
Aunuqe no es la única en México. Sólo basta escuchar la de Emmanuel Cabrera de la banda "Almas Gemelas" o Salvador Aguilar de "Coda". En fin, sería una lista interminable de bandas MEXICANAS que ya figuran en el otro lado del océano.

Concluyo que no hay que perder de vista a Camila y ser testigos de su "Evolución" o "Estancia permanente" en
Latinoamérica.
Porque además el trayecto a la música del primer mundo es muy, pero muy largo.

¿Algún día estarán presentándose en ese mundo?

Saludos especiales a mis recomendadoras

Tooth Fairy

2010-01-25T08:37:00.000-08:00

What a great movie! (Subjective View)
Faith and Love rule the world.

Who believe in fairy tales?

I still faith in you! my dear platonic love. Faith and Patience...
And a great final: "Sunshine Of Your Love" from the masters of CREAM: Ginger Baker, Jack Bruce & Eric Clapton.
Don't miss it.

Y Más del Black Ice Tour...

2009-12-02T06:17:00.000-08:00

Salve César, los que estamos a punto de morir te saludan.
AC/DC, Black Ice Tour 2009.
Don Haskins Center, 15 de Noviembre, El Paso, TX.
Por Alejandro Corral

“¡Máquina ciega y sorda, fecunda en crueldades,
Saludable instrumento, bebedora de sangre!
¿Cómo no te avergüenzas? ¿Todavía no viste
En todos los espejos decrecer tus encantos?
La enormidad del mal, en que te crees tan sabia,
¿No te hizo jamás retroceder de espanto
Cuando la naturaleza, con ocultos designios,
De ti puede servirse, ¡Oh reina del pecado!
-De ti, vil animal- para engendrar un genio?
¡Oh Fangosa grandeza! ¡Oh sublime ignominia! ”
Charles Baudelaire, La Cabellera (fragmento)
42 Flores Del Mal (1857)

“Si no está descompuesto o roto, no tiene que repararse”. ¿Cuántas veces hemos escuchado esta frase? En la industria de la música, esto parece ser una antítesis, donde vemos grupos, músicos, solistas, cantantes reinventarse una y otra vez, algunas veces con éxito, otras veces no, pero siempre experimentando con nuevas formas, novedosos sonidos y propuestas. Es casi increíble que los británico-australianos se hayan mantenido fieles a una misma fórmula y a la vez sean el grupo de rock pesado más exitoso de la historia. Nadie en este género ha vendido más discos que ellos y junto con Led Zeppelin, se convierten en las únicas bandas que han rebasado la cifra de los 200 millones de copias vendidas. Pero ¿qué hace de este conjunto un punto de referencia en la historia musical? ¿Será acaso el carisma del Peter Pan enfundado en el eterno uniforme escolar que gesticula y se contorsiona con los acordes de su guitarra? ¿O será la aguardentosa voz de un sesentón con músculos marcadísimos, movimientos lujuriosos y boina que cubre su rizada cabellera? Por fortuna, la respuesta va más allá de estos dos personajes, necesitamos por fuerza centrarnos en lo esencial de esta banda, su música. Con un estilo purista y hasta podría decirse minimalista, este quinteto liderado por los hermanos británicos de nacimiento y australianos por adopción, Angus y Malcolm Young, ha llevado a cuestas su estilo con esa mezcla riquísima de blues y hard rock, fascinando por cuatro décadas a millones de seguidores por todo el mundo. Y dicho sea de paso, esa propuesta no es nada complicada, ni mucho menos. Si uno desmenuza los temas de sus discos de estudio encontrará melodías bien estructuradas, acordes nada complicados y letras que no intentan, ni pretenden ser profundas ni intelectuales. Una vez alguien me dijo: “estos de AC/DC se la pasan hablando de viejas, sexo, desmadre y el diablo” y si, en resumidas cuentas podríamos decir eso.
La historia de esta singular banda puede describirse en dos etapas: Antes de Bon Scott y después de él. La primera podría llamarse la etapa australiana, que vio su punto más alto con el disco que lo cambió todo en 1979, “Highway to Hell” y la segunda que inició con su obra maestra un año después, “Back in Black”, y podría llamarse la etapa internacional. Antes y después de estos discos se encuentra de todo, desde sus primeras y rústicas ediciones como “High Voltage” (1975) o “Dirty Deeds Done Dirt Cheap” (1976), hasta grandes superproducciones como “The Razors Edge” (1990) o “Ballbreaker” (1995). También es importante mencionar que AC/DC se ha adaptado de manera camaleónica a cada uno de sus productores. Con el hermano mayor de los Young, George (productor de sus primeros discos) su sonido es muy simple, dándole al vocalista Scott una libertad absoluta de interpretación y haciendo de la sección rítmica de la banda una maquinaria de precisión única y sello característico, sin protagonismos, tan solo para acompañar lo de verdad relevante, la guitarra de Angus, el alma y columna vertebral de cada esfuerzo en conjunto. Tal vez el mejor álbum de esa época sea el muy bien logrado “Let There Be Rock” (1977). Después con Robert John "Mutt" Lange (también responsable de los álbumes más famosos de Def Leppard) encontraron gran armonía en la propuesta y una perfección de sonidos en esa trilogía sorprendente y punto de referencia obligado para quienes gustamos del rock pesado, compuesta por los discos “Highway to Hell”, “Back in Black” y “For Tose About to Rock We Salute You”, llevados al mercado entre 1979 y 1981. Otro ejemplo, no tan grandioso, pero muy a la altura de “Mutt” con la banda fue el “Who Made Who” en 1986. Hasta el día de hoy las producciones bajo la batuta de este genial personaje representan lo mejor y más fino de la agrupación australiana. También fue él, quien tras la dolorosa muerte de Scott, se dedicó a persuadir a los miembros restantes de sacar al mercado el álbum comprometido con la voz de un muy serio y profesional Brian Jonson, con el resultado ya de todos conocido.
Otro productor que dio un giro muy interesante fue Bruce Fairbairn, quien acostumbrado a trabajar con bandas de Hard Rock, nos regaló con “The Razors Edge” y el extraordinario álbum en vivo doble “Live”, una versión muy comercial de AC/DC con la grandeza de los monstruos y grandes imanes de taquilla. Un punto aparte tienen los álbumes producidos por ellos mismos, que han sido los menos logrados de su carrera (Flick of the Switch (1983) o Fly on the Wall (1985), son un claro ejemplo de ello)
Pero sin lugar a dudas el disco más extraño es el que produjeron Rick Rubin y Mike Fraser, “Ballbreaker”, en 1995. Con el antecedente de que ambos habían trabajado con bandas como Metallica, Slayer, Red Hot Chili Peppers o Danzig, sacaron a relucir el lado más pesado y oscuro de los australianos; dentro de la misma fórmula, demostraron que era posible llevarlos al límite de su purismo musical. Ahora, con “Black Ice” trabajan por primera vez con el productor Brendan O’Brien y éste hace notar su estilo con un trabajo impecable y sonidos limpios, sin perder la potencia esperada por los seguidores. No en vano ha sido responsable de los grandes éxitos de Rage Against The Machine, Velvet Revolver o The Black Crowes.
Si se escucha a este grupo con el cuidado que se merece, con el respeto al que se han hecho acreedores a lo largo de los años, nos daremos cuenta que no es casualidad que la historia los haya puesto en un lugar tan alto. Es el resultado directo de lustros de lucha constante y un devenir de nombres y personajes, cada uno dejando un mucho o un poco dentro del sonido de AC/DC. Por eso a los que en 2008 o 2009 han sido testigos de su nueva gira, les aseguro algo con todo conocimiento de causa: están haciendo historia. Ante estos grandes, ofreciendo vivos ejemplos de furia, arrebato y profesionalismo, uno se quita el sombrero y hasta los cuernos.

La Crónica

Tal vez la pregunta obligada sea: ¿Por qué después de saber que se presentarían en la Ciudad de México ante más de 50,000 frenéticos seguidores, aceptaron llevar la gira a la ciudad de El Paso, ante apenas 9,000 personas? Los boletos volaron, pero el recinto es tan pequeño para un grupo de la envergadura de AC/DC que los asistentes tendríamos un contacto mucho más personalizado con la banda y qué decir de un servidor que estuvo a escasos metros del escenario, en la fila 10 de la extrema derecha con una visión perfecta, donde pude ser testigo del sudor que exhalaban los poros de Johnson y Angus.
La cita fue a las 8 P.M. (hora de la montaña, como por acá se dice, o sea una hora menos que en la Ciudad de México). Muchas veces uno se pregunta sobre las diferencias entre el primer mundo y el sub-desarrollo. Casi siempre contesto que son los pequeños detalles, esas insignificancias que pueden bien significar un mundo de diferencia, literalmente hablando. Empecemos con el orden en la entrada, el estacionamiento y sobre todo en la entrega de los boletos. Yo tenía un tipo de entrada denominada “paperless ticket”, es decir, no se emitía un boleto físico. Tenía que presentarme con la tarjeta bancaria con la que hice la compra y une vez en la entrada, una señorita muy amable deslizó la misma por un lector que imprimió un pequeño recibo, conteniendo la información del asiento correspondiente y sin más me dejó pasar. El grupo abridor fue uno local tejano (de Dallas si mal no recuerdo) con un sonido pesado muy sureño y los coros de una negraza espectacular. Apenas media hora, unas siete canciones disfrutables, pero nada fuera del otro mundo, con el comentario de vivir un sueño al abrirle a uno de los grandes, que han admirado por años. El escenario estaba repleto de micrófonos, pedales, consolas, distorsionadores y demás aditamentos para emitir o corromper el sonido deseado. Una vez que terminaron, todo esto se removió de la plataforma principal para dejar tan solo la tarima con la batería y dos micrófonos situados a cado lado. A las nueve en punto (otro pequeño detalle) se apagaron las luces y los cuernos intermitentes de los fanáticos del rock pesado comprados a 15 USD brillaban por todos lados. El alarido, los aplausos y en la pantalla un video que resume en unos minutos la postura de los australianos, escenas cargadas de un fuerte erotismo, rayando a veces en lo pornográfico y esa obsesión dantesca por el infierno y el mismísimo Lucifer. Un tren a mil por hora, alimentado por el carbón de Angus Young personificado con cuernos y cola de diablo, los pasajeros despavoridos en el interior, el vocalista disfrutando los placeres de una fémina; las vías por delante anunciando una ciudad próxima y dos muchachas, dignas de cualquier portada de revista para adultos, seduciendo al guitarrista con la intención de amordazarlo y detener la furiosa maquinaria. Sin éxito, la locomotora se dirige hacia su fatal destino (recordando la canción de “Crazy Train” de Ozzy Osbourne) y termina descarrilándose en medio del escenario, de donde intactos bajan los integrantes del grupo para comenzar los acordes de la canción número uno de su nuevo disco Rock N’ Roll Train, penetrando nuestro tímpano con un sonido limpio y esquizofrénico. Todos estábamos de pie y de hecho ya no me sentaría nunca más en mi lugar. El olor a hierba verde psicodélica quemada comenzó a percibirse casi con sincronía con la melodía y era el principio de una noche inolvidable. Con su voz rasposa, camisa cortada por las mangas y esa característica boina, Brian Johnson nos daba la bienvenida y luciendo un traje escolar color verde aterciopelado, Angus Young. Los pantalones cortos dejaban ver unas piernas blancas, casi transparentes y esa expresión desquiciada que con cada nota se hacía más maquiavélica. Ningún pedal, ningún aditamento, nada que distorsionara el sonido puro y limpio de los instrumentos. Cada voz sería interpretada solo por los integrantes del grupo. Al fondo del escenario y sin mayor afán de protagonismo encontramos a Phil Rudd en la batería (con un cigarro en la boca la mayoría de las veces y un guante blanco en la mano izquierda), en uno de los lados al bajista Cliff Williams (que dicho sea de paso, toca el bajo con uña, no con el dedo) y al otro extremo, al hermano de Angus, Malcolm, liderando la sección rítmica del grupo con su guitarra. Solo cuando las circunstancias lo requerían, los dos últimos se acercaban a sus respectivos micrófonos en medio del escenario y de inmediato regresaban a su escondite. Es espectacular ver trabajar a estos tres casi anónimos personajes, ejecutando sus funciones a la perfección y siguiendo la batuta del duendecito vestido de verde que corría por todos lados, con su inalámbrica guitarra que no cambiaría en toda la noche.
Después de una pieza nueva, cambiaron de tono con una de las más viejas, Hell Ain’t a Bad Place to Be (Let There Be Rock), donde la guitarra de Young demuestra la maestría adquirida por los años. Impresionante verlo derrochando energía, como si no trajera a sus espaldas más de cincuenta años y una gira de verdad extensa. Luego una de esas que no pueden faltar, Back in Black (disco homónimo), donde hacen un homenaje al fallecido Bon Scott y como los poetas malditos, convierten su tragedia en una poesía y un pretexto para regalarnos una melodía, en la nada poética realidad de ver a su amigo ahogado en su propio vómito después de una noche de parranda. Big Jack, del nuevo álbum se interpretó con todas las connotaciones sexuales que el “Gran Jack” pueda tener. La cámara enfocó a las muchachas más guapas del público y una de ellas, en estado de euforia y ebriedad, dejó al descubierto sus bien formados y operados senos. La señorita estaba unas filas delante de mí, así que sus encantos fueron vistos por un servidor en varias ocasiones, sin necesidad de la cámara. Esta pieza demuestra lo bien elaborado del nuevo material y vuelvo a insistir en el trabajo impecable de la sección rítmica, refugiada en su guarida. Cuando Angus alzaba la guitarra en todo lo alto, los tres se ponían atentos, con el primer salto dejaban la melodía en suspenso por unos segundos y para el segundo salto los instrumentos se quedaban en silencio. Todo con una coordinación casi mágica, sobrenatural. La velada siguió con uno de esos temas que ponen de buen humor, muy viejo, Dirty Deeds Done Dirt Cheap (disco homónimo), que despertó al monstruo de 9,000 cabezas en un solo grito común y desesperado. La descarrilada locomotora lucía en todo lo alto y el pequeño corredor que partía en dos el piso del gimnasio de básquetbol, recibía a los dos protagonistas principales de la noche (guitarrista y vocalista) una y otra vez en medio de ovaciones y gritos.
Shot Down in Flames, fue una agradable sorpresa rescatada del álbum Highway to Hell dejando el testimonio de la grandeza de este álbum. Algo de lo mejor de la noche llegó con Thunderstruck (único tema del The Razors Edge) y esa gran introducción de guitarra por parte de Angus, que no se cansaba de sorprendernos. En el público donde convivían hasta tres generaciones de fanáticos, la emoción estaba en todo su apogeo. El ritmo siguió con la pieza homónima del nuevo disco, Black Ice, regalándonos un sabroso blues-rock, seguido de manera casi natural por The Jack (T.N.T. – 1975), lo más remoto en el tiempo que podemos escuchar de ellos, aunque con una nueva letra que cambia la partida de póker con una mujer tramposa por una muy “sucia y atrevida fémina” haciendo todo tipo de favores al protagonista de la historia. En el clímax de la melodía, Angus aprovechó para hacer su obligado “striptease”, hasta dejar ver una trusa negra con las letras del grupo y el característico rayo partiendo las letras AC/DC. El flácido, blanco y esquelético torso al descubierto, sería el nuevo atuendo del pequeño ser emergido del inframundo. Del techo del gimnasio bajaron una gran campana de la cual el vocalista se colgaría, dejando escuchar los únicos sonidos pre-grabados de la noche, las campanadas anunciando una de las obras maestras del grupo, Hells Bells (Back in Black), esa bien elaborada pieza, que sacudió hasta mi neurona más aturdida. Del mismo álbum interpretaron a continuación Shoot to Thrill, como demostrándonos las razones por las cuales se han vendido casi 50 millones de copias en todo el mundo, haciéndolo el segundo disco más vendido de la historia, solo detrás de los casi inalcanzables 110 millones de Thriller del recién fallecido Michael Jackson.
Una vez demostrada la grandeza de esas piezas, siguieron con la última rola interpretada del nuevo material, War Machine, bien estructurada pero con un video sin mucho trabajo de edición. Luego otra de esas agradables sorpresas con el tema Dog Eat Dog (Let There Be Rock), aunque en esta si se extraña la tonadita de Scott. Brian Johnson, luciendo unos bíceps bien trabajados en el gimnasio y una sonrisa permanente en la cara, derrochaba simpatía por todas partes y no perdía oportunidad para estrechar las manos de cualquiera que se las extendiera. Curioso ver que ningún tatuaje se asomara por los cuerpos de los integrantes, de menos en las partes visibles. ¿Será que son puristas hasta en eso detalles? Y si faltaban motivos para demostrarnos lo soberbio del Back in Black, nos dejaron sobre el escenario el tema You Shook Me All Night Long, con otra vez todas las referencias eróticas que pueda contener la frase y siguiendo el tono cachondo explotaron con T.N.T. (disco homónimo), de cuando AC/DC era vetado en su natal Australia en las estaciones de radio, precisamente por estas connotaciones de índole sexual y se convertía en acto de rebeldía escucharlos. “T.N.T. soy dinamita, T.N.T. estoy sobrecargado, T.N.T. obsérvame explotar…..” Ya para que de plano no le faltara ningún ingrediente erótico a la noche, una enorme muñeca inflable con enormes senos, medias rasgadas a medio muslo sosteniendo algunos billetes, botas y guantes rojos, anillos en los dedos medios, maquillaje exageradísimo, tatuaje con el nombre del grupo en el hombro y montada de manera literal sobre la locomotora, hacía su aparición al ritmo de Whole Lotta Rosie (Let There Be Rock), que nos cuenta la historia de una prostituta, obesa, muy obesa que es una verdadera máquina sexual. Con ese ritmo ablusado, la melodía haría palidecer de envidia al mismo Baudelaire y a cualquier poeta maldito. Terminadas todas las referencias eróticas, retiraron muñeca y locomotora para dejar en medio una gran pantalla y cerrar con Let There Be Rock (de ya saben cual álbum). Las imágenes de cada disco de estudio y algunos en vivo se apreciaron de manera tridimensional, como haciendo un recorrido por la historia de la banda y cerrar con ese mensaje: dejemos ser al rock, dejémoslo que exista ahora y siempre, dejemos que nos siga emocionando y regalando este tipo de noches. Después de un largo solo por parte de Angus, muy aplaudido por cierto, el aludido se subió en una plataforma circular que lo alzó en medio del gimnasio y con papeles de colores flotando por encima de él, se recostó y dio vueltas sobre su propio eje sin dejar de tocar su instrumento y así despedirse en medio de la ovación de un público sorprendido ante la capacidad del músico, pero a sabiendas que faltaba algo más y lo esperábamos con ansia.
De una pequeña rendija en medio del escenario, salió humo y las pantallas se llenaron de flamas. De ese espacio humeante salió de nuevo Angus luciendo los cuernos, que cientos de seguidores llevaban, para interpretar del disco homónimo Highway to Hell, coreado a todo pulmón y toda garganta por cada uno de los presentes en el Don Haskins Center y cerrar de manera definitiva con el tema del también homónimo disco For Those About To Rock We Salute You, donde seis cañones montados en el lugar que antes ocupaba la locomotora disparaban a cada orden de “FIRE” de Johnson. A cada cañonazo, sabíamos que nos encontrábamos en la agonía del concierto y cuando el último fogonazo retumbó en nuestros oídos, los instrumentos enmudecieron y tras unas breves reverencias los cinco miembros del grupo se fueron a descansar. Se encendieron las luces y cada quien se retiró con su cada cual, llevando en la memoria frescos recuerdos de una de las más grandes bandas que hayan pisado tierra paseña. Al final me quedé reflexionando sobre lo que había pasado en un par de horas y sin duda se puede resumir en una palabra: grandioso. Y así con esa idea en la mente me retiré del lugar para ver las playeras de 35 USD y entender esas diferencias de las que hablé al principio. Y de nuevo agradezco las oportunidades que nos da la vida de llenar nuestra existencia con esa música que nos estremece y emociona. No importa si es el primer mundo o el tercero, ¿qué sería del planeta tierra sin música? No quiero ni pensarlo.

Más de ACDC.

2009-12-02T05:41:00.001-08:00

AC/DC: Lo clásico con mayúsculas.
Por Donaciano Fabián

A Nicolás Neil García Ortega,
con la esperanza de que los caminos del Metal
le conduzcan a otras emociones estéticas.

Hace algunos años alguien me preguntó cuál es la quintaesencia del rock, y en ese momento no supe que contestar con precisión. Recuerdo que le di muchas vueltas a la respuesta, pero no contesté algo concreto. Sin embargo, hoy, después de asistir al concierto de AC/DC en el Foro Sol hace algunos días, ya tengo una respuesta precisa a aquella pregunta: La quintaesencia del rock es la música.
Vaya, pues, si nos ponemos un poco académicos, podemos afirmar que “Todo rock es música, pero no toda música es rock”. Esto significa que hay cada infame que asegura que hace rock, cuando lo único que hace es ruido o, en el mejor de los de los casos, hace música… pero esa música nunca, pero nunca llegará a ser rock.
Y es que lo que hizo AC/DC durante su apoteósica presentación en el Foro Sol fue dejar muy claro que sabe hacer Rock (así, con mayúscula) y nada más, pero también nada menos.
El día del concierto escuché en los pasillos del Foro Sol cómo un párvulo preguntaba a su melenudo padre: “¿Qué toca AC/DC pa’?” Pues rock, hijo, rock, contestó categóricamente el adulto aquel. Esa respuesta no pudo ser más precisa.
En efecto, más allá de dimes y diretes, de clasificaciones, divisiones y subdivisiones a las que se somete al rock en general y al metal en particular, la banda australiana por antonomasia pinta su raya, marca distancia y hace su música. Y si ésta es estridente y rasposa, tiene un alto voltaje, se mueve al filo de la navaja y hace sonar campanas infernales, entonces la voz aguardentosa de Brian Johnson tiene razón cuando grita Hell ain’t a bad place to be.
La presentación de Angus Young y compañía fue un auténtico derroche de energía musical, aderezada con un buen escenario, un sonido impecable, unas luces en completa sincronía con la música y una potencia perfectamente ecualizada. Y si a esto le agregamos el brío y la experiencia de la banda, así como el delirio y el ímpetu orgiástico y orgásmico del “respetable público”, el resultado es una experiencia sublime, extática y estética.
El concierto de AC/DC, en más de un sentido, fue un concierto de música “clásica”, como dijera el maese José Agustín. Qué puede ser más clásico que el inveterado himno Highway to Hell, la sicalíptica Whole Lotta Rosie y la esotérica Back in Black , por mencionar solo algunas de las rolas que esa noche hicieron vibrar el graderío y las paredes del Foro Sol. Let there be rock no’mas.
Fue también un concierto de música clásica porque en las notas de la Gibson SG que empuña Angus Young reverbera el espíritu del gran Chuck Berry –¿de dónde creen que salió el “paso del pato” que baila Angus?–. Y qué decir de la resonancia impregnada del sonido bizarro de Jerry Lee Lewis y la locuacidad extrovertida de Little Richard, aunque los australianos no usan teclados, el ritmo es el ritmo, la música es la música y el rock es el rock… Y aquel que esté libre de prejuicios que arroje su primer aforismo.
Vale la pena mencionar que para algunos fans recalcitrantes y –paradójicamente- incondicionales, los conciertos de AC/DC también son clásicos pero en un sentido diametralmente opuesto porque “noche tras noche tocan los mismos temas”. Vale la pena echarle un ojo al siguiente link para analizar la postura de esos fanáticos que, me parece, hacen una crítica muy legítima a sus ídolos.
Bien por ellos, porque a pesar de ser fieles seguidores de la banda, no están enajenados y tienen la capacidad de analizar, ejercer la crítica y sugerir. No en balde han asistido, en conjunto, a más de 157 conciertos del grupo. Chéquenlo y fórmense su propia opinión: http://www.ac-dc.galeon.com/ultimasnoticias.htm
Vale. Salud y buen rock, larga vida al rock y For Those About To Rock (We Salute You).

Más de ACDC.

2009-12-02T05:41:00.000-08:00

Tren Montealto... casi privado

2009-11-30T10:59:00.000-08:00

TREN MONTEALTO
Nuevamente en el Bull Pool, para puros cuates.
Por Carlos Zaldívar

El sueño de todo melómano es que su banda favorita
toque en su cumpleaños o aniversario.

Apenas el miércoles pasado fui al Amapola Music Hall a deleitarme con esta banda muy prometedora y quedé sorprendido de su profesionalismo. Es más, escribí que para el siguiente sábado esperaba más sorpresas. Y es que no es una banda repetitiva en sus presentaciones, es una banda que sabe salir adelante, improvisa y sobre todo, le pone nuevos sabores a sus rolas.
En esta ocasión, sábado, la cita fue en el ya reconocido bar de Satélite, el Bull Pool a las 10:00 horas de la noche. El bar, casi vacío. Se esperaba más gente.
Estaban anunciados otros 2 grupos: “The Black Lions” y “Tornavox”. Lamentablemente (o afortunadamente) no se presentaron a su COMPROMISO. ¿Acaso sería porque a esa hora se transmitía un partido de fútbol? Sólo ellos lo sabrán.
Cheyk, Beto, Edoardo y Erick platicaban con los pocos asistentes al evento.
Les reconocí nuevamente su carisma y sinergia que tienen como banda musical, algo que muy difícil se logra conjuntar en las bandas.
Hoy, a esos “grupetes” pre fabricados sólo les importa la comercialización de un disco y salir en telehit. Y está bien. También para “esos” hay fans.
¿Cuánto va a vivir Tren Montealto? Fue una larga discusión entre mesas de bar, algunos comentarios muy acertados y otros específicamente divagaron en lo imaginario.
– Tren Montealto es mi vida – comentó Beto, aún delicado y convaleciente de una enfermedad. Y lo han comprobado, la música es su vida.
Sencillamente por esta circunstancia, estimados lectores, les aseguro que será “Larga Vida a Tren Montealto”.
Así que sin más ni más y pasadas las 10:30 de la noche, dieron inicio a una súper tocada que para mí, sería espectacular.
¿Asistentes? Pues acaso logré contar 32 personas, ¡y la tripulación del Bull Pool!
Los trenecillos dejaron de esperar a los otros grupos, pues pudieron haber llegado tarde, pero jamás se aparecieron, y como todos unos profesionales subieron al escenario a presentarse y se arrancaron con “Volando”.
Me sentí como muy halagado, hasta solitario. Mirando alrededor y ver espacios vacíos que hicieron imaginarme que era un concierto exclusivo y elitista, sólo para mí, para festejar mi cumpleaños o mi aniversario de boda o alguna otra fecha importante.
La banda hizo acertados comentarios acerca del público y muy emocionados siguieron con las demás rolas.
El setlist fue el mismo del miércoles pasado. Esta vez sin rotura de cuerdas en la guitarra y sin tanto bullicio de meseros. Fue un CONCIERTO PRIVADO, puros cuates y la tripulación del Pool.
Disfrutamos del concierto en un nivel descomunal. ¡Qué bárbaros los ferroviarios!
Terminaron la tocada, y como ellos afirmaron: – No pidan más, porque ya no tenemos más rolas –
Y ciertamente así fue. Ahora el trabajo debe continuar con la composición de más temas y preparase para la edición de su álbum debut.
Amigos ferroviarios: Nunca dejen la pasión por la música, sigan adelante porque el futuro es muy prometedor para su banda.
¡Enhorabuena chavos!